Qu'est-ce que le renouveau. Nous associons le renouveau à des réalisations dans le domaine de la culture, principalement dans le domaine des beaux-arts. Devant l'esprit de quiconque connaît au moins un peu l'histoire de l'art, il y a des images harmonieusement belles et majestueuses créées par des artistes : de douces madones et des saints sages, des guerriers courageux et des citoyens pleins d'importance. Leurs personnages s'élèvent solennellement sur fond d'arcs et de colonnes de marbre, derrière lesquels s'étendent des paysages de lumière transparente.

L'art raconte toujours son époque, les gens qui ont vécu alors. Quel genre de personnes a créé ces images, pleines de dignité, de paix intérieure, de confiance en leur propre signification ?

Le terme "Renaissance" a été utilisé pour la première fois par Giorgio Vasari au milieu du XVIe siècle. dans son livre sur les célèbres peintres, sculpteurs et architectes italiens des XIII-XVI siècles. Le nom est apparu au moment où l'ère elle-même se terminait. Vasari a investi dans ce concept un sens bien précis : l'âge d'or, l'essor, le renouveau des arts. Plus tard, le désir de faire revivre les anciennes traditions de la culture, inhérent à cette période, a commencé à être considéré comme non moins important.

Le phénomène de la Renaissance a été généré par les conditions et les besoins de la société à la veille du Nouvel Âge (c'est-à-dire à la périphérie de la formation d'une société industrielle), et le recours à l'Antiquité a permis de trouver des formes appropriées pour exprimer nouvelles idées et ambiances. La signification historique de cette période réside dans la formation d'un nouveau type de personnalité et dans la création des fondements d'une nouvelle culture.

Nouvelles tendances dans la vie de la société italienne. Afin de comprendre plus facilement l'essence des changements qui se sont amorcés dans les sphères sociales et spirituelles, il est nécessaire d'imaginer comment la relation entre l'individu et la société s'est construite au Moyen Âge. Ensuite, la personnalité humaine s'est dissoute dans ce petit collectif (une communauté paysanne, un ordre chevaleresque, une confrérie monastique, un atelier d'artisanat, une guilde marchande), auquel une personne était attachée par les circonstances de son origine et de sa naissance. Lui-même et tous ceux qui l'entouraient le percevaient principalement comme, par exemple, un fra (frère) - un membre de la fraternité monastique, et non comme une certaine personne avec un nom spécifique.

Les relations entre les personnes, les normes de comportement et leur perception ont été élaborées et clairement définies. Si l'on se concentre uniquement sur le côté théorique de la question, alors on peut dire ceci : le clergé était obligé de prier pour tous les laïcs, la noblesse de protéger tout le monde d'une éventuelle menace extérieure, et les paysans de soutenir et de nourrir les premiers et les seconds domaines. En pratique, tout cela était bien sûr loin d'être une idylle théorique, mais la répartition des fonctions de rôle n'était que cela. L'inégalité sociale était solidement ancrée dans la conscience publique, chaque domaine avait ses propres droits et obligations strictement définis, jouait un rôle social qui correspondait strictement à sa position sociale. La naissance assurait à l'individu une certaine place dans la structure de la société, il pouvait changer de position presque exclusivement dans le cadre de l'échelon social auquel il appartenait par origine.

La fixation à une certaine niche sociale a entravé le libre développement de l'individu humain, mais lui a fourni certaines garanties sociales. Ainsi, la société médiévale était centrée sur l'immuabilité, la stabilité comme état idéal. Il appartenait au type de sociétés traditionnelles, dont la principale condition d'existence est le conservatisme, l'obéissance aux traditions et aux coutumes.

L'ancienne vision du monde était centrée sur le fait que la vie terrestre n'est qu'une courte période de temps pendant laquelle une personne se prépare à la vie principale, éternelle et autre. L'éternité subjuguait la réalité passagère. Les espoirs de bons changements étaient exclusivement associés à cette vraie vie, à l'Éternité. Le monde terrestre, cette « vallée de la douleur », n'avait d'intérêt que dans la mesure où il était un faible reflet d'un autre monde, principal. L'attitude envers l'homme était ambivalente - il partageait strictement son début terrestre, mortel et pécheur, qui aurait dû être méprisé et haï, et le sublime, spirituel, qui était le seul digne d'exister. Un moine ascète qui renonçait aux joies et aux angoisses de la vie terrestre était considéré comme un idéal.

Une personne faisait partie d'une petite communauté sociale et, par conséquent, toutes ses activités, y compris les activités créatives, étaient perçues comme le résultat d'efforts collectifs. En fait, la créativité était anonyme et notre connaissance de l'œuvre d'un sculpteur ou d'un peintre du Moyen Âge est aléatoire et fragmentaire. La ville, la communauté a construit la cathédrale, et tous ses détails faisaient partie d'un tout unique, conçu pour une perception intégrale. Maîtres architectes, maîtres maçons, maîtres sculpteurs, maîtres peintres ont érigé des murs, créé des sculptures et des vitraux, peint des murs et des icônes, mais presque aucun d'entre eux n'a cherché à perpétuer son nom pour la postérité. Idéalement, ils auraient dû répéter au mieux, reproduire ce qui était consacré par l'autorité de l'antiquité et considéré comme un « original » qu'il fallait imiter.

La première étape vers l'émergence de nouvelles tendances dans la vie de la société a été la croissance et le développement des villes. La presqu'île des Apennins, enfoncée comme une botte tendue dans les étendues de la mer Méditerranée, occupait une position extrêmement avantageuse dans le monde médiéval. Les avantages de cet emplacement sont devenus particulièrement évidents lorsque la vie économique a commencé à renaître en Occident et que le besoin de contacts commerciaux avec les pays riches du Moyen-Orient s'est accru. A partir du 12ème siècle Les villes italiennes ont commencé à prospérer. Les croisades sont à l'origine du développement rapide de l'économie urbaine : les chevaliers qui partent à la conquête du Saint-Sépulcre ont besoin de navires pour traverser la mer ; armes pour combattre; produits et divers articles ménagers. Tout cela était offert par des artisans italiens, des marchands, des marins.

En Italie, il n'y avait pas de gouvernement central fort, de sorte que chaque ville, avec la campagne environnante, est devenue cité-état, dont la prospérité dépendait de l'habileté de ses artisans, de la vivacité de ses marchands, c'est-à-dire de de l'entreprise et de l'énergie de tous les habitants.

La base de la vie économique de la société qui existait en Italie aux XIVe-XVe siècles était l'industrie et le commerce, concentrés dans les villes. Le système de guilde a été préservé et seuls les membres des guildes avaient des droits civils; pas tous les habitants de la ville. Oui, et les différents ateliers différaient sensiblement dans le degré d'influence : par exemple, à Florence, sur 21 ateliers, les « ateliers seniors », qui réunissaient les personnes des professions les plus prestigieuses, jouissaient de la plus grande influence. Les membres des ateliers supérieurs, les «gros hommes», étaient en fait des entrepreneurs, et les nouvelles caractéristiques de la vie économique se manifestaient dans l'émergence d'éléments (jusqu'à présent, seulement des éléments!) D'une nouvelle structure économique.

Ville Renaissance. La culture de la Renaissance est une culture urbaine, mais la ville qui lui a donné naissance était sensiblement différente de la cité médiévale. Extérieurement, ce n'était pas trop frappant : les mêmes hauts murs, la même disposition aléatoire, la même cathédrale sur la place principale, les mêmes rues étroites. « La ville a grandi comme un arbre : en gardant sa forme, mais en s'agrandissant, et les murs de la ville, comme des anneaux sur une coupe, ont marqué les jalons de sa croissance. Ainsi à Florence au XIIIe siècle. il a fallu deux fois un siècle pour agrandir l'anneau de murs. Vers le milieu du XIVe siècle. l'espace alloué au développement urbain a été multiplié par 8. Le gouvernement s'occupa de la construction et de la préservation des murs.

Les portes de la ville servaient de point de contact avec le monde extérieur. Les gardes qui se tenaient à la porte percevaient une redevance auprès des marchands et des paysans arrivant dans la ville, ils protégeaient également la ville d'une éventuelle attaque ennemie. Avant le début de l'ère de l'artillerie, les murs avec de fortes portes étaient une protection assez fiable contre les intrusions extérieures, seules la nourriture et l'eau suffisaient. Cette limitation l'a rendu bondé, pour augmenter le nombre d'étages des bâtiments. L'Italie se caractérise par l'érection de hautes tours par des familles aisées rivales, dont les verticales, associées aux clochers des églises, donnaient à la silhouette de la ville l'apparence d'une forêt de pierre. L'apparition de Sienne, par exemple, est décrite dans les lignes d'A. Blok comme suit : « Tu as planté les pointes des églises et des tours dans le ciel.

La ville est un espace organisé artificiellement. Rues et places des villes italiennes du XIIIe siècle. pavé de pierres ou de galets. La vie quotidienne des gens se déroulait principalement dans la rue. Les marchands, les changeurs et les artisans effectuaient des transactions monétaires dans la rue ; les artisans travaillaient souvent dans la rue sous un auvent ; ils se réunissaient dans la rue ou sur la place pour discuter de divers problèmes ; naissances, faillites, décès, mariages, exécutions. La vie de chaque citadin se déroulait devant les voisins.

La place centrale était décorée non seulement d'une cathédrale majestueuse, mais aussi de sculptures. Un exemple d'une telle décoration est à Florence la place devant le Palazzo Vecchio (hôtel de ville). Dans la partie avant de la ville, le voisinage des anciens bâtiments de style roman (dans une moindre mesure gothique) et des nouveaux bâtiments de la Renaissance était particulièrement visible. Les habitants des villes voisines se sont affrontés pour décorer les places, les églises et les bâtiments publics.

Aux XIVe-XVe siècles. dans les villes italiennes, la construction a été rapide, les anciens bâtiments ont été démolis et remplacés par de nouveaux. La vétusté des bâtiments n'en était pas toujours la raison - les goûts ont changé, la prospérité a augmenté et, en même temps, le désir de démontrer de nouvelles opportunités. Un exemple de ce genre est celui commencé au XIVe siècle. construction d'une nouvelle cathédrale florentine (Duomo, plus connue sous le nom de Santa Maria del Fiori), dont le dôme était le plus grand pour l'époque en Occident.

Parfois, des familles aisées réunissaient plusieurs habitations anciennes derrière la façade rénovée. Ainsi, l'architecte L. B. Alberti, mandaté par la famille Ruchelai, a construit un palais dans un nouveau style, cachant huit maisons derrière une façade rustique. La ruelle entre les maisons a été transformée en cour. Une telle technique a permis d'inclure des logements, des entrepôts et des magasins, des loggias et un jardin dans un seul complexe. La forme architecturale principale d'un bâtiment de ville laïque -palais - palais citoyens riches, qui avait une forme rectangulaire avec une cour. Les façades du palais, donnant sur la rue, correspondaient aux conditions de vie caractéristiques des cités-républiques italiennes. Traitement catégoriquement grossier de la pierre (rustovka), qui était doublée du mur de l'étage inférieur, de murs épais, de petites fenêtres - tout cela rappelait qu'un tel palais pouvait servir d'abri fiable lors de nombreux conflits politiques intra-urbains.

Les intérieurs se composaient d'une suite de pièces décorées de peintures murales et couvertes de plafonds en bois, sculptés et moins souvent en stuc. Lors d'occasions solennelles, les murs étaient décorés de tapis muraux (treillis), qui contribuaient également à la préservation de la chaleur dans les locaux. Spacieux Yu

chambres (strophes), des escaliers de marbre donnaient l'impression d'une splendeur solennelle. Les fenêtres étaient fermées par des volets en bois, parfois elles étaient recouvertes de linge huilé, plus tard (mais c'était déjà presque un péché de luxe !) elles étaient remplies de petits morceaux de verre insérés dans une couverture en plomb. Le principal appareil de chauffage reste le foyer de la cuisine, ainsi que les cheminées des grandes pièces de devant, qui décorent plutôt que chauffent. Par conséquent, ils ont essayé de doter les lits d'un auvent et de clôturer de lourds rideaux de l'espace environnant. Il était impossible de chauffer toute la pièce avec une pierre chaude ou une bouteille d'eau chaude. En règle générale, seul le chef de famille avait « sa » chambre, un studio d'étude, « un lieu de travail sur la correspondance des manuscrits, les réflexions, la connaissance solitaire du monde et de soi », et le reste de la maisonnée vécu ensemble. La vie quotidienne d'une famille aisée se déroule le plus souvent dans la cour et les galeries qui l'entourent.

Relativement peu nombreux, mais massifs et richement décorés de sculptures et de peintures, les meubles témoignaient du désir de confort. Les exemples les plus courants de mobilier étaient un coffre de mariage ( cassonne ), un coffre-banc à dossier, des armoires massives décorées de détails architecturaux, des tables, des fauteuils et des tabourets. L'intérieur était décoré non seulement de peintures murales, mais aussi de lampes en bronze, de céramiques peintes (majoliques), de miroirs dans des cadres sculptés, d'argenterie et de verrerie et de nappes en dentelle.

