Peintres hollandais des XVIIe et XVIIIe siècles. Peinture hollandaise. Scènes de la vie quotidienne
La peinture hollandaise, aux beaux-arts
Environ la moitié du 16ème tableau. parmi les peintres hollandais, il existe un désir de se débarrasser des défauts de l'art domestique - son angulaire et sa sécheresse gothiques - en étudiant les artistes italiens de la Renaissance et en combinant leur manière avec les meilleures traditions de leur propre école. Ce désir est déjà visible dans les œuvres de Mostert susmentionné ; mais le principal diffuseur du nouveau mouvement doit être considéré comme Jan Schorel (1495-1562), qui vécut longtemps en Italie et fonda plus tard une école à Utrecht, d'où sortirent un certain nombre d'artistes infectés par le désir de devenir des Raphaël hollandais. et Michel-Ange. Sur ses traces, Maarten van Van, surnommé Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, surnommé. Blokhorst (1532-83), Cornelis c. Haarlem (1562-1638) et d'autres appartenant à la période suivante de l'école italienne, comme par exemple Abraham Bloemaert (1564-1651), Gérard Gonthorst (1592-1662), franchirent les Alpes pour s'imprégner des perfections des sommités de la peinture italienne, mais tombèrent, pour la plupart, sous l'influence des représentants du déclin de cette peinture qui commençait à cette époque et retournèrent dans leur patrie comme maniéristes, imaginant que toute l'essence de l'art réside dans le l'exagération des muscles, dans la prétention des angles et le panache des couleurs conventionnelles. Cependant, la passion des Italiens pour la peinture, qui s'est souvent étendue à l'extrême à l'époque de transition de la Géorgie, a apporté une sorte d'avantage, car elle a apporté à cette peinture un dessin meilleur et plus savant et la capacité de gérer la composition plus librement et avec plus d'audace. Avec la vieille tradition hollandaise et l'amour sans limites pour la nature, l'italianisme est devenu l'un des éléments à partir desquels s'est formé l'art original et très développé de cette époque florissante. Le début de cette époque, comme nous l'avons déjà dit, devrait être daté du début du XVIIe siècle, lorsque la Hollande, ayant conquis son indépendance, commença à vivre une nouvelle vie. Hier encore, la transformation spectaculaire d’un pays opprimé et pauvre en une union d’États politiquement importante, confortable et riche s’est accompagnée d’une révolution tout aussi dramatique dans son art. De tous côtés, presque simultanément, émergent en nombre incalculable de merveilleux artistes, appelés à l'activité par la montée de l'esprit national et la nécessité de leur travail qui s'est développé dans la société. Aux centres artistiques d'origine, Haarlem et Leiden, s'ajoutent de nouveaux - Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haye, Amsterdam, etc. Partout, les anciennes tâches de la peinture se développent d'une manière nouvelle sous l'influence de demandes et de points de vue changeants. , et ses nouvelles succursales, dont les débuts étaient à peine perceptibles dans la période précédente. La Réforme a chassé les peintures religieuses des églises ; il n'était pas nécessaire de décorer les palais et les chambres nobles avec des images de dieux et de héros antiques, et donc la peinture historique, satisfaisant les goûts de la riche bourgeoisie, a abandonné l'idéalisme et s'est tournée vers une reproduction fidèle de la réalité : elle a commencé à interpréter des événements passés depuis longtemps comme les événements de l'époque qui se sont déroulés en Hollande, et ont particulièrement adopté le portrait, perpétuant les traits des gens de cette époque, soit dans des figures uniques, soit dans de vastes compositions à plusieurs figures représentant des sociétés de fusiliers (schutterstuke), qui ont joué un rôle si important dans la lutte pour la libération du pays - les directeurs de ses institutions caritatives (regentenstuke), les contremaîtres d'atelier et les membres de diverses sociétés. Si l’on décidait de parler de tous les portraitistes talentueux de l’époque florissante de la Gaule. l'art, alors le simple fait d'énumérer leurs noms avec une indication de leurs meilleures œuvres prendrait plusieurs lignes ; Par conséquent, nous nous limitons à mentionner uniquement les artistes qui se démarquent particulièrement dans les rangs généraux. Il s'agit de : Michiel Mierevelt (1567-1641), son élève Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572 ? - 1657), prédécesseurs des trois plus grands portraitistes de Hollande - le sorcier du clair-obscur Rembrandt van Rijn (1606-69), dessinateur incomparable qui possédait un art étonnant de modeler des figures en lumière, mais un peu froids dans le caractère et la couleur, Bartholomew van der Gelst (1611 ou 1612-70) et frappant avec la fugue de son pinceau Frans Gols l'Ancien (1581-1666). Parmi ceux-ci, le nom de Rembrandt brille particulièrement dans l'histoire, d'abord tenu en haute estime par ses contemporains, puis oublié par eux, peu apprécié par la postérité, et seulement dans le siècle actuel élevé, en toute honnêteté, au niveau mondial. génie. Dans sa personnalité artistique caractéristique, toutes les meilleures qualités de la peinture de G. sont concentrées, comme au point, et son influence se reflète dans tous ses types - dans les portraits, les peintures historiques, les scènes de tous les jours et les paysages. Les plus célèbres parmi les étudiants et disciples de Rembrandt étaient : Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ou 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (vers 1620-54), Salomon et Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († plus tard 1645), Gerard Dou (1613-75) et Samuel van Googstraten (1626-78). Outre ces artistes, pour compléter la liste des meilleurs portraitistes et peintres historiques de la période considérée, il faut citer Jan Lievens (1607-30), ami de Rembrandt dans ses études avec P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) et Peter Nason (1612-91), qui travaillèrent apparemment sous l'influence de V. d. Gelsta, imitateur de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan et Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) et Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). La peinture domestique, dont les premières expériences sont apparues dans la vieille école hollandaise, se retrouve au XVIIe siècle. sol particulièrement fertile dans la Hollande protestante, libre, bourgeoise et satisfaite d'elle-même. Les petits tableaux, représentant naïvement les coutumes et la vie des différentes classes de la société locale, semblaient à suffisamment de gens plus amusants que les grandes œuvres de peinture sérieuse et, avec les paysages, plus pratiques pour décorer de confortables maisons privées. Toute une horde d'artistes satisfait la demande de telles images, sans réfléchir longtemps au choix des thèmes, mais reproduisant consciencieusement tout ce qui se rencontre dans la réalité, montrant à la fois l'amour pour leur famille, puis l'humour bon enfant, avec précision caractérisant les positions et les visages représentés et affinés dans la maîtrise de la technologie. Tandis que certains s'occupent de la vie des gens ordinaires, des scènes de bonheur et de tristesse des paysans, des beuveries dans les tavernes et les tavernes, des rassemblements devant les auberges au bord des routes, des vacances rurales, des jeux et du patinage sur la glace des rivières et des canaux gelés, etc., d'autres s'occupent le contenu de leurs œuvres provient d'un cercle plus élégant - ils peignent des dames gracieuses dans leur environnement intime, la cour des dandys messieurs, les ménagères donnant des ordres à leurs servantes, les exercices de musique et de chant dans les salons, les réjouissances de la jeunesse dorée dans les maisons de plaisance, etc. Dans la longue série des artistes de la première catégorie, ils surpassent Adrian et Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ou 1606-38), Jan Stan (environ 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, surnommé Bambocchio en Italie (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, surnommé Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anciennement 1630-76), Jan Minse-Molenar (vers 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) et quelques-uns. etc. Parmi le nombre tout aussi important de peintres qui ont reproduit la vie de la classe moyenne et supérieure, généralement suffisante, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh ( 1630-66), Caspar Netscher (1639-84), France c. Miris l'Ancien (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668 ). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony et Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La catégorie des peintres de genre comprend les artistes qui ont peint des scènes de la vie militaire, de l'oisiveté des soldats dans les corps de garde. , des campings, des escarmouches de cavalerie et des batailles entières, des chevaux de dressage, ainsi que des scènes de fauconnerie et de chasse à courre s'apparentant à des scènes de bataille. Le principal représentant de cette branche de la peinture est le célèbre et extraordinairement prolifique Philips Wouwerman (1619-68). Outre lui, son frère de ce maître, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), que l'on rencontrera bientôt parmi les paysagistes, ledit Palamède, Jacob Leduc (1600 - plus tard 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Pour beaucoup de ces artistes, le paysage joue un rôle aussi important que les figures humaines ; mais parallèlement à eux, une masse de peintres travaillent, en faisant leur tâche principale ou exclusive. En général, les Néerlandais ont le droit inaliénable d'être fiers du fait que leur patrie est le berceau non seulement du genre le plus récent, mais aussi du paysage au sens où on l'entend aujourd'hui. En fait, dans d'autres pays, par ex. en Italie et en France, l'art s'intéressait peu à la nature inanimée, n'y trouvait ni une vie unique ni une beauté particulière : le peintre n'introduisit le paysage dans ses tableaux que comme élément secondaire, comme décor, parmi lesquels des épisodes de drame humain ou la comédie se joue, et donc la subordonne aux conditions de la scène, inventant des lignes pittoresques et des lieux qui lui sont bénéfiques, mais sans copier la nature, sans s'imprégner de l'impression qu'elle inspire. De la même manière, il « composait » la nature dans les rares cas où il essayait de peindre une peinture purement paysagère. Les Néerlandais ont été les premiers à comprendre que même dans la nature inanimée, tout respire la vie, tout est attrayant, tout est capable d'évoquer la pensée et d'exciter le mouvement du cœur. Et c'était tout à fait naturel, car les Néerlandais, pour ainsi dire, ont créé la nature qui les entourait de leurs propres mains, l'ont chérie et admirée, comme un père chérit et admire sa propre idée. De plus, cette nature, malgré la modestie de ses formes et de ses couleurs, a fourni aux coloristes comme les Hollandais une matière abondante pour élaborer des motifs lumineux et des perspectives aériennes en raison des conditions climatiques du pays - son air saturé de vapeur, adoucissant les contours des objets, produisant une gradation de tons sur différents plans et couvrant la distance d'une brume de brouillard argenté ou doré, ainsi que la variabilité de l'apparence des zones déterminées par la période de l'année, l'heure du jour et les conditions météorologiques. Parmi les peintres paysagistes de la période de floraison, les Hollandais. les écoles qui étaient des interprètes de leur nature domestique sont particulièrement respectées : Jan V. Goyen (1595-1656), qui, avec Esaias van de Velde (c. 1590-1630) et Pieter Moleyn l'Ancien. (1595-1661), considéré comme le fondateur du Goll. paysage; puis cet étudiant à la maîtrise, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (vers 1600 - plus tard 1679), amoureux des effets d'un meilleur éclairage Art. d. Nair (1603-77), poétique Jacob v. Ruisdael (1628 ou 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) et Cornelis Dekker († 1678). Parmi les Néerlandais, il y avait aussi de nombreux peintres paysagistes qui entreprenaient des voyages et reproduisaient des motifs de nature étrangère, ce qui ne les empêchait cependant pas de conserver un caractère national dans leur peinture. Albert V. Everdingen (1621-75) a représenté des vues de la Norvège ; Jan Both (1610-1652), Dirk c. Bergen († plus tard 1690) et Jan Lingelbach (1623-74) - Italie ; Ian V. d. Maire le Jeune (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) et Jan Griffir (1656-1720) - Reina ; Jan Hackart (1629-99 ?) - Allemagne et Suisse ; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) et un groupe de ses disciples ont peint des paysages inspirés de la nature italienne, avec des ruines de bâtiments anciens, des nymphes au bain et des scènes d'une Arcadie imaginaire. Dans une catégorie spéciale, nous pouvons distinguer les maîtres qui, dans leurs peintures, combinaient des paysages avec des images d'animaux, privilégiant soit le premier, soit le second, ou traitant les deux parties avec la même attention. Le plus célèbre de ces peintres de l'idylle rurale est Paulus Potter (1625-1654) ; A part lui, Adrian devrait être inclus ici. d. Velde (1635 ou 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) et de nombreux artistes qui se tournèrent vers l'Italie pour leurs thèmes, tels que : Willem Romain († plus tard 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frédéric de Moucheron (1633 ou 1634 -86), etc. La peinture de vues architecturales est étroitement liée à la peinture de paysages, dans laquelle les artistes hollandais n'ont commencé à s'engager en tant que branche indépendante de l'art que dans la moitié du XVIIe siècle. Certains de ceux qui ont travaillé depuis dans ce domaine ont été sophistiqués dans la représentation des rues et des places de la ville avec leurs bâtiments ; ce sont, entre autres, moins significatifs, Johannes Bärestraten (1622-66), Job et Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d.Heyden (1647-1712) et Jacob c. village de Yulft (1627-88). D'autres, parmi lesquels les plus éminents sont Pieter Sanredan († 1666), Dirk c. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 ou 1617-92), ont peint des vues intérieures d'églises et de palais. La mer avait une telle importance dans la vie de la Hollande que son art ne pouvait la traiter qu'avec la plus grande attention. Beaucoup de ses artistes qui traitaient de paysages, de genres et même de portraits, s'éloignant un temps de leurs sujets habituels, devinrent peintres de marine, et si l'on décidait de lister tous les peintres hollandais. des écoles représentant une mer calme ou déchaînée, des navires qui se balancent dessus, des ports encombrés de navires, des batailles navales, etc., nous obtiendrions alors une très longue liste qui inclurait les noms de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. et J. Ruisdael, A. Cuyp et d'autres déjà mentionnés dans les lignes précédentes. En nous limitant à signaler ceux pour qui la peinture d'espèces marines était une spécialité, il faut citer Willem v. de Velde l'Ancien (1611 ou 1612-93), son célèbre fils V. v. de Velde le Jeune (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) et Julius Parcellis († plus tard 1634). Enfin, l'orientation réaliste de l'école hollandaise a été la raison pour laquelle s'est formé et développé un type de peinture qui, dans d'autres écoles jusqu'alors, n'avait pas été cultivé comme une branche spéciale et indépendante, à savoir la peinture de fleurs, de fruits, de légumes, les êtres vivants, les ustensiles de cuisine, la vaisselle, etc., en un mot ce qu'on appelle communément aujourd'hui la « nature morte » (nature morte, Stilleben). Dans cette zone entre le Les artistes les plus célèbres de cette époque florissante étaient Jan-Davids de Gem (1606-83), son fils Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630 -93) , Willem V. Alost (1626-83), Willem Geda (1594 - plus tard 1678), Willem Kalf (1621 ou 1622-93) et Jan Waenix (1640-1719).
La période brillante de la peinture hollandaise n'a pas duré longtemps - seulement un siècle. Depuis le début du XVIIIe siècle. son déclin approche, non pas parce que les côtes du Zuiderzee cessent de produire des talents innés, mais parce que Dans la société, la conscience nationale s'affaiblit de plus en plus, l'esprit national s'évapore et les goûts et vues français de l'époque pompeuse de Louis XIV s'enracinent. Dans l'art, ce tournant culturel s'exprime par l'oubli de la part des artistes des principes fondamentaux dont dépendait l'originalité des peintres des générations précédentes, et par un appel aux principes esthétiques apportés d'un pays voisin. Au lieu d'un rapport direct à la nature, de l'amour de l'indigène et de la sincérité, de la domination des théories préconçues, des conventions et de l'imitation de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain et d'autres sommités de l'école française. Le principal propagateur de cette tendance regrettable fut le Flamand Gérard de Leresse (1641-1711), installé à Amsterdam, artiste très compétent et instruit à son époque, qui eut une énorme influence sur ses contemporains et sa postérité immédiate tant par son pseudo maniéré -des peintures historiques et des œuvres de sa plume, parmi lesquelles l'une - "Le Grand Livre du Peintre" ("t groot schilderboec") - a servi de code pour les jeunes artistes pendant cinquante ans. Le déclin de l'école a également contribué à par le célèbre Adrian V. de Werff (1659-1722), dont la peinture épurée aux figures froides, comme découpées dans l'ivoire, aux couleurs ternes et impuissantes, semblait autrefois le comble de la perfection. Parmi les disciples de cet artiste, Henrik V. . Limborg (1680-1758) et Philippe V.-Dyck (1669-1729), surnommé « Petit V. » jouissaient d'une renommée comme peintres historiques. -Dyck". Parmi les autres peintres de l'époque en question, dotés d'un talent incontestable, mais imprégné de l'air du temps, il convient de noter Willem et France c. Miris le Jeune (1662-1747, 1689-1763), Nicolas Vercollier (1673-1746), Constantin Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) et Carel de Maur (1656-1738). Un certain éclat a été donné à l'école mourante par Cornelis Trost (1697-1750), avant tout dessinateur, surnommé Dutch. Gogarth, le portraitiste Jan Quincgard (1688-1772), le peintre décoratif et historique Jacob de Wit (1695-1754) et les peintres de la nature morte Jan V. Geysum (1682-1749) et Rachel Reisch (1664-1750).