De nombreux architectes rêvaient de changer l'apparence des villes selon de nouveaux goûts, mais cela était impossible: la construction à grande échelle nécessitait des fonds énormes et pas moins d'autorité pour mettre en œuvre la démolition massive de maisons. Après tout, pour cela, il a fallu casser tant de maisons, tant de personnes à reloger, mais il n'y avait pas de fonds pour cela. Ils durent donc se contenter de la construction d'édifices individuels, le plus souvent des cathédrales ou des palais de familles aisées. Les villes ont été reconstruites progressivement, selon les besoins et les possibilités, sans aucun plan, et leur aspect extérieur est resté largement médiéval.

Les cités idéales de la Renaissance apparaissent presque exclusivement sur des plans et comme fonds de compositions picturales. « Le modèle de la ville Renaissance est un modèle ouvert. Le noyau est... l'espace libre de la place, qui s'ouvre vers l'extérieur avec des ouvertures d'observation des rues, avec des vues au loin, au-delà des murs de la ville... c'est ainsi que les artistes ont représenté la ville, c'est ainsi que les auteurs des traités d'architecture le voient. La ville de la Renaissance, idéalement, ne se protège pas de l'espace ouvert de la non-ville, au contraire, la contrôle, l'assujettit à elle-même... La pensée architecturale de la Renaissance... s'oppose résolument à la ville en tant qu'artificiel et le travail habilement créé, à l'environnement naturel. La ville ne doit pas obéir à la localité, mais la subordonner... La ville du Moyen Age était verticale. La ville du XVe siècle est idéalement conçue comme horizontale… » ​​Les architectes qui ont conçu les villes nouvelles ont tenu compte des conditions changeantes et au lieu des fortifications habituelles, ils ont proposé de construire des forts défensifs autour de la ville.

L'apparence des gens. L'apparence des gens a changé, le monde des choses dont ils s'entouraient a changé. Bien sûr, les habitations des pauvres (un petit bâtiment en bois ou une pièce derrière un magasin sans fenêtre) sont restées les mêmes qu'il y a des centaines d'années. Les changements ont affecté la partie prospère et riche de la population.

Les vêtements changeaient selon les humeurs et les goûts de l'époque. Les goûts étaient désormais déterminés par les besoins et les capacités des civils, des citoyens riches, et non par la classe militaire des chevaliers. Les vêtements d'extérieur étaient cousus à partir de tissus multicolores, souvent à motifs, tels que le brocart, le velours, le tissu et la soie épaisse. Le lin a commencé à être utilisé exclusivement comme sous-vêtement, qui regardait à travers le laçage et les fentes de la robe supérieure. « Le vêtement extérieur d'un citoyen âgé, même s'il n'occupait aucune fonction élective, était nécessairement long, large et donnait à son apparence une empreinte de gravité et d'importance. Les vêtements des jeunes étaient courts. Il se composait d'une chemise, d'un gilet à col montant et de bas serrés attachés au gilet, souvent multicolores. Si au XVe siècle la préférence a été donnée aux couleurs vives et contrastées, puis dès le début du XYI siècle. les vêtements monochromes, décorés de fourrure et d'une chaîne en métal précieux, deviennent plus à la mode.

Le vêtement féminin au XVe siècle Il se distinguait par sa douceur de forme et sa multicoloration. Par-dessus des chemises et des robes à manches longues et étroites, une taille haute et un grand décolleté carré, ils portaient un manteau (sikora), composé de trois panneaux. Le panneau arrière tombait sur le dos en plis libres et deux étagères étaient drapées au goût du propriétaire. La silhouette générale rappelait l'Antiquité. Avec le début du XVIe siècle. dans les tenues féminines, la division horizontale est soulignée. Un grand rôle dans la décoration de la robe commence à jouer de la dentelle, encadrant le décolleté et les bords des manches. La taille tombe à un endroit naturel, le décolleté est agrandi, les manches sont plus volumineuses, la jupe est plus magnifique. Les vêtements étaient censés souligner la beauté d'une femme forte et en bonne santé.

Découverte du « je » humain. Dans la vie de la société italienne de la Renaissance, l'ancien et le nouveau coexistent et s'entremêlent. Une famille typique de cette époque est une famille nombreuse, réunissant plusieurs générations et plusieurs branches de parents, subordonnée au chef-patriarche, mais à côté de cette hiérarchie familière, une autre tendance se pose liée à l'éveil de la conscience de soi personnelle.

Après tout, avec l'émergence en Italie des conditions nécessaires à l'émergence d'une nouvelle structure économique et d'une nouvelle société, les exigences des personnes, leur comportement, leur attitude à l'égard des affaires et des préoccupations terrestres ont également changé. La base de la vie économique de la nouvelle société était le commerce et la production artisanale, concentrés dans les villes. Mais avant que la majeure partie de la population ne se concentre dans les villes, avant que les manufactures, les usines, les laboratoires n'apparaissent, il y avait des gens qui pouvaient les créer, des gens énergiques, en quête de changement constant, luttant pour affirmer leur place dans la vie. Il y a eu une libération de la conscience humaine de l'hypnose de l'éternité, après quoi la valeur du moment, la signification d'une vie éphémère, le désir de vivre plus pleinement la plénitude de l'être ont commencé à se faire sentir plus fortement.

Un nouveau type de personnalité est apparu, caractérisé par le courage, l'énergie, la soif d'activité, libre de toute obéissance aux traditions et aux règles, capable d'agir de manière inhabituelle. Ces personnes s'intéressaient à une variété de problèmes de la vie. Ainsi, dans les livres de compte des marchands florentins, parmi les numéros et les listes de diverses marchandises, on peut trouver des discussions sur le sort des gens, sur Dieu, sur les événements les plus importants de la vie politique et artistique. Derrière tout cela, on sent un intérêt accru pour l'Homme, pour lui-même.

Une personne a commencé à considérer sa propre individualité comme quelque chose d'unique et de précieux, d'autant plus important qu'elle a la capacité de s'améliorer constamment. Le sens hypertrophié de sa propre personnalité dans toute son originalité absorbe tout l'homme de la Renaissance. Il découvre sa propre individualité, plonge avec délice dans son propre monde spirituel, choqué par la nouveauté et la complexité de ce monde.

Les poètes sont particulièrement sensibles pour capturer et transmettre l'ambiance de l'époque. Dans les sonnets lyriques de Francesco Petrarch, dédiés à la belle Laura, il est évident que leur personnage principal est l'auteur lui-même, et non l'objet de son culte. Le lecteur n'apprendra presque rien sur Laura, en fait, sauf qu'elle est la perfection même, possédant des boucles dorées et un caractère doré. Leur ravissement, leur expériences, leur La souffrance a été décrite par Pétrarque dans des sonnets. En apprenant le décès de Laura, ma orphelinat qu'il a pleuré:

J'ai chanté ses boucles dorées,

J'ai chanté ses yeux et ses mains,

Honorant le tourment avec la béatitude céleste,

Et maintenant elle est poussière froide.

Et moi, sans phare, dans une coquille orpheline A travers la tempête, qui n'est pas nouvelle pour moi,

Je flotte dans la vie, gouvernant au hasard.

Il faut garder à l'esprit que la découverte du "je" personnel n'a concerné que la moitié de la race humaine - les hommes. Les femmes étaient perçues dans ce monde comme des êtres sans valeur propre. Ils devaient s'occuper du ménage, donner naissance et élever de petits enfants, plaire aux hommes avec leur apparence et leurs manières agréables.

Dans la réalisation du "moi" humain, la présence de résultats était considérée comme importante, et non le domaine d'activité où ils ont été obtenus - qu'il s'agisse d'une entreprise commerciale établie, d'une magnifique sculpture, d'une bataille gagnée, ou d'un admirable poème ou peinture. . Savoir beaucoup, lire beaucoup, étudier les langues étrangères, se familiariser avec les écrits des auteurs anciens, s'intéresser à l'art, comprendre beaucoup de peinture et de poésie - c'était l'idéal d'une personne à la Renaissance. Le haut niveau d'exigences pour l'individu est montré dans l'essai de Baldasar Castiglione «Sur le courtisan» (1528): «Je veux que notre courtisan soit plus que médiocrement familier avec la littérature ... afin qu'il connaisse non seulement le latin, mais aussi le grec. ... de sorte qu'il connaît bien les poètes, ainsi que les orateurs et les historiens, et ... sait écrire en vers et en prose ... Je ne serai pas content de notre courtisan s'il n'est pas encore musicien ... Il y a encore une chose à laquelle j'attache une grande importance : c'est justement la capacité à dessiner et la connaissance de la peinture.

Il suffit d'énumérer quelques noms de personnages célèbres de cette époque pour comprendre à quel point les intérêts de ceux qui étaient considérés comme un représentant typique de leur époque étaient divers. Leon Batista Alberti - architecte, sculpteur, expert en antiquité, ingénieur. Lorenzo Médicis est un homme d'État, brillant diplomate, poète, connaisseur et mécène des arts. Verrocchio est sculpteur, peintre, bijoutier et mathématicien. Michelangelo Buonarroti - sculpteur, peintre, architecte, poète. Raphaël Santi - peintre, architecte. Tous peuvent être appelés des personnalités héroïques, des titans. Dans le même temps, il ne faut pas oublier que la grandeur caractérise l'échelle, mais ne donne pas une évaluation de leurs activités. Les titans de la Renaissance n'étaient pas seulement des créateurs, mais aussi de bons génies de leur pays.

Les notions habituelles de ce qui est « permis » et de ce qui est « illégal » ont perdu leur sens. Dans le même temps, les anciennes règles de relations entre les personnes ont perdu leur sens, ce qui, peut-être, n'offrait pas une liberté de création absolue, mais qui est si important pour la vie en société. Le désir de s'affirmer a pris des formes diverses - une telle attitude a pu et a donné naissance non seulement à de brillants artistes, poètes, penseurs, dont les activités visaient la création, mais aussi à des génies de la destruction, des génies de la méchanceté. Un exemple de ce genre est une description comparative de deux contemporains illustres, dont le pic d'activité s'est produit au tournant des XVe-XVIe siècles.

Léonard de Vinci (1452-1519)) - une personne dont il est plus facile de dire ce qu'il ne savait pas que d'énumérer ce qu'il pouvait faire. Le célèbre peintre, sculpteur, architecte, ingénieur, poète, musicien, naturaliste, mathématicien, chimiste, philosophe - tout cela fait légitimement référence à Léonard. Il a développé un projet pour un avion, un réservoir, les installations d'irrigation les plus complexes, et bien plus encore. Il a travaillé là où il était plus commode de trouver des mécènes parmi l'élite dirigeante, en changeant facilement, et est mort en France, où il est écrit sur sa pierre tombale qu'il était "un grand artiste français". Sa personnalité est devenue la personnification de l'esprit créateur de la Renaissance.

Un contemporain de Léonard était le célèbre condottiere César Borgia (1474-1507). Une large éducation se combinait en lui avec des talents naturels et un égoïsme débridé. Son ambition s'est manifestée dans une tentative de créer un État fort au centre de l'Italie. Il rêvait d'unir tout le pays en cas de succès, il était un commandant habile et réussi et un dirigeant efficace. Pour atteindre son objectif, ce connaisseur raffiné et connaisseur de la beauté a eu recours à la corruption, à la tromperie et au meurtre. De telles méthodes lui semblaient tout à fait acceptables pour atteindre le grand objectif - la création d'un État fort au centre de l'Italie. Les circonstances ont empêché C. Borgia de réaliser ses plans.

Léonard de Vinci et Cesare Borgia sont des contemporains, également typiques de leur époque critique, lorsque les anciennes règles et normes de la vie humaine perdaient leur signification et que les nouvelles n'avaient pas encore été acceptées par la société. La personnalité humaine s'est efforcée de s'affirmer, en utilisant tous les moyens et opportunités. Pour elle, les vieilles idées sur le « bien » et le « mauvais », sur le « permis » et « l'illégal » ont également perdu leur sens. "Les gens commettaient les crimes les plus sauvages et ne s'en repentaient en aucune façon, et ils le faisaient parce que le dernier critère du comportement humain était alors considéré comme l'individu qui se sentait isolé". Souvent, chez une personne, le dévouement désintéressé à son art et la cruauté débridée étaient combinés. Tel était, par exemple, le sculpteur et joaillier B. Cellini, dont on disait : « un bandit aux mains de fée ».

Le désir de l'individu de s'exprimer par n'importe quel moyen s'appelle le titanisme. Les titans de la Renaissance sont devenus la personnification de l'époque qui a découvert la valeur de l'humain "JE", mais s'est arrêté devant le problème de l'établissement de certaines règles dans les relations entre porteurs de nombreux "moi" différents.

Attitude envers la personne créative et la position de l'artiste dans la société. Il y a eu un virage vers le type de civilisation qui implique une intervention humaine active dans l'environnement - non seulement l'amélioration de soi, mais aussi la transformation de l'environnement - la nature, la société - à travers le développement des connaissances et leur application dans la sphère pratique. Ainsi, la chose la plus importante chez une personne était sa capacité de réalisation de soi et de créativité (au sens le plus large du terme). Ceci, à son tour, impliquait le rejet d'une réglementation globale au profit de la reconnaissance de l'initiative privée. L'idéal médiéval d'une vie contemplative a été supplanté par un nouvel idéal d'une vie active et active, qui a permis de laisser des traces visibles du séjour d'une personne sur Terre. L'activité devient le but principal de l'existence : construire un bel édifice, conquérir beaucoup de terres, sculpter une sculpture ou peindre un tableau qui glorifiera son créateur, s'enrichir et laisser derrière une société commerciale prospère, fonder une nouvelle état, composer un poème ou laisser une progéniture nombreuse - tout cela était dans un certain sens équivalent, permettait à une personne de laisser sa marque. L'art a permis au principe créatif de se manifester chez une personne, tandis que les résultats de la créativité en ont conservé longtemps le souvenir, l'ont rapproché de l'immortalité. Les gens de cette époque étaient convaincus :

La création peut survivre au créateur :

Le Créateur partira, vaincu par la nature,

Cependant, l'image qu'il a capturée

Réchauffera les cœurs pendant des siècles.

Ces lignes de Michelangelo Buonarroti peuvent être attribuées non seulement à la créativité artistique. Le désir d'expression de soi, le pathos de l'affirmation de soi sont devenus le sens de la vie spirituelle de la société italienne à cette époque. La personne créative était très appréciée et était associée, avant tout, à l'artiste créateur.

C'est ainsi que les artistes se perçoivent, et cela ne contredit pas l'opinion publique. Les paroles que le joaillier et sculpteur florentin Benvenuto Cellini aurait dites à un courtisan sont connues : "Peut-être qu'il n'y en a qu'un comme moi dans le monde entier, mais il y en a dix comme toi à chaque porte." La légende prétend que le souverain, à qui le courtisan s'est plaint de l'audace de l'artiste, a soutenu Cellini, et non le courtisan.

Un artiste pouvait s'enrichir comme le Pérugin, obtenir un titre de noblesse comme Mantegna ou Titien, entrer dans le cercle restreint des souverains comme Léonard ou Raphaël, mais la plupart des artistes avaient le statut d'artisans et se considéraient comme tels. Les sculpteurs étaient dans le même atelier avec les maçons, les peintres avec les pharmaciens. Selon les idées de leur temps, les artistes appartenaient à la couche moyenne des citadins, plus précisément, au bas de cette couche. La plupart d'entre eux étaient considérés comme des gens de la classe moyenne qui devaient constamment travailler, chercher des commandes. D. Vasari, parlant de son parcours créatif, note constamment que pour exécuter une commande, il devait se rendre à Naples, l'autre à Venise, la troisième à Rome. Entre ces voyages, il retourna dans son Arezzo natal, où il possédait une maison, qu'il n'arrêtait pas d'équiper, de décorer, d'agrandir. Certains artistes avaient leur propre maison (au XVe siècle à Florence une maison coûtait 100-200 florins), d'autres la louaient. Le peintre a passé environ deux ans à peindre une fresque de taille moyenne, recevant 15 à 30 florins pour cela, et ce montant comprenait le coût du matériau utilisé. Le sculpteur a passé environ un an à faire la sculpture et a reçu environ 120 florins pour son travail. Dans ce dernier cas, des consommables plus coûteux doivent être pris en compte.

En plus des paiements monétaires, les maîtres avaient parfois le droit de manger au monastère. L'omniscient Vasari a décrit le cas du peintre Paolo Uccello, que l'abbé a nourri de fromage pendant longtemps et avec diligence, jusqu'à ce que le maître cesse de venir travailler. Après que l'artiste se soit plaint aux moines qu'il était fatigué du fromage, et qu'ils en aient informé l'abbé, ce dernier a changé le menu.

Il est intéressant de comparer les informations sur la situation financière de deux sculpteurs Donatello et Ghiberti également (et hautement) appréciés par leurs contemporains. Le premier d'entre eux, par sa nature et son mode de vie, était un insouciant en matière d'argent. La légende témoigne qu'il mettait tous ses revenus (considérables) dans une bourse accrochée à la porte, et tous les membres de son atelier pouvaient tirer de cet argent. Ainsi, en 1427, le glorieux maître Donatello louait une maison pour 15 florins par an et avait un revenu net (la différence entre ce qu'il devait et ce qui lui était dû) - 7 florins. L'économique Lorenzo Ghiberti dans le même 1427 avait une maison, un terrain, un compte bancaire (714 florins) et un revenu net de -185 florins.

Les maîtres se sont volontairement engagés à exécuter diverses commandes pour décorer des églises, de riches palais et décorer des fêtes dans toute la ville. « Il n'y avait pas de hiérarchie actuelle des genres : les objets d'art avaient nécessairement un caractère fonctionnel... Des images d'autel, des coffres peints, des portraits, des bannières peintes sortaient d'un atelier... Telle était la conscience de soi artistique, et on ne peut que devinez le degré de magie de l'unité du maître avec son travail, pour lequel il a lui-même frotté les peintures, il a lui-même collé le pinceau, il a lui-même assemblé le cadre - c'est pourquoi il n'a pas vu la différence fondamentale entre la peinture du l'autel et le coffre.

Les concours entre artistes pour le droit de recevoir une commande gouvernementale rentable étaient une pratique courante. Le plus célèbre de ces concours est le concours pour le droit de fabriquer des portes pour le baptistère florentin (baptistère), organisé dans les premières années du XVe siècle. San Giovanni était cher à tous les habitants de la ville, car ils y ont été baptisés, dotés du nom de chacun d'eux, à partir de là, chacun a commencé son parcours de vie. Tous les maîtres célèbres ont participé au concours, et il a été remporté par Lorenzo Ghiberti, qui l'a ensuite fièrement écrit dans ses Notes.

Un autre concours célèbre eut lieu un siècle plus tard. Nous parlons de la commande pour la décoration de la salle du conseil, fournie par la Senoria florentine à deux des rivaux les plus célèbres, Leonardo da Vinci et Michelangelo Buonarroti. L'exposition de cartons (dessins grandeur nature) réalisés par des maîtres devient un événement de la vie publique de la république.

Humanisme. Les penseurs du Moyen Âge glorifiaient le principe spirituel sublime de l'homme et maudissaient le vil, corporel. Les gens de la nouvelle ère ont chanté chez l'homme à la fois l'âme et le corps, les considérant également beaux et également significatifs. D'où le nom de cette idéologie - l'humanisme (homo- Humain).

L'humanisme de la Renaissance comprenait deux composantes : l'humanisme, haute spiritualité de la culture ; et un complexe de disciplines humanitaires visant à étudier la vie terrestre d'une personne, telles que la grammaire, la rhétorique, la philologie, l'histoire, l'éthique et la pédagogie. Les humanistes ont cherché à transformer l'ensemble du système de connaissances pour résoudre les problèmes de la vie humaine terrestre. Le noyau sémantique de l'humanisme était l'affirmation d'une nouvelle compréhension de l'individu, capable de se développer librement. Ainsi, il a manifesté la tendance principale de la perspective historique du développement de la modernisation - changement, renouvellement, amélioration.

Les humanistes constituaient une couche sociale non pas nombreuse, mais influente, précurseur de la future intelligentsia. L'intelligentsia humaniste comprenait des représentants des citadins, de la noblesse et du clergé. Ils ont utilisé leurs connaissances et leurs intérêts dans une variété d'activités. Parmi les humanistes, on peut citer des hommes politiques éminents, des avocats, des employés de magistrature, des artistes.

L'homme dans la représentation du peuple de cette époque était assimilé à un dieu mortel. L'essence de la Renaissance réside dans le fait que l'homme a été reconnu comme la «couronne de la création» et que le monde terrestre visible a acquis une valeur et une signification indépendantes. Toute la vision du monde de l'époque était centrée sur la glorification des mérites et des capacités de l'homme, ce n'est pas par hasard qu'elle s'appelait humanisme.

Le théocentrisme médiéval a été remplacé par l'anthropocentrisme. L'homme en tant que création la plus parfaite de Dieu était au centre de l'attention des philosophes et des artistes. L'anthropocentrisme de la Renaissance s'est manifesté de différentes manières. Ainsi, la comparaison des structures architecturales avec le corps humain, faite dans l'Antiquité, a été complétée dans l'esprit chrétien. "Leon Batista Alberti, qui a distingué l'anthropomorphisme biblique du païen Vitruve, comparant les proportions des colonnes avec les rapports de hauteur et d'épaisseur d'une personne ... lui, à la suite d'Augustin le Bienheureux, a corrélé les proportions humaines avec les paramètres de Noé l'arche et le temple de Salomon. La maxime "l'homme est la mesure de toutes choses" avait un sens arithmétique pour la Renaissance.

L'humaniste italien, qui a vécu dans la seconde moitié du XVe siècle, a été en mesure d'exprimer de la manière la plus convaincante l'essence de l'anthropocentrisme. Giovanni Pic de la Mirandole (1463-1494 ). Il possède un essai intitulé "Discours sur la dignité de l'homme". Le nom lui-même est éloquent, dans lequel le moment évaluatif est souligné - «dignité humaine». Dans ce traité, Dieu, s'adressant à une personne, dit : « Je t'ai placé au milieu du monde, afin qu'il te soit plus facile de pénétrer ton environnement avec tes yeux. Je t'ai créé comme un être non céleste, mais non seulement terrestre, non mortel, mais non immortel non plus, afin que toi, libre de toute contrainte, devienne toi-même créateur et forge complètement ta propre image.

L'homme s'avère être la création la plus parfaite, plus parfaite que même les êtres célestes, puisqu'ils sont dotés de leurs propres vertus dès le début, et un homme peut les développer lui-même, et sa valeur, sa noblesse dépendra uniquement de sa personnalité personnelle. qualités. (virtuel). Voici ce que l'architecte et écrivain Leon Batista Alberti a écrit sur les capacités humaines : « J'ai donc réalisé qu'il est en notre pouvoir d'obtenir toutes sortes de louanges, quelle que soit leur valeur, avec l'aide de notre propre zèle et compétence, et pas seulement par la grâce de la nature et des temps... » Les scientifiques humanistes ont cherché confirmation de leur attitude envers l'homme auprès des philosophes d'autres époques et ont trouvé des opinions similaires chez les penseurs de l'Antiquité.

Patrimoine antique. L'habitude de s'appuyer sur une sorte d'autorité a forcé les humanistes à chercher la confirmation de leurs vues là où ils trouvaient des idées proches dans l'esprit - dans les œuvres d'auteurs anciens. "L'amour pour les anciens" est devenu un trait caractéristique qui distingue les représentants de cette direction idéologique. La maîtrise de l'expérience spirituelle de l'Antiquité était censée contribuer à la formation d'une personne moralement parfaite, et donc à la purification spirituelle de la société.

Le Moyen Âge n'a jamais complètement rompu avec le passé antique. Les humanistes italiens considéraient l'Antiquité comme un idéal. Les penseurs du millénaire précédent distinguaient Aristote parmi les auteurs antiques, les humanistes étaient plus attirés par des orateurs célèbres (Cicéron) ou des historiens (Titus Livius), des poètes. Dans les écrits des anciens, les pensées les plus importantes leur semblaient sur la grandeur spirituelle, les possibilités créatives et les actes héroïques des gens. F. Petrarch a été l'un des premiers à rechercher spécifiquement des manuscrits anciens, à étudier des textes anciens et à se référer aux auteurs anciens comme la plus haute autorité. Les humanistes abandonnent le latin médiéval et essaient d'écrire leurs compositions en latin classique « cicéronien », ce qui les contraint à subordonner les réalités de la vie contemporaine aux exigences de la grammaire. Le latin classique unissait ses savants dans toute l'Europe, mais séparait leur "république de savants" de ceux qui n'étaient pas versés dans les subtilités du latin.

Renaissance et traditions chrétiennes. Les nouvelles conditions de vie exigeaient un rejet des anciens idéaux chrétiens d'humilité et d'indifférence à la vie terrestre. Ce pathos du déni était très perceptible dans la culture de la Renaissance. En même temps, il n'y avait pas de rejet de l'enseignement chrétien. Les gens de la Renaissance ont continué à se considérer comme de bons catholiques. La critique de l'église et de ses dirigeants (en particulier le monachisme) était très courante, mais c'était une critique des gens de l'église, et non de la doctrine chrétienne. De plus, les humanistes critiquaient non seulement l'immoralité du comportement d'une partie des ecclésiastiques, pour eux l'idéal médiéval de retrait, le rejet du monde était inacceptable. Voici ce qu'écrivit l'humaniste Caluccio Salutati à son ami qui décida de devenir moine : « Ne crois pas, O Pellegrino, que fuir le monde, éviter de voir les belles choses, s'enfermer dans un monastère ou se retirer dans un skite est le chemin de la perfection.

Les idées chrétiennes coexistaient assez paisiblement dans l'esprit des gens avec de nouvelles normes de comportement. Parmi les défenseurs des idées nouvelles, il y avait de nombreuses personnalités de l'Église catholique, y compris les plus hauts gradés, jusques et y compris les cardinaux et les papes. En art, notamment en peinture, les thèmes religieux restent prédominants. Plus important encore, les idéaux de la Renaissance incluaient la spiritualité chrétienne, complètement étrangère à l'Antiquité.