L'influence étrangère a pesé sur la peinture hollandaise jusque dans les années vingt du XIXe siècle, ayant réussi à y refléter plus ou moins les changements que l'art a subis en France, en commençant par la perruque du temps du Roi Soleil et en terminant par le pseudo-classicisme de David. Lorsque le style de ces derniers devint obsolète et que partout en Europe occidentale, au lieu de la fascination pour les anciens Grecs et Romains, un désir romantique s'éveilla, maîtrisant à la fois la poésie et les arts figuratifs, les Néerlandais, comme d'autres peuples, tournèrent leur regard vers leur antiquité, et donc à leur glorieux passé pictural. Le désir de lui redonner l'éclat avec lequel il brillait au XVIIe siècle commença à inspirer les artistes les plus récents et à les ramener aux principes des anciens maîtres nationaux - à une observation stricte de la nature et à une attitude naïve et sincère envers les tâches à accomplir. main. En même temps, ils n'ont pas essayé de s'exclure complètement de l'influence étrangère, mais lorsqu'ils sont allés étudier à Paris ou à Düsseldorf et dans d'autres centres artistiques en Allemagne, ils n'ont ramené chez eux qu'une connaissance des succès de la technologie moderne. Grâce à tout cela, l'école hollandaise ressuscitée a retrouvé une physionomie originale et attrayante et avance aujourd'hui sur la voie qui mène à de nouveaux progrès. Elle peut facilement comparer nombre de ses personnages les plus récents avec les meilleurs peintres du XIXe siècle d’autres pays. La peinture historique au sens strict du terme y est cultivée, comme autrefois, très modérément et n'a pas de représentants marquants ; Mais en termes de genre historique, la Hollande peut être fière de plusieurs maîtres récents importants, tels que : Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (né en 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (né en 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) et le très talentueux Lawrence Alma-Tadema (né en 1836), qui déserta pour l'Angleterre. En ce qui concerne le genre quotidien, qui faisait également partie du cercle d'activité de ces artistes (à l'exception d'Alma-Tadema), on peut citer un certain nombre d'excellents peintres, dirigés par Joseph Israels (né en 1824) et Christoffel Bisschop (né en 1828) ; à côté d'eux, Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (née en 1826), Teresa Schwarze (née en 1852) et Valli Mus (née en 1857) méritent d'être nommées. Le nouvel objectif est particulièrement riche. peinture de peintres paysagistes qui ont travaillé et travaillent de diverses manières, parfois avec une finition soignée, parfois avec la vaste technique des impressionnistes, mais des interprètes fidèles et poétiques de leur nature natale. Il s'agit notamment d'Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (b. 1822), Hendrich c. de Sande-Bockhuisen (né en 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (né en 1837), Lodewijk Apol (né en 1850) et bien d'autres. etc. Héritiers directs de Ya. D. Heyden et E. de Witte, peintres aux vues prometteuses, sont apparus, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Parmi les peintres de marine les plus récents de Hollande, le le palmier appartient à Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (né en 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) et Henrik Mesdag (né en 1831). Enfin, Wouters Verschoor (1812-74) et Johann Gas (né en 1832) font preuve d'une grande habileté dans la peinture animalière.
Épouser. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volumes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, « Geschichte der Malerei » (2e et 3e volumes, 1882-1883) ; Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862) ; Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883) ; Havard, « La peinture hollandaise » (1880) ; E. Fromentin, "Les maîtres d'autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Etudes sur l'histoire de la peinture hollandaise à partir de ses échantillons situés à Saint-Pétersbourg." (annexe spéciale à revue "Vestn. Beaux-Arts", 1885-90).
Au XVIIe siècle, l’école de peinture hollandaise devient l’une des principales d’Europe. C'est ici, pour la première fois dans l'histoire de l'art mondial, que les objets de la réalité environnante se sont révélés être une source d'inspiration créatrice et d'intention artistique. Dans l'art hollandais de cette époque, la formation de tout un système de genres, qui a commencé à la Renaissance, s'est achevée. Dans des portraits, des peintures de tous les jours, des paysages et des natures mortes, des artistes dotés d'un savoir-faire et d'une chaleur rares ont transmis leurs impressions sur la nature environnante et la vie simple. Ils reflétaient l'image collective de la Hollande, une jeune république qui a défendu son indépendance pendant la guerre contre l'Espagne.
"Matin d'une jeune femme." 1660 France Miris l'Ancien. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Les peintures d'artistes sur des thèmes quotidiens (ou peintures de genre) représentant une personne dans un environnement familier et quotidien reflétaient les formes de vie, de comportement et de communication établies des personnes appartenant à diverses classes de la société néerlandaise. Destinées à décorer les intérieurs des maisons de marchands, d'artisans ou de riches paysans, les peintures des artistes hollandais étaient de petite taille. Les artistes gagnaient de l’argent en vendant des peintures peintes en gardant à l’esprit la possibilité d’une visualisation détaillée de près. Cela a donné naissance à un style d’écriture particulièrement soigné et subtil.
"La société sur la terrasse" 1620 Essais Van De Velde. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Tout au long du XVIIe siècle, la peinture de genre hollandaise connaît une évolution significative. Lors de sa formation, au début du siècle, les intrigues sur le thème des loisirs, du divertissement de jeunes riches Néerlandais ou des scènes de la vie des officiers étaient courantes. De telles peintures étaient appelées « banquets », « sociétés », « concerts ». Leur peinture se distinguait par sa diversité de couleurs et son ton très joyeux. Parmi les œuvres de ce type, citons le tableau « La société sur la terrasse » d'Esaias van de Velde.
Au début des années 30, la formation de la peinture de genre néerlandaise était achevée. Les « sociétés » bondées ont cédé la place à des compositions à petits personnages. L'image de l'environnement entourant une personne a commencé à jouer un rôle important. Il y a eu une division de la peinture de genre selon des critères sociaux : des sujets sur des thèmes de la vie de la bourgeoisie et des scènes de la vie des paysans et des pauvres des villes. Les deux tableaux étaient destinés à décorer l’intérieur.
"Lutte". 1637 Adrien Van Ostade. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
L'un des artistes les plus célèbres ayant travaillé dans le « genre paysan » était Adrian van Ostade. Au début de son œuvre, la représentation des paysans dans ses peintures se distinguait par un caractère comique accentué, atteignant parfois la caricature. Ainsi, dans le tableau « Combat », les combattants, éclairés par une lumière crue, ne semblent pas être des êtres vivants, mais des marionnettes dont les visages sont comme des masques, déformés par des grimaces de colère. La juxtaposition de couleurs froides et chaudes, les contrastes nets d'ombre et de lumière renforcent encore l'impression de grotesque de la scène.
"Musiciens de village". 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Dans les années 1650, des changements se produisent dans la peinture d'Adrian Ostade. L'artiste se tourne vers des sujets plus calmes, représentant une personne lors de ses activités habituelles, le plus souvent dans des moments de repos. Il s'agit par exemple de la peinture intérieure « Village Musiciens ». Ostade rend habilement la concentration des « musiciens » passionnés par leur travail, représentant avec un humour à peine perceptible les enfants qui les regardent à travers la fenêtre. La variété et la douceur des jeux d'ombre et de lumière, la palette de couleurs brun verdâtre unissent les gens et leur environnement en un seul tout.
"Vue d'hiver". 1640 Isaac Van Ostade. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Le frère d'Adrian, Isaac van Ostade, décédé prématurément, a également travaillé dans le « genre paysan ». Il a dépeint la vie de la Hollande rurale, dans la nature de laquelle une personne se sentait chez elle. Le tableau « Winter View » présente un paysage typiquement hollandais avec un ciel gris qui pèse lourdement sur le sol, une rivière gelée, au bord de laquelle se trouve un village.
"Le patient et le médecin." 1660 Jan Steen. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Le thème du genre de l'art des frères Ostade a été poursuivi par Jan Steen, un maître talentueux qui, avec un sens de l'humour, a noté les détails caractéristiques de la vie et des relations des personnages dans ses peintures. Dans le tableau «Fêtards», l'artiste lui-même regarde le spectateur avec gaieté et sournoiserie, assis à côté de sa femme qui s'est endormie après un joyeux festin. Dans le film « La malade et le docteur », Jan Steen révèle habilement l'intrigue d'une maladie imaginaire à travers les expressions faciales et les gestes des personnages.