Les contemporains valorisaient les activités des humanistes comme la plus haute réalisation de la culture de leur temps, et leurs descendants connaissent davantage leurs études hautement savantes par ouï-dire. Pour les générations suivantes, leur travail, contrairement aux œuvres d'artistes, d'architectes et de sculpteurs, présente un intérêt en tant que phénomène historique. En attendant, ce sont justement ces connaisseurs pédants du latin, ces amoureux du raisonnement

0 vertus des anciens ont développé les bases d'une nouvelle vision du monde, de l'homme, de la nature, insufflé dans la société de nouveaux idéaux éthiques et esthétiques. Tout cela a permis de rompre avec les traditions du Moyen Âge et de donner à la culture naissante un regard renouvelé. Ainsi, pour la postérité, l'histoire italienne de la Renaissance est avant tout l'histoire de l'âge d'or de l'art italien.

Le problème du transfert d'espace. La Renaissance se caractérise par une attitude respectueuse, presque révérencieuse envers la connaissance, envers l'apprentissage. C'est au sens de connaissance au sens le plus large du terme que le mot « science » était alors utilisé. Il n'y avait qu'un seul moyen d'obtenir des connaissances : l'observation, la contemplation. La branche la plus progressiste de la connaissance à cette époque s'est avérée être la connaissance liée à l'étude visuelle du monde extérieur.

« Le long processus de maturation des sciences de la nature et de la vie commence déjà au XIIIe siècle. Et son début fut une révolution dans le développement de la vision, associée aux progrès de l'optique et à l'invention des lunettes... La construction d'une perspective linéaire élargit le champ de vision horizontalement et limita ainsi la dominance de la verticale dirigée vers le ciel dedans. La source d'information était l'œil humain. Seul un artiste peut transmettre des informations, créer une image visible de n'importe quel objet, une personne qui a non seulement un œil vif, mais aussi la capacité de capturer et de transmettre au spectateur l'apparence d'un objet ou d'un phénomène que le spectateur ne voit pas, mais j'aimerais savoir. D'où l'enthousiasme et la fierté des paroles de D. Vasari, qui écrivait : « L'œil, appelé la fenêtre de l'âme, est le principal moyen par lequel le sentiment général peut, dans la plus grande richesse et splendeur, considérer les créations sans fin de nature ..."

Il n'est donc pas étonnant que les gens de la Renaissance vénéraient la peinture comme une science, et la plus importante des sciences : « Ô science étonnante, tu entretiens les beautés mortelles des mortels, tu les rends plus durables que les créations des la nature, continuellement modifiée par le temps, qui les amène à une vieillesse inévitable… » ​​Léonard de Vinci répète de différentes manières dans ses notes.

Dans ce cas, le transfert de l'illusion de la tridimensionnalité d'un objet, sa localisation dans l'espace, c'est-à-dire la possibilité de créer un dessin fiable. La couleur a joué un rôle secondaire, a servi de décoration supplémentaire. "La perspective était le principal jeu intellectuel de l'époque..."

Vasari dans ses "Biographies" a spécifiquement noté l'enthousiasme d'un certain nombre d'artistes du XVe siècle. l'étude de la perspective linéaire. Ainsi, le peintre Paolo Uccello s'est littéralement «fixé» sur les problèmes de perspective, a consacré tous ses efforts à construire correctement l'espace, apprenant à transmettre l'illusion de la réduction et de la distorsion des détails architecturaux. La femme de l'artiste "racontait souvent que Paolo passait des nuits entières assis dans son atelier à la recherche des lois de la perspective, et que lorsqu'elle l'appelait à dormir, il lui répondait : "Oh, quelle chose agréable cette perspective !"

Étapes de la Renaissance italienne. La culture de la Renaissance italienne est passée par plusieurs étapes. Les noms des périodes sont traditionnellement déterminés par les siècles :

• - le tournant des XIII-XIV siècles. - Ducento, Proto-Renaissance (Pré-Renaissance). Centre - Florence;
• - XIVe siècle. -trecento (début de la Renaissance);
• - XVe siècle. - quattrocento (la célébration de la culture de la Renaissance). Parallèlement à Florence, de nouveaux centres culturels apparaissent à Milan, Ferrare, Mantoue, Urbino, Rimini ;
• - XVIe siècle. -cinquecento, comprend : Haute Renaissance (première moitié du XVIe siècle), le leadership dans la vie culturelle passe à Rome, et Renaissance tardive (années 50-80 du XVIe siècle), lorsque Venise devient le dernier centre de la culture de la Renaissance.

Proto-Renaissance. Au début de la Renaissance, Florence était le centre principal de la nouvelle culture. Figure emblématique du poète Dante Alighieri (1265-1321 ) et le peintre Giotto de Bondone (1276-1337 ), tous deux issus de Florence, les deux personnalités sont typiques d'une nouvelle ère historique - active, active, énergique. Un seul d'entre eux, Dante, ayant pris une part active à la lutte politique, a terminé sa vie en exil politique, et l'autre, Giotto, étant non seulement un artiste célèbre, mais aussi un architecte, a vécu en citoyen respectable et prospère. . (à moitié). Chacun dans son domaine de créativité était à la fois un innovateur et l'achèvement des traditions.

Cette dernière qualité est plus caractéristique de Dante. Son nom a été rendu immortel par le poème "La Divine Comédie", qui raconte les pérégrinations de l'auteur dans l'autre monde. Toutes les idées principales de la vision du monde médiévale sont concentrées dans cet ouvrage. L'ancien et le nouveau côte à côte. L'intrigue est assez médiévale, mais racontée d'une nouvelle manière. Tout d'abord, il est important de noter que Dante a abandonné le latin. Le poème est écrit en dialecte toscan. L'image d'une image verticale médiévale de l'univers est donnée : les cercles de l'Enfer, la montagne du Purgatoire, les espaces du Paradis, mais le personnage principal est Dante lui-même, qui est accompagné par le poète romain Virgile dans ses pérégrinations à travers l'Enfer et Purgatoire, et au Paradis il rencontre la « divine Béatrice », une femme que le poète aimait toute sa vie. Le rôle assigné à la femme mortelle dans le poème indique que l'auteur est tourné vers l'avenir plutôt que vers le passé.

Le poème est habité par de nombreux personnages, actifs, indomptables, énergiques, leurs intérêts sont tournés vers la vie terrestre, ils sont préoccupés par les passions et les actes terrestres. Différents destins, personnages, situations défilent devant le lecteur, mais ce sont des gens de l'ère à venir, dont l'esprit n'est pas tourné vers l'éternité, mais vers un intérêt momentané "ici et maintenant". Méchants et martyrs, héros et victimes, provoquant compassion et haine - ils étonnent tous par leur vitalité et leur amour de la vie. L'image géante de l'univers a été créée par Dante.

L'artiste Giotto s'est donné pour objectif d'imiter la nature, qui deviendrait la pierre angulaire des peintres de l'ère suivante. Cela s'est manifesté dans le désir de transmettre le volume des objets, en recourant à la modélisation de la lumière et de l'ombre des figures, en introduisant le paysage et l'intérieur dans l'image, en essayant d'organiser l'image comme une plate-forme scénique. De plus, Giotto a abandonné la tradition médiévale de remplir tout l'espace des murs et des plafonds avec des peintures qui combinent divers sujets. Les murs des chapelles sont recouverts de fresques, qui sont situées dans des ceintures, et chaque ceinture est divisée en plusieurs peintures isolées dédiées à un épisode particulier et encadrées d'un cadre à motif ornemental. Le spectateur, en longeant les murs de la chapelle, examine divers épisodes, comme s'il feuilletait les pages d'un livre.

Les œuvres les plus célèbres de Giotto sont les peintures murales (fresques) des églises d'Assise et de Padoue. A Assise, la peinture est vouée à la vie

François d'Assise, peu de temps avant canonisé comme saint. Le cycle de Padoue est associé aux histoires du Nouveau Testament qui racontent l'histoire de la vie de la Vierge Marie et de Jésus-Christ.

L'innovation de Giotto ne consistait pas seulement dans l'utilisation de nouvelles techniques, pas seulement dans la "copie" de la nature (qui était trop littéralement comprise par ses disciples immédiats - jotteco), mais en recréant une nouvelle vision du monde avec des techniques picturales. Les images créées par lui sont pleines de courage et de calme grandeur. Tels sont également Marie, acceptant solennellement la nouvelle de son élu («Annonciation»), et le bon enfant St. François, glorifiant l'unité et l'harmonie de l'univers ("Saint François prêchant aux oiseaux"), et le Christ rencontrant calmement le baiser traître de Judas ("Baiser de Judas"). Dante et Giotto sont considérés comme les maîtres qui ont commencé à développer le thème de l'homme héroïque à la Renaissance italienne.

Trecento. La gloire de cette période a été apportée par les maîtres qui ont développé le thème lyrique dans l'art. Les strophes sonores des sonnets de Pétrarque sur la belle Laura font écho à la linéarité raffinée des œuvres des artistes siennois. Ces peintres ont été influencés par les traditions gothiques: les flèches pointues des églises, les arcs en lancette, la courbe en forme de 5 des personnages, la planéité de l'image et le caractère décoratif de la ligne distinguent leur art. Le représentant le plus célèbre de l'école siennoise est considéré Simon Martini (1284-1344). La composition de l'autel représentant la scène de l'Annonciation, encadrée par des sculptures dorées exquises, formant des arcs gothiques allongés, est typique pour lui. Le fond doré transforme toute la scène en une vision fantastique, et les personnages sont pleins de finesse décorative et de grâce fantaisiste. Figure éthérée de Marie fantasquement penchée sur un trône d'or, son visage délicat nous rappelle les vers de Blok : "les Madones insidieuses plissent leurs longs yeux". Les artistes de ce cercle ont développé la ligne lyrique dans l'art de la Renaissance.

Au XIVe siècle. la formation de la langue littéraire italienne. Les écrivains de cette époque composaient volontiers des histoires amusantes sur les affaires terrestres, les problèmes domestiques et les aventures des gens. Ils étaient occupés par des questions : comment une personne se comportera-t-elle dans certaines circonstances ; Comment les paroles et les actes des gens correspondent-ils les uns aux autres? Ces nouvelles (histoires courtes) ont été combinées dans des collections qui constituaient une sorte de "comédie humaine" de cette époque. Le plus célèbre d'entre eux, le Decameron » Giovanni Boccace (1313-1375 ), est une encyclopédie de la vie quotidienne et des coutumes de la vie de son temps.

Pour la postérité Francesco Petrarca (1304-1374) - le premier poète lyrique des temps modernes. Pour ses contemporains, il était le plus grand penseur politique, philosophe, maître des pensées de plusieurs générations. Il est appelé le premier humaniste. Dans ses traités, les principales techniques et thèmes inhérents à l'humanisme ont été développés. C'est Pétrarque qui s'est tourné vers l'étude des auteurs anciens, il s'est constamment référé à leur autorité, a commencé à écrire dans le latin correct (« cicéronien »), a perçu les problèmes de son temps à travers le prisme de la sagesse antique.

En musique, de nouvelles tendances sont apparues dans les œuvres de maîtres tels que F. Landini. Cette direction s'appelait "l'art nouveau". A cette époque, de nouvelles formes musicales de musique profane sont nées, comme la ballade et le madrigal. Grâce aux efforts des compositeurs du "nouvel art", la mélodie, l'harmonie et le rythme ont été combinés en un seul système.

Quattrocento. Cette période ouvre l'activité de trois maîtres : l'architecte Philippe Brunelleschi (1377-1446 ), sculpteur Donatello(1386-1466 ), peintre Masaccio (1401-1428 ). Leur ville natale de Florence devient le centre reconnu d'une nouvelle culture, dont le noyau idéologique était la glorification de l'homme.

Dans les conceptions architecturales de Brunelleschi, tout est subordonné à l'exaltation de l'homme. Cela se manifestait par le fait que les bâtiments (même les églises immenses) étaient construits de telle manière qu'une personne n'y semblerait pas perdue et insignifiante, comme dans une cathédrale gothique. Des arcades lumineuses (éléments qui n'avaient pas d'analogue dans l'Antiquité) ornent les galeries extérieures de l'Orphelinat, des intérieurs légers et austères dans une ambiance sérieuse, un dôme octogonal majestueux et léger couronne l'espace de la cathédrale de Santa Maria della Fiore. Les façades des palais-palais de la ville, dans lesquels la maçonnerie brute du premier étage (rustication) est mise en valeur par d'élégantes fenêtres à portail, sont pleines de retenue sévère. Cette impression a été réalisée par l'architecte Filippo Brunelleschi.

Le sculpteur Donato, entré dans l'histoire de l'art sous son surnom de Donatello, a fait revivre un type de sculpture sur pied oublié au Moyen Âge. Il a réussi à combiner l'ancien idéal d'un corps humain harmonieusement développé avec une spiritualité chrétienne et une intense intellectuelle. Les images qu'il a créées, qu'il s'agisse du prophète Avvakum (« Zukkone ») avec excitation, du conquérant pensif David, de Maria Anunziata calmement concentrée, du redoutable Gattamelata dans sa persévérance impartiale, glorifient le principe héroïque de l'homme.

Tomaso Masaccio a poursuivi les réformes de Giotto en peinture. Ses figures sont volumineuses et emphatiquement matérielles ("Vierge à l'Enfant avec sainte Anne"), elles se tiennent sur le sol et ne "planent" pas dans les airs ("Adam et Eve chassés du paradis"), elles sont placées dans un espace que l'artiste a réussi à rendre en utilisant les techniques de la perspective centrale ("Trinity").

Les fresques de Masaccio dans la chapelle Brancacci représentent les apôtres qui ont accompagné le Christ dans ses pérégrinations terrestres. Ce sont des gens ordinaires, des pêcheurs et des artisans. L'artiste, cependant, ne cherche pas à les habiller de haillons pour souligner leur simplicité, mais évite également les robes luxuriantes qui montreraient leur choix, leur exclusivité. Il est important pour lui de montrer la signification intemporelle de ce qui se passe.

Les maîtres de la Renaissance de l'Italie centrale ont essayé d'éviter ce genre de détail. Il a été jugé plus important de transmettre le typique, généralisé, plutôt qu'individuel, aléatoire, pour transmettre la grandeur d'une personne. Pour cela, par exemple, Piero della Francesca a eu recours à des techniques telles que l'utilisation d'un «horizon bas» et l'assimilation de figures humaines drapées de larges manteaux à des formes architecturales («La reine de Saba devant Salomon»).

Parallèlement à cette tradition héroïque, une autre tradition lyrique s'est développée. Il était dominé par la décoration, le multicolore (la surface de nombreuses peintures de cette époque ressemble à des tapis élégants) et les motifs. Les personnages dépeints par les maîtres de cette direction sont mélancoliques pensifs, remplis d'une tendre tristesse. Les petites choses du quotidien, les détails fantaisistes constituent une part non négligeable de leur attrait. Les artistes de ce cercle comprenaient à la fois des maîtres florentins et des artistes d'autres écoles. Les plus célèbres d'entre eux sont Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Le maître le plus brillant de cette direction fut le florentin Sandro Botticelli (1445-1510 ). La beauté touchante et poignante de ses Madones et Vénus est pour beaucoup associée à l'art du Quattrocento en général. Des couleurs délicieusement fanées, des lignes fantaisistes, tantôt fluides, tantôt frétillantes, des figures légères glissant au-dessus du sol et ne se remarquant pas. Botticelli est l'un des artistes les plus charmants de la Renaissance, dont le travail combine l'influence de l'esthétique médiévale, la maîtrise des nouvelles techniques artistiques et une prémonition d'une crise de la culture humaniste. Dans sa peinture, il y a des sujets mythologiques, allégoriques et bibliques. Ces intrigues sont véhiculées par le pinceau d'une personne simple et sincère qui a rejoint les idées philosophiques du néoplatonisme.

L'art de Botticelli a prospéré à la cour du souverain officieux de Florence, le banquier Lorenzo Medici, qui était une figure socio-politique typique de son temps : un politicien rusé et douteux, un dirigeant dur, un amateur d'art enthousiaste, un bon poète. Il n'a pas commis d'atrocités telles que S. Malatesta ou C. Borgia, mais dans l'ensemble a adhéré aux mêmes principes dans ses actions. Il se caractérise (toujours dans l'air du temps) par un besoin de manifester le luxe extérieur, la splendeur, la fête. Sous lui, Florence était célèbre pour ses carnavals brillants, dont une composante obligatoire était des processions costumées, au cours desquelles de petites représentations théâtrales étaient jouées sur des thèmes mythologiques et allégoriques, accompagnées de danses, de chants et de récitations. Ces festivités ont anticipé la formation de l'art théâtral, dont l'essor a commencé au XVIe siècle suivant.

Crise des idées de l'humanisme. L'humanisme s'est concentré sur la glorification de l'homme et nourrissait l'espoir qu'une personnalité humaine libre pourrait s'améliorer sans cesse, et en même temps, la vie des gens s'améliorerait, les relations entre eux seraient gentilles et harmonieuses. Deux siècles se sont écoulés depuis le début du mouvement humaniste. L'énergie spontanée et l'activité des gens ont beaucoup créé - de magnifiques œuvres d'art, de riches sociétés commerciales, des traités scientifiques et des nouvelles pleines d'esprit, mais la vie ne s'est pas améliorée. De plus, la pensée du destin posthume des créateurs audacieux était de plus en plus inquiétante. Qu'est-ce qui peut justifier l'activité terrestre de l'homme du point de vue de l'au-delà ? L'humanisme et toute la culture de la Renaissance n'ont pas répondu à cette question. La liberté de l'individu, inscrite sur la bannière de l'humanisme, pose le problème du choix personnel entre le bien et le mal. Le choix n'a pas toujours été fait en faveur du bien. La lutte pour le pouvoir, l'influence, la richesse a conduit à des escarmouches sanglantes constantes. Le sang a inondé les rues, les maisons et même les églises de Florence, Milan, Rome, Padoue et de toutes les grandes et petites cités-États d'Italie. Le sens de la vie se réduisait à l'obtention de succès et de réalisations spécifiques et tangibles, mais en même temps il n'avait aucune justification supérieure. De plus, le « jeu sans règles », qui est devenu la règle de vie, ne pouvait durer trop longtemps. Cette situation a suscité un désir croissant d'introduire un élément d'organisation et de certitude dans la vie de la société. Il fallait trouver une justification supérieure, un stimulant supérieur à l'ébullition frénétique de l'énergie humaine.

Ni l'idéologie humaniste, orientée vers la résolution des problèmes de la vie terrestre, ni le vieux catholicisme, dont l'idéal éthique était tourné vers une vie purement contemplative, ne pouvaient fournir une correspondance entre les besoins changeants de la vie et leur explication idéologique. Le dogme religieux devait s'adapter aux besoins d'une société d'individualistes actifs, entreprenants et indépendants. Cependant, les tentatives de réforme de l'Église dans les conditions de l'Italie, l'ancien centre idéologique et organisationnel du monde catholique, étaient vouées à l'échec.

L'exemple le plus frappant en est la tentative du moine dominicain Girolamo Savonarola de mener à bien une telle réforme dans les conditions de Florence. Après la mort du brillant Laurent de Médicis, Florence connaît une crise politique et économique. Après tout, la splendeur de la cour des Médicis s'est accompagnée d'une détérioration de l'économie de Florence, d'un affaiblissement de sa position parmi les États voisins. Le sévère moine dominicain Savonarole a acquis une énorme influence dans la ville, appelant au rejet du luxe, à la poursuite des arts vains et à l'établissement de la justice. La plupart des citadins (y compris des artistes tels que Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) ont commencé avec enthousiasme à combattre le mal, détruisant des objets de luxe, brûlant des œuvres d'art. Grâce aux efforts de la curie de Rome, Savonarole a été renversé et exécuté, le pouvoir de l'oligarchie a été restauré. Mais la confiance sereine et joyeuse dans les idéaux, adressée à la glorification de l'homme parfait, n'était plus.

Haute Renaissance. Le cœur de l'idéologie humaniste était le pathos subversif de l'émancipation, de la libération. Lorsque ses possibilités ont été épuisées, une crise devait survenir. Une courte période, environ trois décennies, est le moment du dernier décollage avant le début de la destruction de tout le système des idées et des humeurs. Le centre du développement culturel s'est déplacé à cette époque de Florence, qui perdait ses prouesses et ses ordres républicains, à Rome, le centre de la monarchie théocratique.

Trois maîtres ont le plus pleinement exprimé la Haute Renaissance dans l'art. On peut dire, bien sûr, un peu conditionnellement, que l'aîné d'entre eux, Léonard de Vinci (1452-1519 ), chantait l'intellect humain, l'esprit qui élève une personne au-dessus de la nature environnante ; le plus jeune, Raphaël Santi (1483-1520 ), a créé des images parfaitement belles, incarnant l'harmonie de la beauté spirituelle et physique; mais Michel-Ange Buonarroti (1475-1564) glorifié la force et l'énergie de l'homme. Le monde créé par les artistes est une réalité, mais débarrassée de tout ce qui est mesquin et aléatoire.

La principale chose que Léonard a laissée aux gens est sa peinture, glorifiant la beauté et l'esprit de l'homme. Déjà la première des œuvres indépendantes de Léonard - la tête d'un ange, écrite pour le baptême par son professeur Verrocchio, a frappé le public par son regard pensif et pensif. Les personnages de l'artiste, qu'il s'agisse de la jeune Marie jouant avec un enfant ("Madonna Benois"), de la belle Cicilia ("Dame à l'hermine") ou des apôtres et du Christ dans la scène de "La Cène", sont d'abord tous, êtres pensants. Qu'il suffise de rappeler le tableau connu sous le nom de portrait de Mona Lisa ("Gioconde"). Le regard d'une femme calmement assise est plein d'une telle perspicacité et d'une telle profondeur qu'il semble qu'elle voit et comprend tout : les sentiments des gens qui la regardent, les complexités de leur vie, l'infinité du Cosmos. Derrière elle se trouve un paysage magnifique et mystérieux, mais elle s'élève au-dessus de tout, elle est la chose principale dans ce monde, elle personnifie l'intellect humain.

Dans la personnalité et l'œuvre de Raphael Santi, le désir d'harmonie, d'équilibre intérieur, de dignité calme caractéristique de la Renaissance italienne s'est manifesté avec une plénitude particulière. Il a laissé derrière lui non seulement des peintures et des œuvres architecturales. Ses peintures sont très diverses dans leurs sujets, mais quand elles parlent de Raphaël, les images de ses madones viennent d'abord à l'esprit. Ils ont une bonne part de similitudes, manifestées dans la clarté spirituelle, la pureté enfantine et la clarté du monde intérieur. Parmi eux, il y a des réfléchis, des rêveurs, des flirteurs, des concentrés, chacun incarne l'une ou l'autre facette d'une image - une femme avec une âme d'enfant.

La plus célèbre des Madones de Raphaël, la Madone Sixtine, fait partie de cette série. Voici comment est décrite l'impression des soldats soviétiques qui l'ont vu en 1945 sortir de la mine, où il était caché par les nazis : « Rien dans l'image ne retient d'abord votre attention ; ton regard glisse, sans s'arrêter à rien, jusqu'à ce moment, jusqu'à ce qu'il en rencontre un autre, se dirigeant vers le regard. Des yeux sombres et écarquillés vous regardent calmement et attentivement, enveloppés dans une ombre transparente de cils; et déjà quelque chose de vague s'est agité dans votre âme, vous rendant alerte... Vous essayez toujours de comprendre de quoi il s'agit, ce qui exactement dans l'image vous a alerté, vous a alarmé. Et vos yeux involontairement encore et encore sont attirés par son regard ... Le regard de la Madone Sixtine, légèrement assombri par le chagrin, est plein de confiance en l'avenir, vers lequel elle porte, avec tant de grandeur et de simplicité, son fils le plus cher.

Une perception similaire de l'image est véhiculée par de telles lignes poétiques: "Les royaumes ont péri, les mers se sont asséchées, / Les citadelles ont été incendiées, / Aona dans la douleur maternelle / Du passé au futur est allé."

Dans l'œuvre de Raphaël, le désir de retrouver le commun, typique de l'individuel est particulièrement vif. Il a expliqué qu'il avait dû voir beaucoup de belles femmes pour écrire Beauty.

Lors de la création d'un portrait, les artistes de la Renaissance italienne se sont concentrés non pas sur les détails qui aident à montrer l'individu chez une personne (la forme des yeux, la longueur du nez, la forme des lèvres), mais sur la généralisation- typiques, constituant les traits « d'espèce » de l'Homme.

Michelangelo Buonarroti était à la fois un merveilleux poète et un brillant sculpteur, architecte et peintre. La longue vie créative de Michel-Ange comprenait l'époque de la plus haute floraison de la culture de la Renaissance; lui, qui a survécu à la plupart des titans de la Renaissance, a dû constater l'effondrement des idéaux humanistes.

La force et l'énergie dont ses œuvres sont empreintes semblent parfois excessives, écrasantes. Dans l'œuvre de ce maître, le pathos de la création, caractéristique de l'époque, se conjugue avec un sens tragique de la ruine de ce pathos. Le contraste de la puissance physique et de l'impuissance est présent dans un certain nombre d'images sculpturales, telles que les figures des "Esclaves", des "Prisonniers", la célèbre sculpture "Nuit", ainsi que dans les images de sibylles et de prophètes au plafond de la Chapelle Sixtine.

Une impression particulièrement tragique est faite par le tableau représentant la scène du Jugement dernier sur le mur ouest de la chapelle Sixtine. Selon le critique d'art, « la main levée du Christ est à l'origine d'un mouvement vortex sphérique qui s'effectue autour de l'ovale central... Le monde est mis en mouvement, il surplombe l'abîme, l'ensemble des corps surplombe l'abîme du Jugement dernier... Dans un élan de colère, la main du Christ se leva. Non, il n'est pas apparu comme un sauveur aux gens... et Michel-Ange n'a pas voulu consoler les gens... Ce Dieu est assez inhabituel... il est imberbe et juvénile rapide, il est puissant dans sa force physique, et tout sa force est donnée à la colère. Ce Christ ne connaît aucune miséricorde. Maintenant, ce serait seulement cautionner le mal.