"Chambre dans une maison hollandaise." Pierre Janssens. Toile, huile. Musée de l'Ermitage
Dans les années cinquante et soixante du XVIIe siècle, les thèmes des peintures de genre se rétrécissent progressivement. La structure figurative des peintures change. Ils deviennent plus calmes, plus intimes, une contemplation plus lyrique et une réflexion tranquille apparaissent en eux. Cette étape est représentée par le travail d'artistes tels que : Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Leurs œuvres incarnent une image poétique et quelque peu idéalisée de la vie quotidienne de la bourgeoisie néerlandaise, qui luttait autrefois pour ses droits et son indépendance et qui a désormais atteint une prospérité durable. Ainsi, le tableau intérieur « Chambre dans une maison hollandaise » de Peter Janssens représente une pièce confortable inondée de soleil avec des rayons de soleil jouant sur le sol et les murs, tandis que le tableau « La vieille dame près de la cheminée » de Jacob Vrel montre une pièce avec un cheminée immergée dans un doux crépuscule. Le choix de la composition dans les œuvres des deux artistes souligne l'unité de l'homme et de son environnement.
"Un verre de limonade." 1664 Gérard Terborch. Hôte (transfert de l'arbre), huile. Musée de l'Ermitage
Au cours de ces années, les artistes de genre néerlandais ont tenté pour la première fois de refléter dans leurs œuvres la profondeur de la vie intérieure d’une personne. Dans les situations de la vie quotidienne, ils ont trouvé l'occasion de refléter le monde diversifié des expériences subtiles. Mais cela ne peut être constaté qu’en examinant attentivement et minutieusement le tableau. Ainsi, dans le tableau « Un verre de limonade » de Gérard Terborch, le langage subtil des gestes, des touchers des mains et du contact visuel révèle toute une gamme de sentiments et de relations entre les personnages.
"Petit-déjeuner". 1660 Gabriel Metsu. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
Le monde objectif commence à jouer un grand rôle dans les peintures de genre de cette période. Elle ne caractérise plus seulement l’environnement matériel et émotionnel de la vie d’une personne, mais exprime également la diversité des relations entre une personne et le monde extérieur. L'ensemble des objets, leur disposition, un système complexe de symboles, ainsi que les gestes des personnages, tout joue un rôle dans la création de la structure figurative du tableau.
"Fêtards". 1660 Jan Steen. Bois, huile. Musée de l'Ermitage
La peinture de genre hollandaise ne se distinguait pas par une grande variété de sujets. Les artistes se limitaient à représenter uniquement un certain nombre de personnages et leurs activités. Mais, avec leur aide, la peinture de genre hollandaise a pu transmettre une image fiable de la morale, des coutumes et des idées sur la vie humaine au XVIIe siècle.
Lors de la préparation de la publication, des matériaux provenant de sources ouvertes ont été utilisés.
Introduction
1. Petit Néerlandais
Ecole hollandaise de peinture
Peinture de genre
4. Symbolisme. Nature morte
Rembrandt van Rijn
Vermeer de Delft janvier
Conclusion
Introduction
Le but des travaux de contrôle est :
· Dans le développement du potentiel créatif ;
· Formation d'intérêt pour l'art ;
· Consolidation et reconstitution des connaissances.
L'art hollandais est né au XVIIe siècle. Cet art est considéré comme indépendant et indépendant, il présente certaines formes et caractéristiques.
Jusqu'au XVIIe siècle, la Hollande ne disposait pas d'artistes artistiques importants, car appartenait à l'État de Flandre. Cependant, peu d’artistes sont célébrés à cette époque. Il s'agit de l'artiste et graveur Luca Leydensky (1494-1533), peintre Dirk Bouts (1415-1475), artiste Skorele (1495-1562).
Peu à peu, différentes écoles se sont mélangées et les maîtres ont perdu les traits distinctifs de leurs écoles, et les artistes restants de Hollande ont cessé d'avoir l'esprit de créativité nationale. De nombreux styles différents et nouveaux émergent. Les artistes essaient de peindre dans tous les genres, à la recherche d'un style individuel. Les méthodes de genre ont été effacées : l’historicité n’est plus aussi nécessaire qu’avant. Un nouveau genre est en train d'être créé : les porteurs de groupe.
Au début du XVIIe siècle, alors que se décidait le sort de la Hollande, Philippe III conclut une trêve entre l'Espagne et les Pays-Bas. Ce qu’il fallait, c’était une révolution, une situation politique ou militaire. La lutte pour l’indépendance a uni le peuple. La guerre a renforcé l'esprit national. Les traités signés avec l'Espagne ont donné la liberté à la Hollande. Cela a incité la création de leur propre art spécial, exprimant l’essence des Néerlandais.
La particularité des artistes néerlandais était de créer une image réelle dans les moindres détails - une manifestation de sentiments et de pensées. C'est la base de l'école hollandaise. Il devient un art réaliste et, au milieu du XVIIe siècle, il atteint des sommets dans tous les domaines.
Pour les Pays-Bas, il est courant de diviser non seulement en genres, mais également en de nombreux sous-types. Certains maîtres peignent des scènes de la vie des bourgeois et des officiers - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), d'autres - de la vie paysanne - Adrian van Ostade (1610-1685). ), troisième - scènes de la vie de scientifiques et de médecins - Gerrit Dou (1613-1675) ; peintres paysagistes - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), peintres de coins de forêt - Meindert Hobbema (1638-1609), maîtres d'intérieur - Pieter Janssens (1623-1682). De temps en temps, un certain genre devient traditionnel dans les écoles d’art. Par exemple, les peintres de natures mortes de Harlem des soi-disant « petits déjeuners » - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Les artistes montrent les mœurs et les coutumes, les normes éthiques et morales du comportement humain. Les événements familiaux sont souvent représentés. Les peintres paysagistes et les peintres de natures mortes transmettent la lumière en plein air et représentent magistralement la texture des objets dans les espaces fermés. La peinture domestique est au sommet grâce à Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).
1. Petit Néerlandais
Les Little Dutch sont un groupe d'artistes du XVIIe siècle, qui « unissent » les peintres de paysages de petite taille et les peintures de genre du quotidien (d'où son nom). De telles peintures étaient destinées à l'intérieur modeste des immeubles résidentiels. Ils ont été achetés par les citadins et les paysans. De telles peintures se caractérisent par une sensation de confort dans l'image, la subtilité des détails, la proximité entre la personne et l'intérieur.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. et S. van Ruisdael (1628-1682) et (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691), etc. Chacun s'est spécialisé, en règle générale , dans un genre particulier. Les « Petits Hollandais » perpétuent les traditions des maîtres hollandais de la Renaissance, qui affirmaient que l'art ne devait pas seulement apporter du plaisir, mais aussi rappeler des valeurs.
La créativité des artistes peut être divisée en 3 groupes :
années 1630 - l'établissement du réalisme dans la peinture nationale (le principal centre artistique était Haarlem, l'influence de F. Hals était un facteur important) ;
1640-1660 - l'épanouissement de l'école d'art (le centre d'art s'installe à Amsterdam, attirant des artistes d'autres villes, l'influence de Rembrandt devient pertinente<#"justify">2. Ecole néerlandaise de peinture
Pendant trois quarts de siècle, l'essor de l'art se poursuit dans le nord des Pays-Bas, dans la république des Provinces-Unies, appelée Hollande. En 1609, cette république reçut le statut d'État. Un État bourgeois a émergé ici.
L'artiste italien Caravage (1571-1610) a joué un rôle important dans la peinture de la Renaissance. Il peignait ses peintures de manière très réaliste, et les objets et personnages avaient une technique de clair-obscur élevée.
Les artistes étaient nombreux et vivaient dans de petites villes : Haarlem, Delft, Leiden. Chacune de ces villes a développé sa propre école avec ses propres thèmes de genre, mais Amsterdam a joué le rôle le plus important dans le développement de l'art néerlandais.
3. Peinture de genre
En Hollande, parallèlement à la popularité du genre paysager, de nouveaux apparaissent : marina - paysage marin, paysage urbain - veduta, images d'animaux - peinture animalière. Les œuvres de Pieter Bruegel ont eu une influence significative sur le paysage (1525-1529). Les Néerlandais ont peint leur propre beauté unique de la nature de leur pays natal. Au XVIIe siècle, l’école de peinture hollandaise devient l’une des principales d’Europe. L'environnement des gens est devenu une source d'inspiration pour les artistes. Dans l'art de cette époque, la formation d'un système de genres, amorcé à la Renaissance, s'achève. Dans des portraits, des peintures du quotidien, des paysages et des natures mortes, les artistes ont transmis leurs impressions sur la nature et la vie quotidienne. Le genre de la peinture quotidienne a commencé à avoir un nouveau concept : la peinture de genre. Le genre quotidien s'est développé en deux variétés : le genre paysan et bourgeois (urbain). Les peintures de genre représentaient la vie d'un particulier : fêtes de fêtards, activités économiques, musique. Les artistes prêtaient attention à l'apparence, aux poses et aux costumes. Les objets font partie du confort : une table en acajou, une armoire, un fauteuil recouvert de cuir, une carafe en verre foncé et un verre, des fruits. Ce genre reflétait le comportement et la communication de personnes appartenant à différentes classes.
Les œuvres de Garard Dow étaient très populaires à cette époque. Il peint des scènes modestes de la vie de la petite bourgeoisie. Représente souvent des femmes âgées assises devant un rouet ou en train de lire. La tendance évidente de Dow est d'écrire la surface des objets dans ses petites images - motifs de tissus, rides sur de vieux visages, écailles de poisson, etc. (annexe ; fig.
Mais la peinture de genre a évolué. Au cours de sa nouvelle formation, des histoires ont été diffusées sur les thèmes des loisirs, du divertissement et des scènes de la vie des officiers. De telles images étaient appelées « petits déjeuners », « banquets », « sociétés », « concerts ». Ce tableau se distinguait par sa diversité de couleurs et ses tons joyeux. Le genre original était celui des « petits déjeuners ». Il s'agit d'un type de nature morte dans laquelle le caractère de leurs propriétaires était véhiculé à travers la représentation de plats et de plats divers.
Le genre quotidien est le phénomène le plus distinctif et le plus original de l’école hollandaise, qui a ouvert la vie quotidienne d’un particulier à l’art mondial.
Jan Steen a également écrit sur le thème du genre de l'art. Il note avec humour les détails de la vie quotidienne et les relations entre les gens. Dans le tableau «Fêtards», l'artiste lui-même regarde le spectateur avec gaieté et sournoiserie, assis à côté de sa femme qui s'est endormie après un joyeux festin. Et dans le film, à travers les expressions faciales et les gestes des personnages, Jan Steen révèle habilement l'intrigue d'une maladie imaginaire.
Au début des années 30, la formation de la peinture de genre néerlandaise était achevée. La peinture de genre était divisée selon des critères sociaux : sujets sur des thèmes de la vie de la bourgeoisie et scènes de la vie des paysans et des pauvres des villes.
L'un des artistes célèbres qui ont peint dans le « genre paysan » était Adrian van Ostad. Au début de la créativité, la représentation des paysans était comique. Ainsi, sur la photo, les combattants, éclairés par une lumière crue, ne semblent pas être des personnes vivantes, mais des marionnettes. La juxtaposition de couleurs froides et chaudes, les contrastes vifs de lumière créent des masques aux émotions colériques sur leurs visages.
Plus tard, l'artiste peint des tableaux aux sujets plus calmes, représentant une personne lors de ses activités habituelles, le plus souvent dans des moments de repos. Par exemple, la peinture intérieure « Musiciens du village ». Ostade traduit la concentration des « musiciens », représentant des enfants les regardant à travers la fenêtre avec un humour subtil. Le frère d'Adrian, Isaac van Ostade, décédé prématurément, a également travaillé dans le « genre paysan ». Il a dépeint la vie rurale en Hollande. Le tableau « Winter View » présente un paysage typique avec un ciel gris suspendu au sol, une rivière gelée, au bord de laquelle se trouve un village.
Dans les années 50-60 du XVIIe siècle, les thèmes des peintures de genre se rétrécissent et leur structure change. Ils deviennent plus calmes, plus lyriques, plus réfléchis. Cette étape est représentée par le travail d'artistes tels que : Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Leurs œuvres se caractérisent par une image idéalisée de la vie de la bourgeoisie néerlandaise. Ainsi, dans le tableau intérieur « Chambre dans une maison hollandaise » de Pieter Janssens, une pièce confortable remplie de soleil est représentée avec des rayons de soleil jouant sur le sol et les murs. Le choix de la composition met l'accent sur l'unité de l'homme et de son environnement.
Les peintres de genre néerlandais ont essayé de refléter le monde intérieur de l'homme dans leurs œuvres. Dans des situations qui se produisent régulièrement, ils ont pu montrer tout un monde d'expériences. Ainsi, Gérard Terborch dans le film « Un verre de limonade » a dépeint un langage subtil de gestes, de touchers de mains, de contacts visuels, qui révèle toute une gamme de sentiments et de relations entre les personnages.
La subtilité et la véracité dans la recréation de la réalité sont combinées par les maîtres hollandais avec une beauté discrète et quotidienne. Ce trait se manifeste plus clairement dans la nature morte. Les Néerlandais l'appelaient « immobile ». Dans cette compréhension, les maîtres voyaient dans les objets inanimés une vie cachée associée à la vie d'une personne, à son mode de vie, ses habitudes et ses goûts. Les peintres hollandais ont créé l'impression d'un « désordre » naturel dans l'agencement des choses : ils ont montré une tarte coupée, un citron pelé dont la peau pendait en spirale, un verre de vin inachevé, une bougie allumée, un livre ouvert - cela semble toujours que quelqu'un ait touché ces objets, seulement qu'ils aient été utilisés, la présence invisible d'une personne se fait sentir.
Les principaux maîtres de la nature morte hollandaise de la première moitié du XVIIe siècle étaient Pieter Claes. 1et Willem Hed. Un thème favori de leurs natures mortes est celui des « petits déjeuners ». Dans « Petit-déjeuner au homard » de V. Kheda (annexe ; fig. 16) des objets de formes et de matériaux les plus variés - une cafetière, un verre, un citron, une assiette en argent. Les objets sont disposés de manière à montrer l’attractivité et la particularité de chacun. Grâce à diverses techniques, Heda restitue parfaitement la matière et la spécificité de sa texture ; Ainsi, l’éblouissement de la lumière joue différemment sur la surface du verre et du métal. Tous les éléments de la composition sont unis par la lumière et la couleur. Dans « Nature morte à la bougie » de P. Klass, non seulement la précision de la reproduction des qualités matérielles des objets est remarquable, mais la composition et l'éclairage leur confèrent une grande expressivité émotionnelle. Les natures mortes de Klass et Kheda se ressemblent - elles représentent une ambiance d'intimité et de confort, de tranquillité dans la vie d'une maison bourgeoise, où règne la prospérité. La nature morte peut être considérée comme l'un des thèmes importants de l'art néerlandais - le thème de la vie d'un particulier. Elle a obtenu sa décision principale dans un film de genre.
Symbolisme. Nature morte
Tous les objets d’une nature morte hollandaise sont symboliques. Collections publiées au XVIIIe siècle<#"justify">o les pétales émiettés près du vase sont des signes de fragilité ;
o une fleur fanée est un signe de la disparition des sentiments ;
o les iris sont un signe de la Vierge Marie ;
o les fleurs rouges sont un symbole du sacrifice expiatoire du Christ ;
o Le lys blanc n'est pas seulement une belle fleur, mais aussi un symbole de la pureté de la Vierge Marie ;
o œillet - un symbole du sang versé du Christ;
o tulipe blanche - faux amour.
o grenade - symbole de résurrection, symbole de chasteté;
o les pommes, les pêches, les oranges rappelaient l'automne ;
o le vin dans un verre ou une cruche représentait le sang sacrificiel du Christ ;
o olive - un symbole de paix;
o les fruits pourris sont un symbole du vieillissement ;
o épis de blé, lierre - symbole de la renaissance et du cycle de la vie.
o le verre est un symbole de fragilité ;
o porcelaine - propreté ;
o la bouteille est un symbole de péché et d'ivresse ;
o la vaisselle cassée est un symbole de mort ;
o un verre renversé ou vide signifie le vide ;
o couteau - un symbole de trahison;
o les vases en argent sont la personnification de la richesse.
o sablier - un rappel du caractère éphémère de la vie ;
o crâne - un rappel de l'inévitabilité de la mort ;
o épis de blé - symboles de la renaissance et du cycle de la vie ;
o le pain est un symbole du corps du Seigneur ;
o les armes et les armures sont un symbole de pouvoir et de puissance, une désignation de ce qui ne peut pas être emporté avec vous dans la tombe ;
o clés - symbolisent le pouvoir ;
o une pipe fumante est un symbole de plaisirs terrestres éphémères et insaisissables ;
o masque de carnaval - est un signe de l'absence d'une personne ; plaisir irresponsable;
o miroirs, boules de verre sont des symboles de vanité, signe de réflexion, d'irréalité.
Les fondements du paysage réaliste hollandais se sont formés au début du XVIIe siècle. Les artistes ont représenté leur nature préférée avec des dunes et des canaux, des maisons et des villages. Ils ont essayé de représenter la nationalité du paysage, l'atmosphère de l'air et les caractéristiques de la saison. Les maîtres subordonnaient de plus en plus tous les composants de l’image à un seul ton. Ils avaient un sens aigu de la couleur et transmettaient habilement les transitions de la lumière à l'ombre, du ton au ton.