Renaissance à Venise : une célébration de la couleur. Une riche république marchande est devenue le centre de la Renaissance tardive. Parmi les centres culturels de l'Italie, Venise occupait une position particulière. De nouvelles tendances y pénétrèrent bien plus tard, ce qui s'explique par les forts sentiments conservateurs qui existaient dans cette république marchande oligarchique, liée à des relations étroites avec Byzance et fortement influencée par la « manière byzantine ».

L'esprit de la Renaissance ne se manifeste donc dans l'art des Vénitiens qu'à partir de la seconde moitié du XVe siècle. dans les oeuvres de plusieurs générations d'artistes de la famille Bellini.

De plus, la peinture vénitienne a une autre différence notable. Dans les arts visuels d'autres écoles italiennes, l'essentiel était le dessin, la capacité de rendre le volume des corps et des objets à l'aide de la modélisation de la lumière et de l'ombre (le fameux sfumato Léonard de Vinci), les Vénitiens, quant à eux, attachaient une grande importance au jeu des couleurs. L'atmosphère humide de Venise a contribué au fait que les artistes ont traité le pittoresque de leur travail avec une grande attention. Sans surprise, les Vénitiens furent les premiers artistes italiens à se tourner vers la technique de la peinture à l'huile, développée dans le nord de l'Europe, aux Pays-Bas.

Le véritable épanouissement de l'école vénitienne est associé à la créativité Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ce maître décédé a laissé peu de peintures. L'homme et la nature sont le thème principal d'œuvres telles que "Country Concert", "Sleeping Venus", "Thunderstorm". "Une heureuse harmonie règne entre la nature et l'homme, ce qui, à proprement parler, est le thème principal de l'image." La couleur joue un rôle important dans la peinture de Giorgione.

Le représentant le plus célèbre de l'école vénitienne était Titien Vecelio, dont l'année de naissance est inconnue, mais il mourut très âgé, en 1576 lors d'une épidémie de peste. Il peint des tableaux sur des sujets bibliques, mythologiques, allégoriques. Dans sa peinture, il y a un début fort qui affirme la vie, les héros et les héroïnes sont pleins de force et de santé physique, majestueux et beaux. L'image d'autel de l'Ascension de Marie (Assunta) et le motif antique des Bacchanales sont également saturés de l'énergie de l'impulsion et du mouvement. Le Denier de César (le Christ et Judas) et l'Amour sur la Terre et au Ciel sont également imprégnés de connotations philosophiques. L'artiste a chanté la beauté féminine ("Venus of Urbino", "Danae", "Girl with Fruit") et le moment tragique du départ d'une personne de la vie ("Lamentation of Christ", "The Entombment"). Des images d'une beauté majestueuse, des détails harmonieux de formes architecturales, de belles choses qui remplissent les intérieurs, la couleur douce et chaude des peintures - témoignent tous de l'amour de la vie inhérent à Titien.

Le même thème était constamment développé par un autre Vénitien, Paul Véronèse (1528-1588 ). Ce sont ses "Fêtes" et "Célébrations" à grande échelle, ses allégories à la gloire de la prospérité de la République vénitienne, qui viennent d'abord à l'esprit avec les mots "peinture vénitienne". Véronèse n'a pas la polyvalence et la sagesse de Titien. Sa peinture est plus décorative. Il a été créé, tout d'abord, pour décorer le palais de l'oligarchie vénitienne et concevoir des bâtiments officiels. Le tempérament joyeux et la sincérité ont transformé cette peinture panégyrique en une célébration jubilatoire de la vie.

Il convient de noter que les Vénitiens plus souvent que les représentants des autres écoles italiennes, il y a des histoires antiques.

idées politiques. Il est devenu évident que la croyance humaniste selon laquelle une personne libre et omnipotente deviendrait heureuse et rendrait heureux tout le monde autour de lui n'était pas justifiée, et la recherche d'autres options pour atteindre le bonheur a commencé. Alors que l'espoir de la capacité d'un individu à créer les conditions d'une vie heureuse ou du moins paisible s'estompait, l'attention s'est portée sur les possibilités d'une communauté humaine organisée - l'État. A l'origine de la pensée politique des temps modernes se trouve un Florentin Nicolas Machiavel (1469-1527 ), qui était un homme d'État, historien, dramaturge, théoricien militaire et philosophe. Il a essayé de comprendre comment la société devait être organisée pour que les gens puissent vivre plus sereinement. Le fort pouvoir du souverain est ce qui, selon lui, pourrait assurer l'ordre. Que le souverain soit cruel comme un lion et rusé comme des renards, puisse-t-il, protégeant son pouvoir, éliminer tous ses rivaux. Selon Machiavel, un pouvoir illimité et incontrôlé devrait contribuer à la création d'un État grand et puissant. Dans un tel état, la plupart des gens vivront en paix, sans crainte pour leur vie et leurs biens.

Les activités de Machiavel ont témoigné que l'époque du « jouer sans règles » a assez fatigué la société, qu'il était nécessaire de créer une force capable d'unir les gens, de réguler les relations entre eux, d'établir la paix et la justice, et l'État a commencé à être considéré comme une telle force.

La place de l'art dans la société. Comme on l'a déjà noté, le domaine d'activité le plus vénéré était alors la créativité artistique, car c'était le langage de l'art qui s'exprimait à l'époque dans son ensemble. La conscience religieuse perdait son influence omniprésente sur la vie de la société et la connaissance scientifique en était encore à ses balbutiements, de sorte que le monde était perçu à travers l'art. L'art a joué le rôle qui, au Moyen Âge, appartenait à la religion, et dans la société des temps modernes et contemporains, à la science. L'univers n'était pas perçu comme un système mécaniste, mais comme un organisme intégral. Le principal moyen de comprendre l'environnement était l'observation, la contemplation, la fixation de ce qui était vu, et cela était mieux fourni par la peinture. Ce n'est pas un hasard si Léonard de Vinci appelle la peinture une science, d'ailleurs la plus importante des sciences.

De nombreux faits témoignent de l'importance de l'apparition d'une œuvre d'art exceptionnelle aux yeux des contemporains.

A propos des concours entre artistes pour le droit de recevoir une commande gouvernementale rentable a été mentionné ci-dessus. Tout aussi controversée était la question de savoir où devait se situer le "David" de Michel-Ange, et quelques décennies plus tard, le même problème s'est posé lors de l'installation de "Persée" par B. Cellini. Et ce ne sont là que quelques-uns des exemples les plus célèbres de ce type. Une telle attitude face à l'émergence de nouvelles créations artistiques destinées à décorer et magnifier la ville était tout à fait naturelle pour la vie urbaine de la Renaissance. L'époque parlait d'elle-même dans le langage des œuvres d'art. Par conséquent, chaque événement de la vie artistique est devenu important pour toute la société.

Thèmes et interprétation des intrigues dans l'art de la Renaissance italienne. Pour la première fois en mille ans d'existence de la culture chrétienne, les artistes ont commencé à dépeindre le monde terrestre, l'exaltant, le glorifiant, le déifiant. Les thèmes de l'art sont restés presque exclusivement religieux, mais dans le cadre de ce thème traditionnel, l'intérêt s'est déplacé, relativement parlant, vers des sujets affirmant la vie.

La première chose qui vient à l'esprit à la mention de la Renaissance italienne est l'image de Marie avec un bébé, qui est représentée par une jeune maîtresse (Madonna) avec un enfant d'une beauté touchante. "Vierge à l'Enfant", "Vierge aux Saints" (la soi-disant "Entrevue Sainte"), "Sainte Famille", "Adoration des Mages", "Nativité", "Procession des Mages" sont les thèmes favoris de la art de l'époque. Non, "Crucifixions" et "Lamentations" ont été créées, mais cette note n'était pas la principale. Les clients et les artistes, qui incarnaient leurs désirs dans des images visibles, trouvaient dans les intrigues religieuses traditionnelles quelque chose qui portait l'espoir et la foi dans un début brillant.

Parmi les personnages des légendes sacrées, des images de personnes réelles sont apparues, comme donateurs(donateurs) situés en dehors du cadre de la composition de l'autel ou en tant que protagonistes de processions bondées. Qu'il suffise de rappeler "l'Adoration des mages" de S. Botticelli, où les membres de la famille Médicis sont reconnaissables dans la foule élégante des fidèles et où l'artiste a vraisemblablement placé un autoportrait. Parallèlement à cela, des portraits indépendants de contemporains, peints d'après nature, de mémoire, selon des descriptions, se sont répandus. Dans les dernières décennies du XVe siècle les artistes ont commencé à représenter de plus en plus des scènes de nature mythologique. De telles images étaient censées décorer les locaux du palais. Des scènes de la vie moderne ont été incluses dans des compositions religieuses ou mythologiques. En soi, la modernité dans ses manifestations quotidiennes n'intéressait pas trop les artistes, ils revêtaient des thèmes sublimes et idéaux d'images visuelles familières. Les maîtres de la Renaissance n'étaient pas des réalistes au sens moderne du terme, ils recréaient avec les moyens dont ils disposaient le monde de l'Homme, débarrassé du quotidien.

Suivant les techniques de la perspective linéaire, les artistes ont créé sur le plan l'illusion d'un espace tridimensionnel rempli de figures et d'objets qui semblaient tridimensionnels. Les gens dans les peintures de la Renaissance sont représentés comme majestueux et importants. Leurs postures et leurs gestes sont empreints de sérieux et de solennité. Une rue étroite ou une place spacieuse, une pièce élégamment meublée ou des collines qui s'étendent librement - tout sert de fond aux figures de personnes.

Dans la peinture de la Renaissance italienne, le paysage ou l'intérieur est avant tout un cadre pour des figures humaines ; la modélisation fine de la lumière et de l'ombre crée une impression de matérialité, mais pas grossière, mais délicieusement aérée (ce n'est pas un hasard si Léonard considérait que le moment idéal pour travailler était le milieu de la journée par temps nuageux, lorsque l'éclairage est doux et diffus) ; l'horizon bas rend les figures monumentales, comme si elles touchaient le ciel de leur tête, et la retenue de leurs postures et de leurs gestes leur donne solennité et majesté. Les personnages ne sont pas toujours beaux dans les traits du visage, mais ils sont toujours remplis de signification et d'importance intérieures, d'estime de soi et de calme.

Artistes en tout et évitent toujours les extrêmes et les accidents. Voici comment le critique d'art a décrit les impressions de musée de la peinture de la Renaissance italienne: «Les salles d'art italien des XIVe-XVIe siècles se distinguent par une caractéristique intéressante - elles sont étonnamment calmes avec une abondance de visiteurs et diverses excursions ... Silence flotte des murs, des peintures - le silence majestueux du ciel élevé, des collines douces, de grands arbres. Et les grands... Les gens sont plus grands que le ciel. Le monde qui s'étend derrière eux - avec des routes, des ruines, des berges, des villes et des châteaux de chevaliers - nous le voyons comme d'une hauteur de vol. Il est complet, détaillé et respectueusement supprimé."

Dans l'histoire de l'exposition des cartons réalisés par Léonard et Michel-Ange pour la Salle du Conseil (les peintures n'ont jamais été achevées ni par l'un ni par l'autre), il convient de noter qu'il semblait particulièrement important pour les Florentins de voir le cartons. Ils ont particulièrement apprécié le dessin, qui traduit la forme, le volume des objets et des corps représentés, ainsi que le concept idéologique que le maître a tenté d'incarner. La couleur en peinture était plutôt pour eux un ajout, soulignant la forme créée par le dessin. Et encore une chose: à en juger par les copies survivantes, les deux œuvres (elles étaient consacrées à deux batailles importantes pour l'histoire de la cité-état de Florence) auraient dû devenir une manifestation typique de l'approche de l'art de la Renaissance, où l'essentiel était homme. Pour toute la différence dans les cartons, Léonard et Michel-Ange - guerriers de cavalerie accrochés en une seule boule lors de la lutte pour la bannière à Léonard ("Bataille d'Anghiari") et soldats se précipitant aux armes, attrapés par l'ennemi alors qu'ils nageaient dans la rivière, à Michel-Ange ("Bataille de Cashine"), - l'approche générale de la présentation de la représentation est évidente, nécessitant la sélection d'une figure humaine, lui subordonnant l'espace environnant. Après tout, les acteurs sont plus importants que le lieu d'action.

Il est intéressant de retracer comment l'état d'esprit de l'époque se reflétait dans l'art en comparant plusieurs œuvres consacrées à la représentation du même sujet. L'une des histoires préférées de l'époque était l'histoire de Saint Sébastien, qui a été exécuté par des soldats romains pour son engagement envers le christianisme. Ce thème permettait de montrer l'héroïsme de la personne humaine, capable de sacrifier sa vie pour ses croyances. De plus, l'intrigue a permis de se tourner vers l'image d'un corps nu, de réaliser l'idéal humaniste - une combinaison harmonieuse d'une belle apparence et d'une belle âme humaine.