Le plus grand représentant du paysage réaliste néerlandais était Jan van Goyen (1596-1656). Il a travaillé à Leiden et à La Haye. L'artiste aimait représenter les vallées et la surface de l'eau des rivières sur des toiles de petit format. Goyen a laissé beaucoup d'espace au ciel avec des nuages. Il s’agit du tableau « Vue de la rivière Waal près de Nimègue », conçu dans une subtile gamme de couleurs brun-gris.
Plus tard, l’essence caractéristique des paysages change. Elle devient un peu plus large, plus émotive. La spécificité reste la même - sobre, mais les tons acquièrent de la profondeur.
Toutes les nouveautés du style paysager ont été incarnées dans ses peintures de Jacob van Ruisdael (1629-1682). En représentant les arbres et les buissons comme étant volumineux, cela créait le sentiment qu'ils se déplaçaient au premier plan et devenaient plus puissants. Doté d'un excellent sens de la perspective, Ruisdael a habilement restitué les vastes plaines et les environs de la Hollande. Le choix du ton et de l’éclairage évoque la concentration. Ruisdael aimait aussi les ruines en tant que détails décoratifs qui parlent de destruction et de fragilité de l'existence terrestre. Le « cimetière juif » représente une zone négligée. Ruisdael n’a pas réussi à son époque. Le réalisme de ses peintures ne correspondait pas aux goûts de la société. L'artiste, qui jouit désormais à juste titre d'une renommée mondiale, est mort pauvre dans un hospice de Harlem.
Peinture de portraits. Frans Hals
L'un des grands artistes néerlandais était Frans Hals (vers 1580-1666). Il est né au XVIIe siècle à Anvers. Très jeune artiste, il est venu à Haarlem, où il a grandi et s'est formé dans le style de l'école de Karel Van Mander. Haarlem était fier de son artiste et ils ont amené des invités éminents dans son atelier - Rubens et Van Dyck.
Hals était presque exclusivement un portraitiste, mais son art signifiait beaucoup non seulement pour le portrait néerlandais, mais aussi pour la formation d'autres genres. Dans l’œuvre de Hals, on peut distinguer trois types de compositions de portraits : un portrait de groupe, un portrait individuel commandé et un type particulier d’images de portraits, de nature similaire à la peinture de genre.
En 1616, Hals peint « Le Banquet des officiers de la compagnie du St. George’s Rifle Regiment », dans lequel il rompt complètement avec le modèle traditionnel d’un porteur de groupe. En créant une œuvre très vivante, réunissant les personnages en groupes et leur donnant des poses variées, il semble avoir fusionné le portrait avec la peinture de genre. L'œuvre fut un succès et l'artiste fut inondé de commandes.
Ses personnages se tiennent naturellement et librement dans le portrait, leur posture et leurs gestes semblent instables et l'expression de leurs visages est sur le point de changer. La caractéristique la plus remarquable de la manière créative de Hals est sa capacité à transmettre son caractère à travers des expressions faciales et des gestes individuels, comme s'ils étaient pris au vol - « Joyeux compagnon de boisson », « Mulâtre », « Officier souriant ». L'artiste aimait les états émotionnels pleins de dynamique. Mais dans cet instant que Hals a capturé, le plus essentiel, le cœur de l’image du « Gypsy », « Malle Baba » est toujours capturé.
Cependant, dans les images de Hals de la toute fin des années 30 et 40, apparaissent une réflexion et une tristesse étrangères à ses personnages dans le portrait de Willem Heythuisen, et parfois une légère ironie se glisse dans l'attitude de l'artiste à leur égard. L'acceptation jubilatoire de la vie et de l'homme disparaît progressivement de l'art Khalsa.
Des tournants sont survenus dans la peinture de Khalsa. Dans les portraits de Hals, peints dans les années 50 et 60, une maîtrise approfondie de la caractérisation se conjugue avec une nouvelle signification intérieure. L'une des œuvres les plus puissantes de feu Hals est le portrait d'un homme du Metropolitan Museum of Art de New York (1650-1652). La composition du portrait est une image générationnelle de la figure, sa mise en scène claire, le regard dirigé directement vers le spectateur, la signification de la personnalité se fait sentir. La posture de l’homme révèle une autorité froide et un mépris arrogant envers tout le monde. L'estime de soi se conjugue en lui avec une immense ambition. En même temps, une teinte de déception apparaît de manière inattendue dans le regard, comme si chez cette personne se cachaient des regrets à propos du passé - à propos de sa jeunesse et de la jeunesse de sa génération, dont les idéaux sont oubliés et les motivations de la vie se sont estompées.
Les portraits de Hals dans les années 50 et 60 en disent long sur la réalité néerlandaise de ces années-là. L'artiste a vécu une longue vie et a eu l'occasion d'être témoin de la dégénérescence de la société néerlandaise et de la disparition de son esprit démocratique. Ce n’est pas un hasard si l’art Khalsa est désormais démodé. Les dernières œuvres de Hals reflètent avec sensibilité l'esprit du temps, si étranger au maître, mais on y entend aussi sa propre déception face à la réalité environnante. Dans certaines œuvres de ces années, un écho des sentiments personnels du vieil artiste, qui perdait son ancienne gloire et avait déjà vu la fin du voyage de sa vie, est capturé.
Deux ans avant sa mort, en 1664, Hals peignit des portraits des régents et régents (administrateurs) de la maison de retraite de Haarlem.
Dans "Portrait des Régents", tout le monde est uni par un sentiment de déception et de malheur. Il n'y a aucune vitalité chez les régents, comme dans les premiers portraits de groupe de Hals. Tout le monde est seul, chacun existe par lui-même. Les tons noirs avec des taches rose rougeâtre créent une atmosphère tragique.
« Portrait des Régents » est décidé dans une tonalité émotionnelle différente. Dans les poses presque immobiles des vieilles femmes insensibles, qui ne connaissent pas la compassion, on peut sentir l’autorité du maître et en même temps, une profonde dépression les habite toutes, un sentiment d’impuissance et de désespoir face à la mort imminente.
Jusqu'à la fin de ses jours, Hals conserva l'infaillibilité de son savoir-faire et l'art du peintre de quatre-vingts ans gagna en perspicacité et en force.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrandt (1606-1669) est le plus grand représentant de l'âge d'or de la peinture hollandaise. Né à Leyde en 1606. Pour recevoir une éducation artistique, l'artiste s'installe à Amsterdam et entre dans l'atelier de Pieter Lastman, puis retourne à Leiden, où en 1625 il commence une vie créative indépendante. En 1631, Rembrandt s'installe finalement à Amsterdam et le reste de la vie du maître est lié à cette ville.
L'œuvre de Rembrandt est imprégnée d'une compréhension philosophique de la vie et du monde intérieur de l'homme. C'est l'apogée du développement de l'art hollandais du XVIIe siècle. L'héritage artistique de Rembrandt se distingue par une variété de genres. Il peint des portraits, des natures mortes, des paysages, des scènes de genre, des peintures sur des thèmes historiques, bibliques et mythologiques. Mais l’œuvre de l’artiste atteint sa plus grande profondeur dans les dernières années de sa vie. Les Offices conservent trois œuvres du grand maître. Il s'agit d'un autoportrait dans la jeunesse, d'un autoportrait dans la vieillesse, d'un portrait d'un vieil homme (rabbin). Dans plusieurs de ses œuvres ultérieures, l'artiste plonge toute la surface de la toile dans l'obscurité, concentrant l'attention du spectateur. sur le visage.
C'est ainsi que Rembrandt se présentait à l'âge de 23 ans.
La période de déménagement à Amsterdam a été marquée dans la biographie créative de Rembrandt par la création de nombreux croquis masculins et féminins.
En 1653, confronté à des difficultés financières, l'artiste transfère la quasi-totalité de ses biens à son fils Titus, après quoi il déclare faillite en 1656. Après avoir vendu sa maison et ses biens, l'artiste s'installe dans la banlieue d'Amsterdam, dans le quartier juif, où il passe le reste de sa vie. La personne la plus proche de lui à cette époque était apparemment Titus, car ses images sont les plus nombreuses. La mort de Titus en 1668 fut l'un des derniers coups du sort pour l'artiste ; il est lui-même décédé un an plus tard. "Matthieu et l'Ange" (1661). Peut-être que Titus était le modèle de l’ange.
Les deux dernières décennies de la vie de Rembrandt sont devenues l'apogée de son talent de portraitiste. Les modèles sont les camarades de l'artiste (Nicholas Breuning
7. Vermeer de Delft janvier
Peinture d'art hollandais nature morte
Vermeer de Delft Jan (1632-1675) - Peintre hollandais, le plus grand maître de la peinture de genre et de paysage hollandais. Vermeer travaillait à Delft. En tant qu'artiste, il s'est développé sous l'influence de Karel Fabritius, décédé tragiquement dans l'explosion d'un entrepôt de poudre à canon.
Les premières peintures de Vermeer ont des images sublimes ( Le Christ avec Marthe et Marie ). L'œuvre de Vermeer a été fortement influencée par l'œuvre du maître de la peinture de genre Pieter de Hooch. Le style de ce peintre s'est développé davantage dans les peintures de Vermeer.
À partir de la seconde moitié des années 50, Vermeer peint de petits tableaux représentant un ou plusieurs personnages dans la lumière argentée d'un intérieur de maison ( Fille avec une lettre Femme de ménage avec un pot de lait ). À la fin des années 50, Vermeer a créé deux chefs-d'œuvre de la peinture de paysage : une peinture émouvante rue avec des couleurs et des peintures brillantes, fraîches, propres Vue de la ville de Delft . Dans les années 60, le travail de Vermeer s'affine et sa peinture devient plus froide. ( Une fille avec une boucle d'oreille).
À la fin des années 60, l'artiste représentait souvent des pièces richement meublées où dames et messieurs jouaient de la musique et avaient des conversations galantes.
Au cours des dernières années de la vie de Vermeer, sa situation financière se détériore considérablement. La demande de tableaux a fortement chuté, le peintre a été contraint de contracter des emprunts pour nourrir onze enfants et d'autres membres de la famille. Cela a probablement accéléré l’approche de la mort. On ne sait pas ce qui s'est passé - une maladie aiguë ou une dépression due aux finances, mais Vermeer a été enterré en 1675 dans la crypte familiale à Delft.
L'art individuel de Vermeer après sa mort n'a pas été apprécié par ses contemporains. L'intérêt pour lui ne fut ravivé qu'au XIXe siècle, grâce aux travaux du critique d'art et historien de l'art Etienne Théophile Thoré, qui « découvrit » Vermeer pour le grand public.
Conclusion
L'appel à la réalité a contribué à élargir les possibilités artistiques de l'art néerlandais et à enrichir son thème de genre. Si, jusqu'au XVIIe siècle, les thèmes bibliques et mythologiques étaient d'une grande importance dans les beaux-arts européens et que les autres genres étaient peu développés, alors dans l'art néerlandais, la relation entre les genres change radicalement. Il y a une montée en puissance de genres tels que : la vie quotidienne, le portrait, le paysage, la nature morte. Les sujets bibliques et mythologiques eux-mêmes dans l’art néerlandais perdent en grande partie leurs anciennes formes d’incarnation et sont désormais interprétés comme des peintures du quotidien.
Malgré toutes ses réalisations, l'art hollandais présentait également certaines caractéristiques spécifiques de limitation : une gamme étroite de sujets et de motifs. Autre inconvénient : seuls certains maîtres cherchaient à trouver leur fondement profond dans les phénomènes.
Mais dans de nombreuses peintures et portraits de composition, les images sont de la nature la plus profonde et les paysages montrent la nature vraie et réelle. C'est devenu une caractéristique distinctive de l'art néerlandais. Ainsi, les peintres ont fait de grandes percées dans l'art en maîtrisant l'habileté difficile et complexe de peindre des images du monde intérieur et des expériences d'une personne.
Le test m'a donné l'occasion de tester mes capacités créatives, de reconstituer mes connaissances théoriques et d'en apprendre davantage sur les artistes néerlandais et leurs œuvres.
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En attendant, il s’agit d’un domaine particulier de la culture européenne qui mérite une étude plus détaillée, qui reflète la vie originale des Hollandais à cette époque.
Histoire de l'apparition
Des représentants éminents des arts artistiques ont commencé à apparaître dans le pays au XVIIe siècle. Les culturologues français leur ont donné un nom commun - « petit hollandais », qui n'a aucun rapport avec l'ampleur du talent et dénote un attachement à certains thèmes de la vie quotidienne, à l'opposé du style « grand » avec de grandes toiles sur des sujets historiques ou mythologiques. L'histoire de l'émergence de la peinture hollandaise a été décrite en détail au XIXe siècle et les auteurs d'ouvrages à ce sujet ont également utilisé ce terme. Les « Petits Hollandais » se distinguaient par un réalisme laïc, tournés vers le monde et les gens qui les entouraient, et utilisaient une peinture riche en tons.
Principales étapes de développement
L'histoire de la peinture hollandaise peut être divisée en plusieurs périodes. La première dura approximativement entre 1620 et 1630, lorsque le réalisme s’imposa dans l’art national. La peinture hollandaise connaît sa deuxième période dans les années 1640-1660. C’est l’époque où l’école d’art locale était vraiment florissante. Enfin, la troisième période, celle du déclin de la peinture hollandaise – de 1670 au début du XVIIIe siècle.
Il convient de noter que les centres culturels ont changé au cours de cette période. Au cours de la première période, des artistes de premier plan travaillaient à Haarlem et le principal représentant était Khalsa. Le centre s'est ensuite déplacé vers Amsterdam, où les travaux les plus importants ont été réalisés par Rembrandt et Vermeer.
Scènes de la vie quotidienne
Lors de l'énumération des genres les plus importants de la peinture hollandaise, il est impératif de commencer par la vie quotidienne - la plus vivante et la plus originale de l'histoire. Ce sont les Flamands qui ont révélé au monde des scènes de la vie quotidienne des gens ordinaires, paysans et citadins ou bourgeois. Les pionniers furent Ostade et ses disciples Audenrogge, Bega et Dusart. Dans les premiers tableaux d'Ostade, les gens jouent aux cartes, se disputent et même se battent dans une taverne. Chaque tableau se distingue par un caractère dynamique, quelque peu brutal. La peinture hollandaise de cette époque parle aussi de scènes paisibles : dans certaines œuvres, des paysans discutent autour d'une pipe et d'un verre de bière, passent du temps à une foire ou en famille. L'influence de Rembrandt a conduit à l'utilisation généralisée d'un clair-obscur doux et doré. Les scènes urbaines ont inspiré des artistes tels que Hals, Leicester, Molenaar et Codde. Au milieu du XVIIe siècle, les maîtres représentaient des médecins, des scientifiques en train de travailler, leurs propres ateliers, les tâches ménagères ou chaque intrigue aurait dû être divertissante, parfois grotesquement didactique. Certains maîtres étaient enclins à poétiser la vie quotidienne, par exemple Terborch représentait des scènes de musique ou de flirt. Metsu a utilisé des couleurs vives, transformant le quotidien en fête, tandis que de Hooch s'est inspiré de la simplicité de la vie de famille, baignée par la lumière du jour diffuse. Les représentants ultérieurs du genre, parmi lesquels des maîtres de la peinture hollandais tels que Van der Werff et Van der Neer, dans leur quête d'une représentation élégante, ont souvent créé des sujets quelque peu prétentieux.
Nature et paysages
De plus, la peinture hollandaise est largement représentée dans le genre du paysage. Il est apparu pour la première fois dans les œuvres de maîtres de Haarlem tels que van Goyen, de Moleyn et van Ruisdael. Ce sont eux qui ont commencé à représenter les zones rurales sous un certain jour argenté. L'unité matérielle de la nature est mise en avant dans ses œuvres. Les paysages marins méritent d'être mentionnés séparément. Les marinistes du XVIIe siècle comprenaient Porsellis, de Vlieger et van de Capelle. Ils ne s'efforçaient pas tant de transmettre certaines scènes marines qu'ils essayaient de représenter l'eau elle-même, les jeux de lumière sur elle et dans le ciel.
Dans la seconde moitié du XVIIe siècle, des œuvres plus émotionnelles avec des idées philosophiques ont émergé dans le genre. Jan van Ruisdael a révélé au maximum la beauté du paysage néerlandais, le décrivant dans toute sa dramaturgie, sa dynamique et sa monumentalité. Hobbem, qui préférait les paysages ensoleillés, a poursuivi ses traditions. Koninck a peint des panoramas et van der Neer a créé des paysages nocturnes et rendu le clair de lune, le lever et le coucher du soleil. Un certain nombre d'artistes se caractérisent également par la représentation d'animaux dans des paysages, par exemple des vaches et des chevaux au pâturage, ainsi que des scènes de chasse et des cavaliers. Plus tard, les artistes ont commencé à s'intéresser à la nature étrangère - Van Laar, Wenix, Berchem et Hackert ont tous deux représenté l'Italie baignant dans les rayons du soleil du sud. Le fondateur du genre était Sanredam, dont les meilleurs adeptes peuvent être appelés les frères Berkheide et Jan van der Heijden.