Au milieu du XVe siècle. Plusieurs articles ont été écrits sur ce sujet. Les auteurs étaient des maîtres assez dissemblables : Perugino, Antonello de Mesina et d'autres. En regardant leurs peintures, on est frappé par le calme, le sens de la dignité intérieure, qui imprègne l'image d'un beau jeune homme nu debout près d'un pilier ou d'un arbre et regardant rêveusement vers le ciel. Derrière lui se trouve un paysage rural paisible ou une place de ville confortable. Seule la présence de flèches dans le corps d'un jeune homme indique au spectateur que nous avons devant nous une scène d'exécution. La douleur, la tragédie, la mort ne se fait pas sentir. Ces beaux jeunes hommes, unis par le destin du martyr Sébastien, sont conscients de leur immortalité, tout comme les gens qui ont vécu en Italie au XVe siècle ont ressenti leur invulnérabilité, leur omnipotence.

Dans l'image, peinte par l'artiste Andrea Mantegna, nous ressentons la tragédie de ce qui se passe, sa rue. Sebastian a l'impression de mourir. Et enfin, au milieu du XVIe siècle. Titien Vecelio a écrit son St. Sébastien. Il n'y a pas de paysage détaillé sur cette toile. Le lieu d'action est seulement indiqué. Il n'y a pas de personnages aléatoires en arrière-plan, pas de guerriers-bourreaux visant leur proie, rien qui puisse dire au spectateur le sens de la situation, et en même temps il y a un sentiment de fin tragique. Ce n'est pas seulement la mort d'un être humain, c'est la mort du monde entier, brûlant dans les éclairs pourpres d'une catastrophe universelle.

La valeur de la culture de la Renaissance italienne. Le sol qui a donné naissance à la culture de la Renaissance italienne a été détruit au XVIe siècle. La majeure partie du pays a été soumise à des invasions étrangères, la nouvelle structure économique a été minée par le déplacement des principales routes commerciales en Europe de la Méditerranée à l'Atlantique, les républiques de Polan sont tombées sous la domination d'ambitieux condottières mercenaires et la montée de l'individualisme l'énergie perdit sa justification interne et s'éteignit progressivement dans les conditions de la renaissance des ordres féodaux (re-féodalisation de la société). La tentative de créer une nouvelle société basée sur l'émancipation de la personnalité humaine, à l'initiative de l'entrepreneuriat, a longtemps été interrompue en Italie. Le pays était en déclin.

D'autre part, la tradition culturelle créée par cette société s'est répandue grâce aux efforts des maîtres italiens dans toute l'Europe, est devenue la norme pour la culture européenne dans son ensemble, a reçu une nouvelle vie dans sa version, qui a reçu le nom de "haut", " culture scientifique ». Des monuments de la culture de la Renaissance sont restés - de beaux bâtiments, des statues, des peintures murales, des peintures, des poèmes, des écrits sages d'humanistes, des traditions sont restées qui sont devenues décisives pour la culture des peuples qui ont été sous son influence pendant les trois siècles et demi suivants (jusqu'au fin du XIXe siècle), et cette influence s'est peu à peu étendue très largement.

Il faut surtout noter et souligner l'importance des beaux-arts de la Renaissance italienne avec sa volonté de transmettre sur le plan d'un mur ou d'un tableau, une feuille de papier enfermée dans un cadre entoilé l'illusion d'un espace tridimensionnel empli d'illusions images tridimensionnelles de personnes et d'objets - ce qu'on peut appeler "Fenêtre de Leonardo Danilov I.E. Ville italienne du XVe siècle. Réalité, mythe, image. M., 2000.S. 22, 23. Voir : Golovin V.P. L'univers de l'artiste du début de la Renaissance. M.: Maison d'édition de l'Université d'État de Moscou, 2002. P. 125. Boyadzhiev G. Cahiers italiens. M., 1968. S. 104.

Lazarev V.N. Vieux maîtres italiens. M., 1972. S. 362.

Rich E. Lettres de l'Ermitage // Aurora. 1975. N° 9. S. 60.

L'ère de la Renaissance italienne ou de la Renaissance italienne, la période de développement culturel et idéologique du pays dans la période allant de la fin du XIIIe au XVIe siècle. une nouvelle étape importante dans le développement de la culture mondiale. A cette époque, toutes sortes d'art atteignent une floraison sans précédent. L'intérêt pour l'homme à la Renaissance a déterminé un nouvel idéal de beauté.

Dans l'histoire de l'art, les noms italiens sont utilisés pour les siècles au cours desquels se situent l'origine et le développement de l'art de la Renaissance italienne. Ainsi, le XIIIe siècle s'appelle Ducento, le XIVe - Trecento, le XVe - Quattrocento, le XVIe - Cinquecento.

Quattrocento a mis ce programme en pratique. Caractéristique pour lui était l'émergence de nombreux centres de culture de la Renaissance - à Florence (elle était en tête jusqu'au début du XVIe siècle), Milan, Venise, Rome, Naples.

En architecture, le recours à la tradition classique a joué un rôle particulièrement important. Il s'est manifesté non seulement dans le rejet des formes gothiques et la renaissance de l'ancien système d'ordre, mais aussi dans la proportionnalité classique des proportions, dans le développement d'un type centré de bâtiments dans l'architecture des temples avec un espace intérieur facilement visible. Surtout beaucoup de nouvelles choses ont été créées dans le domaine de l'architecture civile. À la Renaissance, les bâtiments de la ville à plusieurs étages (hôtels de ville, maisons des guildes marchandes, universités, entrepôts, marchés, etc.) prennent un aspect plus élégant, un type de palais de la ville (palazzo) apparaît - la demeure d'un riche bourgeois, ainsi qu'un type de villa de campagne. Les problèmes liés à la planification des villes sont résolus d'une manière nouvelle, les centres urbains sont en cours de reconstruction.

L'art de la Renaissance se divise en quatre étapes :

Proto-Renaissance (fin XIII - I moitié du XIV siècle),

Début de la Renaissance (IIe moitié du XIVe - début du XVe siècle),

Haute Renaissance (fin du XVe siècle, trois premières décennies du XVIe siècle),

Renaissance tardive (milieu et seconde moitié du XVIe siècle)

PROTORÉNESSANCE.

La culture italienne connaît un brillant essor. Le développement des tendances proto-Renaissance s'est déroulé de manière inégale. Une caractéristique de l'architecture des églises italiennes est également la construction de dômes au-dessus de l'intersection de la nef centrale et du transept. Parmi les monuments les plus célèbres de cette version italienne du gothique se trouve la cathédrale de Sienne (XIIIe-XIVe siècles).Les caractéristiques de l'ancien et du nouveau s'entremêlent dans la culture italienne. Dans l'architecture, la sculpture et la peinture, se présentent de grands maîtres qui sont devenus la fierté de l'époque - Niccolo et Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, dont l'œuvre a largement déterminé le développement ultérieur de l'art italien, jetant les bases pour le renouvellement.

Niccolo Pisano - La chaire de marbre blanc, rose-rouge et vert foncé est une structure architecturale entière, facilement visible de tous les côtés. Selon la tradition médiévale, sur les parapets (les murs de la chaire) il y a des reliefs sur des scènes de la vie du Christ, entre eux se trouvent les figures des prophètes et des vertus allégoriques. Les colonnes reposent sur le dos de lions couchés. Niccolo Pisano a utilisé ici des intrigues et des motifs traditionnels, cependant, la chaire appartient à une nouvelle ère.

Ecole romaine (Pietro Cavallini (entre 1240 et 1250 - vers 1330)

École florentine (Cimabue)

École de Sienne (L'art de Sienne est marqué par des caractéristiques de sophistication raffinée et de décoration. À Sienne, les manuscrits illustrés français et les œuvres d'artisanat d'art étaient appréciés. Aux XIIIe et XIVe siècles, l'une des cathédrales les plus élégantes du gothique italien a été érigée ici, sur la façade de laquelle Giovanni Pisano a travaillé en 1284-1297 .)

ART DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE

dans l'art de l'Italie il y a un changement décisif. L'émergence d'un puissant centre de la Renaissance à Florence a conduit au renouveau de toute la culture artistique italienne.

Tournez-vous vers le réalisme. Florence est devenue le principal centre de la culture et de l'art. Victoire de la maison de Médicis. En 1439 L'Académie platonicienne est fondée. Bibliothèque Laurentienne, Collection d'art Médicis. Une nouvelle évaluation du beau - similitude avec la nature, sens des proportions.

Dans les bâtiments, le plan du mur est accentué. Matérialité Bruneleschi, Alberti, Benedetto da Maiano.

Filippo Brunelleschi (1337-1446) est l'un des plus grands architectes italiens du XVe siècle. Il forme le style de la Renaissance. Le rôle novateur du maître a été noté même par ses contemporains. Rompant avec le gothique, Brunelleschi s'appuie non pas tant sur les classiques anciens que sur l'architecture de la Proto-Renaissance et sur la tradition nationale de l'architecture italienne, qui a conservé des éléments des classiques tout au long du Moyen Âge. L'œuvre de Brunelleschi se situe au tournant de deux époques : en même temps, elle complète la tradition de la Proto-Renaissance et pose les bases d'une nouvelle voie dans le développement de l'architecture.

Donatello (1386-1466) - le grand sculpteur florentin qui a dirigé les maîtres qui ont initié l'épanouissement de la Renaissance. Dans l'art de son temps, il agit en véritable innovateur. Donatello a été le premier des maîtres de la Renaissance qui a réussi à résoudre le problème d'un cadre stable de la figure, à transmettre l'intégrité organique du corps, sa lourdeur, sa masse. Il a été l'un des premiers à utiliser la théorie de la perspective linéaire dans ses œuvres.

HAUT REVEIL

C'est le moment de l'interaction la plus étroite entre diverses sphères de la créativité artistique et intellectuelle sur la base d'une communauté bien établie de nouvelles positions de vision du monde et de différents types d'art - sur la base d'une nouvelle stylistique devenue commune à l'ensemble de leur ensemble. La culture de la Renaissance acquit à cette époque un pouvoir sans précédent et une large reconnaissance dans la société italienne.

Léonard de Vinci (1452-1519)

Fondateur de la Haute Renaissance. Pour lui, l'art est connaissance du monde. Fonctionnalités approfondies. Formes généralisées. Scientifique majeur.

Michel-Ange Buonarroti (1475-1564)

Sculpteur, peintre, architecte

En 1508, le pape Jules II invite Michel-Ange à peindre le plafond de la chapelle Sixtine.

REVEIL TARDIF

maîtres de la fin de la Renaissance - Palladio, Véronèse, Tintoret. Maître Tintoret s'est rebellé contre les traditions établies dans les arts visuels - respect de la symétrie, équilibre strict, statique; a élargi les limites de l'espace, l'a saturé de dynamique, d'action dramatique, a commencé à exprimer les sentiments humains de manière plus vivante. Il est le créateur de scènes de masse empreintes de l'unité de l'expérience.

L'un des premiers édifices de la Renaissance est le dôme de la cathédrale de Santa Maria del Fiore à Florence (1420-1436). Architecte Brunelleschi Filippo (Brunelleschi Phillipi. 1377-1446)

Les XVe-XVIe siècles, grâce aux découvertes géographiques, deviennent un tournant dans l'histoire de la civilisation européenne. Le commerce mondial s'est développé, l'artisanat s'est développé, la population urbaine a augmenté et le volume de la construction a augmenté. La science, la littérature, l'art se sont développés. L'architecture de la Renaissance italienne est également due à la croissance économique, ainsi qu'à l'affaiblissement de l'influence de l'église. Le nom du style a été donné par l'artiste, un chercheur d'art italien, qui a écrit le livre Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus célèbres (1568) de Giordano Vasari. De son point de vue, qui a été soutenu par la plupart des architectes de cette époque, le Moyen Âge était une période de déclin, caractérisée par la barbarie tribale qui détruisit l'Empire romain, et avec elle l'art antique. C'est lui qui écrivit sur le renouveau de l'art en Italie, considérant le Moyen Âge comme une période de ignorance qui a suivi l'effondrement de l'art ancien. Plus tard, ce terme a été utilisé pour désigner l'ère de l'émergence d'un nouveau style dans l'art qui a surgi en Italie au XVIe siècle, puis est devenu à la mode dans d'autres pays européens. L'esthétique de la La Renaissance a tourné le regard de l'homme vers la nature.L'art de la Rome antique a constitué la base de la culture artistique de cette période.Il convient de noter que certains éléments de l'architecture antique ont été utilisés au Moyen Âge.Par exemple, des fragments individuels d'ant des caractéristiques se retrouvent dans les édifices de la période de la Renaissance carolingienne ; elles existent aussi à l'époque dite « Ottonienne » à la fin du Xe siècle. (c'était une époque d'essor culturel en Allemagne sous les empereurs Otto de la dynastie saxonne). Des éléments de l'antiquité peuvent également être vus dans l'architecture gothique de l'Allemagne. Contrairement aux architectes médiévaux, les maîtres de l'architecture de la Renaissance italienne ont tenté de refléter dans l'architecture la philosophie très ancienne caractéristique de la Grèce antique et de la Rome antique : l'admiration pour la beauté de la nature et de l'homme, une vision du monde réaliste. L'architecture de la Renaissance en Italie se caractérise par la symétrie, la proportionnalité et la rigueur des systèmes d'ordre. Dans ce style, non seulement des temples sont construits, mais également des bâtiments publics: établissements d'enseignement, mairies, maisons de guildes marchandes, marchés. Au XVIe siècle, de nouveaux types de palais de ville et de campagne apparaissent en Italie - le palais et la villa. La composition des clients a également changé : au Moyen Âge, les principaux clients étaient l'église, les seigneurs féodaux, désormais les commandes proviennent des associations corporatives, des guildes, des autorités municipales et de la noblesse.