Image des intérieurs
Un genre distinct qui distinguait la peinture hollandaise à son apogée peut être appelé scènes avec des églises, des palais et des pièces d'habitation. Les intérieurs sont apparus dans les peintures de la seconde moitié du XVIIe siècle des maîtres de Delft - Haukgeest, van der Vliet et de Witte, qui sont devenus le principal représentant du mouvement. Utilisant les techniques de Vermeer, les artistes ont représenté des scènes baignées de soleil, pleines d'émotion et de volume.
Plats et plats pittoresques
Enfin, un autre genre caractéristique de la peinture hollandaise est la nature morte, notamment la représentation des petits déjeuners. Il a été adopté pour la première fois par Claes et Heda, habitants de Haarlem, qui peignaient des tables dressées avec des plats luxueux. Le fouillis pittoresque et le caractère particulier d’un intérieur confortable sont remplis de lumière gris argenté, caractéristique de l’argent et de l’étain. Les artistes d'Utrecht peignaient des natures mortes florales luxuriantes, et à La Haye, les artistes étaient particulièrement doués pour représenter des poissons et des reptiles marins. À Leiden, une direction philosophique du genre est née, dans laquelle les crânes et les sabliers cohabitent avec des symboles de plaisir sensuel ou de gloire terrestre, conçus pour rappeler la fugacité du temps. Les natures mortes de cuisine démocratiques sont devenues une marque distinctive de l’école d’art de Rotterdam.
Principales tendances, étapes de développement de la peinture et peintres emblématiques de la Hollande.
Peinture hollandaise
Introduction
La peinture hollandaise du XVIIe siècle est parfois considérée à tort comme un art destiné à la classe moyenne, admirant la peinture flamande de cette période et la qualifiant de courtoise et aristocratique. Non moins erronée est l'opinion selon laquelle les artistes néerlandais se consacrent uniquement à la représentation de l'environnement humain immédiat, utilisant à cette fin les paysages, les villes, les mers et la vie des gens, tandis que l'art flamand se consacre à la peinture historique, qui dans la théorie de l'art est considérée comme une peinture plus sublime. genre. En revanche, les bâtiments publics hollandais, censés avoir une apparence imposante, ainsi que les visiteurs fortunés, quelles que soient leurs croyances ou leurs origines religieuses, avaient besoin de peintures aux thèmes allégoriques ou mythologiques.
Toute division de l'école de peinture hollandaise en branches flamande et hollandaise jusqu'au début du XVIIe siècle. en raison de l’échange créatif constant entre les zones, cela serait artificiel. Par exemple, Pieter Aertsen, né à Amsterdam, a travaillé à Anvers avant de retourner dans sa ville natale en 1557, et son élève et neveu Joachim Bukelaer a passé toute sa vie à Anvers. Dans le cadre de la signature de l'Union d'Utrecht et de la séparation des sept provinces du nord, de nombreux habitants après 1579-1581. émigré du nord des Pays-Bas vers la partie protestante de ce pays artificiellement divisé.
"Boucherie". Artsen.
Développement de l'art
L'impulsion pour le développement indépendant de la peinture hollandaise est venue des artistes flamands. Bartholomeus Spranger, né à Anvers et éduqué à Rome, est devenu le fondateur d'un style virtuose, courtois et artificiel qui, grâce à la résidence temporaire de Spranger à Vienne et à Prague, est devenu une « langue » internationale. En 1583, le peintre et théoricien de l'art Karel van Mander introduit ce style à Haarlem. L'un des principaux maîtres de ce maniérisme de Haarlem ou d'Utrecht fut Abraham Bloemaert.
Puis Isaiah van de Velde, né en Hollande dans une famille d'émigrants flamands, et étudiant dans un cercle de peintres centré sur les artistes flamands David Vinkboons et Gillies Koninksloe, développe dans ses premières peintures un style de peinture réaliste, qui fait référence à Jan Bruegel. l'Ancien, avec des dégradés de couleurs vives de plans artistiques. Vers 1630, une tendance à l’unification de l’espace artistique et à la fusion des couleurs de différentes couches s’établit en Hollande. Depuis lors, la nature multiforme des objets représentés a cédé la place à une sensation d’espace et à une atmosphère de brume aérienne, véhiculées par une utilisation progressivement croissante de la couleur monochrome. Isaiah van de Velde a incarné cette révolution stylistique dans l'art avec son élève Jan van Goen.
Paysage d'hiver. Velde.
L'un des paysages les plus monumentaux du haut baroque, "La Grande Forêt", de Jacob van Ruisdael, appartient à la prochaine période de développement de la peinture hollandaise. Le spectateur n'a plus à ressentir l'aspect plutôt amorphe d'un espace tentaculaire aux tons gris-brun avec quelques motifs marquants ; l'impression est désormais faite d'une structure fixe et énergiquement accentuée.
Peinture de genre
La peinture de genre néerlandaise, qui, en fait, peut difficilement être qualifiée de simples portraits de la vie quotidienne, souvent porteurs d'un message moraliste, est représentée à Vienne par les œuvres de tous ses principaux maîtres. Son centre était Leiden, où Gérard Doux, le premier élève de Rembrandt, fonda une école connue sous le nom d'École de peinture fine de Leiden (fijnschilders).
Peinture figurative
Réunion des dirigeants de la société. Frans Hals.
Les trois plus grands maîtres hollandais de la peinture figurative, Frans Hals, Rembrandt et Johannes Vermeer de Delft, se sont succédé à un intervalle de près d'une génération. Hals est né à Anvers et a travaillé à Haarlem principalement comme portraitiste. Pour beaucoup, il est devenu la personnification du peintre virtuose ouvert, joyeux et spontané, tandis que l'art de Rembrandt, penseur - comme le dit le cliché - révèle les origines du destin humain. C’est à la fois juste et faux. Ce qui attire immédiatement l'attention lorsqu'on regarde un portrait ou un portrait de groupe de Hals, c'est la capacité de transmettre une personne submergée d'émotion par le mouvement. Pour représenter un moment fugace, Hals utilise des traits ouverts, visiblement irréguliers, se croisant en zigzags ou en hachures croisées. Cela crée l’effet d’une surface constamment scintillante, comme un croquis, qui ne se fond en une seule image que lorsqu’on la regarde à une certaine distance. Après le retour des « cadeaux » de Rothschild, un portrait expressif d'un homme en noir fut acquis pour la collection du prince du Liechtenstein et retourna ainsi à Vienne. Le Kunsthistorisches Museum ne possède qu'un seul tableau de Franz Hals, un portrait d'un jeune homme qui figurait déjà dans la collection de Charles VI comme l'un des rares exemples d'art « protestant » en Hollande. Les portraits peints à la fin de l'œuvre de Hals sont plus proches des œuvres de Rembrandt en termes de pénétration psychologique et de manque de pose.
Grâce à de subtiles transitions de nuances et de zones de clair-obscur, le clair-obscur de Rembrandt semble envelopper les personnages dans un espace résonant dans lequel résident l'ambiance, l'atmosphère, quelque chose d'intangible et même d'invisible. L'œuvre de Rembrandt à la Galerie de tableaux de Vienne n'est représentée que par des portraits, bien que La Mère de l'artiste et Le Fils de l'artiste puissent également être considérés comme des peintures historiques à un seul personnage. Dans le soi-disant « Grand Autoportrait » de 1652, l’artiste apparaît devant nous dans une blouse marron, le visage tourné aux trois quarts. Son regard est sûr de lui et même provocant.
Vermeer
L'art peu dramatique de Vermeer, entièrement axé sur la contemplation, était considéré comme le reflet de la classe moyenne néerlandaise, désormais indépendante et satisfaite de ce qu'elle avait. Cependant, la simplicité des concepts artistiques de Vermeer est trompeuse. Leur clarté et leur calme sont le résultat d’une analyse précise, incluant le recours aux dernières inventions techniques comme la camera obscura. "Allégorie de la peinture", créée vers 1665-1666, l'œuvre suprême de Vermeer en termes de travail avec la couleur, peut être considérée comme sa peinture la plus ambitieuse. Le processus initié par Jan van Eyck, originaire du nord des Pays-Bas, la contemplation passive et détachée du monde immobile, est toujours resté le thème principal de la peinture hollandaise et a atteint dans les œuvres de Vermeer une apothéose à la fois allégorique et réelle.
Mise à jour : 16 septembre 2017 par : Gleb
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