Fondateur de l'architecture de la Renaissance italienne

L'architecte et sculpteur Filippo Brunelleschi est considéré comme le père fondateur de l'architecture de la Renaissance.

La première construction de l'architecture de la Renaissance italienne a été la coupole de la cathédrale de Florence (1420-1436).Dans la construction de cette coupole, Brunelleschi a incarné de nouvelles idées de construction qui seraient difficiles à mettre en œuvre sans des mécanismes spécialement conçus. Dans la même période, en 1419-1444, Brunelleschi s'est engagé dans la construction d'un orphelinat - "Refuge pour les innocents".

Orphelinat (1419-1444) Architecte Brunelleschi

La loi de la perspective linéaire désigne la particularité de la perception humaine des objets distants, de leurs proportions et de leurs formes.

C'était l'un des premiers bâtiments en Italie dans sa conception rappelant les bâtiments de l'Antiquité. C'est à Brunelleschi que l'on attribue la découverte de la loi de la perspective linéaire, la renaissance des ordres anciens dans l'architecture de la Renaissance italienne. Grâce à son travail, les proportions sont redevenues la base de la nouvelle architecture, il possède la renaissance de l'utilisation de la "section dorée" en architecture, ce qui a permis d'atteindre l'harmonie dans les structures architecturales. Ainsi, Brunelleschi a ravivé les anciennes traditions de l'architecture de la Renaissance en Italie, en les prenant comme base pour créer un nouveau type d'architecture. Les idées de Brunelleschi coïncident avec les nouvelles tendances de la philosophie de la société : les interdits médiévaux, le mépris de tout ce qui est terrestre à cette époque sont remplacés par un intérêt pour la réalité et l'homme.

Le nombre d'or est un concept mathématique, en architecture cela signifie le rapport entre deux quantités (une plus grande en taille, l'autre plus petite) enfermées dans une valeur commune. Dans ce cas, le rapport de la plus grande valeur à la plus petite correspond au rapport de la valeur totale à la plus grande des deux valeurs correspondantes. Pour la première fois, un tel rapport a été découvert par Euclide (300 avant JC).A la Renaissance, le rapport s'appelait la "proportion divine", le nom moderne est apparu en 1835. Le rapport entre les valeurs de la nombre d'or est un nombre constant 1.6180339887.

Périodes de l'architecture de la Renaissance italienne

Il y a plusieurs étapes dans le développement de la Renaissance dans l'architecture italienne: début - XVe siècle, maturité - XVIe siècle et fin. Au début de la période, les éléments gothiques étaient encore présents dans l'architecture, combinés à des formes anciennes, et dans la période de maturité, les éléments du style gothique ne se retrouvent plus, les ordres architecturaux et les formes proportionnelles sont préférés, à la fin de la Renaissance, la tendance du nouveau style baroque se fait déjà sentir. Période au début. Le principe principal de la Renaissance italienne était la symétrie de la structure en termes de répartition uniforme des éléments architecturaux: portails, colonnes, portes, fenêtres, compositions sculpturales et décor le long du périmètre de la façade. L'architecture de la Renaissance en Italie au début de son développement est principalement associée à Florence. C'est ici que des palais pour la noblesse, des temples et des bâtiments publics ont été construits au XVe siècle. A Florence, en 1420, l'architecte Filippo Brunelleschi a commencé à construire le dôme de la cathédrale de Santa Maria del Fiore, en 1421 il reconstruit San Lorenzo et travaille à la construction de la chapelle - l'ancienne sacristie. En 1444, Brunelleschi achève la construction de la Maison pédagogique. La chapelle Pazzi à Florence, également l'œuvre de Brunelleschi, est considérée comme l'un des édifices les plus élégants du début de la Renaissance. La chapelle est couronnée d'une coupole sur tambour ; l'édifice est orné d'un portique corinthien à large arc.

L'église de San Lorenzo (Basilica di San Lorenzo) a été consacrée par saint Ambrosius en 393. En 1060, elle a été refaite dans le style roman. En 1423, il fut reconstruit par Brunelleschi dans le style du début de la Renaissance.

En 1452, l'architecte Michelozzi achève la construction du Palais Médicis (Palazzo Medici Riccardi) à Florence. Alberti conçoit le Palais Rucellai (Palazzo Rucellai, conçu en 1446 et 1451), Benedetto de Maiano et Simon Poliola complètent le Palais Strozzi (Palazzo Strozzi, 1489-1539).

Michelozzi - (Michelozzo, Michelozzi, 1391 (1396) - 1472) - Architecte et sculpteur florentin, élève de Brunelleschi.

Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), scientifique italien, architecte, écrivain, musicien. Dans ses créations, il a largement utilisé l'héritage antique, en utilisant des volutes et un système d'ordre.

Benedetto da Maiano - vrai nom : Benedetto da Leonardo d'Antonio (Benedetto da Maiano, 1442 - 1497) - sculpteur italien. Simone Pollaiolo (1457 - 1508) - architecte florentin. Haute Renaissance.

Palais des Médicis. Michelozzi, architecte. Construit pour Cosimo de' Medici il Vecchio entre 1444 et 1464.

Palais Rucellai - commandé par le mécène Giovanni Rucellai. Conçu par Léon Baptiste Alberti 1446-1451 Érigé par Bernardo Rosselino

Palais Strozzi. Le bâtiment a été construit par Benedetto de Maiano commandé par Filippo Strozzi en 1489-1539. Le modèle était le Palais Médicis (Palazzo Medici-Riccardi) Michelozzi

Dans ces structures, le schéma général de la solution spatiale. Chacun d'eux a trois étages, une cour avec des galeries voûtées. Les murs sont divisés en étages, rustiqués ou ornés d'un mandat. La façade est revêtue de maçonnerie.

Michelozzi - (Michelozzo, Michelozzi, 1391 (1396) - 1472) - Architecte et sculpteur florentin, élève de Brunelleschi. Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), scientifique italien, architecte, écrivain, musicien. Dans ses créations, il a largement utilisé l'héritage antique, en utilisant des volutes et un système d'ordre. Benedetto da Maiano - vrai nom : Benedetto da Leonardo d'Antonio (Benedetto da Maiano, 1442 - 1497) - sculpteur italien. Simone Pollaiolo (1457 - 1508) - architecte florentin. Haute Renaissance.

Le commerce italien avec l'Orient est interrompu à la fin du XVe siècle en raison de la conquête de Constantinople par les Turcs. Lorsque le commerce s'est éteint, l'économie du pays est tombée en décadence. Et c'est à cette époque que l'architecture de la haute Renaissance commence à se développer. Ce style atteint des sommets particuliers à Rome, où les grands architectes ont formé une approche commune de la construction de structures basée sur l'utilisation d'ordres architecturaux. L'architecture de la haute Renaissance se caractérise par des formes cubiques de maisons, une cour intérieure fermée. Des cadres de fenêtres en relief ont été réalisés sur les façades, décorés de demi-colonnes et présentant des frontons triangulaires et en oignon. Donato de Angelo Bramante (Bramante, 1444-1514) est l'un des maîtres les plus célèbres de l'architecture italienne de la Haute Renaissance. Son travail s'est développé à Milan, considérée comme une ville conservatrice, où les traditions de la construction en brique et du décor en terre cuite ont été préservées. A la même époque, Léonard de Vinci travaillait à Milan, et son travail a sans aucun doute influencé les travaux de Bramante. L'architecte a réussi à combiner les traditions nationales avec des éléments de la Renaissance. Le premier travail de Bramante fut en 1479 la restauration de l'église de Santa Maria presso San Satino (Santa Maria presso San Satiro) à Milan.

Église de Santa Maria presso San Satino à Milan (1479-1483) Architecte Donato de Angelo Bramante

Il a également reconstruit la chapelle de San Satino : l'architecte a fait un bâtiment rond à partir d'un bâtiment cruciforme, décoré d'éléments décoratifs. Après avoir déménagé à Rome, Bramante a construit le temple de Tempietto (le monastère de San Pietro in Mantorio) en 1502, a conçu la cour de l'église de Santa Maria dela Paci.

Temple de Tempietto. Architecte Bramante

En 1505, Bramante, qui occupait le poste d'architecte en chef, commença à travailler sur le complexe du palais papal du Belvédère - une résidence près du Vatican. Ses œuvres comprennent le Palazzo Capirini (Palazzo Caprini) - la maison de Raphaël (Maison de Raphaël) - conçue vers 1510, en 1517 a été achetée par Raphaël. La maison n'a pas survécu à ce jour.

Palais Caprini gravé par Antoine Lafrérie. Architecte Bramante

Rafael Santi (Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo, 1483-1520) était un peintre et architecte italien.

Au cours des dernières années de sa vie, l'architecte s'est engagé dans la conception de la cathédrale Saint-Pierre de Rome. Les éléments architecturaux et les techniques utilisés par l'architecte ont été utilisés par les maîtres de la Renaissance italienne dans la construction de fourches et de bâtiments urbains. Après Bramante, Raphaël connut une grande renommée lors du développement de l'architecture de la Haute Renaissance.

Le premier projet de Raphaël était l'église de S. Eligio degli Orifici (Chiesa di S. Eligio degli Orefici, début du XVIe siècle. Par la suite, l'église a été reconstruite. Le dôme a été créé par B. Peruzzi, la façade actuelle est de F. Ponzio ( 17ème siècle)).

Église de Sant Eligio degli Orifici

Par ordre du banquier papal Chigi, il a ajouté une chapelle à l'église de Santa Maria Del Popolo. Au Palazzo del Aquila, il créa un nouveau type de façade : il y avait une arcade d'ordre au fond, la mezzanine était encadrée de fenêtres, de niches avec des sculptures et du stuc.

Au Palazzo Landolfini à Florence, l'architecte a proposé un autre type de conception de façade: des fenêtres largement espacées et richement décorées, combinées à des murs en plâtre lisse, une corniche avec une large frise, des coins rustiques et un portail complétaient le look. Raphaël a conçu la Villa Madama pour le cardinal Giulio de 'Medici, qui devint plus tard le pape Clément VII. La villa a été construite sur le versant du Monte Mario sur la rive ouest du Tibre au nord du Vatican. Les travaux commencèrent en 1518 et en 1520 Raphaël mourut. La villa est restée inachevée: à cette époque, une seule aile en forme de U avait été achevée. La villa est ainsi restée inachevée, seule la partie achevée a été exploitée. Le nom actuel du bâtiment était en l'honneur de Margata de Parme - l'épouse du neveu du pape Clément VII - Alexandre de Médicis, premier duc de Toscane.

Villa Madama - villa de campagne du Cardinal Giulio de' Medici (Pape Clément VII)

Dès 1514, Raphaël dirige le projet de construction de la cathédrale Saint-Pierre. Ensuite, la construction de la cathédrale Saint-Pierre, dont la construction a repris en 1534, a été dirigée par Antonio da Sagallo Jr., après quoi la direction est passée à Michel-Ange, dont l'arrivée a donné une impulsion au développement d'une étape tardive dans le architecture de la Renaissance italienne. Cette étape a été marquée par diverses expérimentations architecturales avec les formes, la fréquence des colonnes et autres éléments architecturaux sur la façade, la complication des détails, l'apparition de lignes complexes. A partir de 1530, après le sac de Rome, le processus de développement de l'architecture de la Renaissance italienne prend d'autres directions. Certains architectes ont tenté de restaurer la grandeur perdue de la Ville Éternelle : par exemple, Peruzzi, Antonio da Sangallo Jr., représentants de l'ancienne génération d'architectes de la Renaissance, sont revenus à Rome après sa chute et ont tenté de trouver un compromis entre les principes anciens et les nouveaux les tendances.

Peruzzi - Peruzzi Baldassare (Peruzzi Baldassare, 1481-1536) artiste et architecte italien. A travaillé avec Donato Bramante et Raphaël. Peruzzi dans son travail a combiné les traditions de la Haute Renaissance avec les idées de maniérisme. Antonio da Sangallo Jr. - (Antonio da Sangallo il Giovane; 1484 -1546 vrai nom Antonio Cordini (italien : Antonio Cordini)) - architecte florentin de la Renaissance. Les chercheurs l'attribuent également aux fondateurs du style baroque en raison de la création de structures inhabituelles: par exemple, la façade à pente avant de la Cecca Vecchia (Banco di Spirito), la base voûtée du palais Farnèse.

D'autres maîtres ont commencé à chercher d'autres voies dans leur travail. Au milieu du XVIe siècle, un groupe apparaît en Toscane, regroupant des maîtres dont l'œuvre est attribuée au sens du maniérisme. De nombreux représentants de ce groupe étaient des élèves de Michel-Ange, cependant, lui ayant emprunté certaines techniques artistiques, ils les ont exagérées et hypertrophiées, tandis que la violation de certains canons du style ancien, qui était l'expression des idées du grand maître, est devenue une fin en soi pour eux. Les architectes italiens de la Renaissance ont emprunté dans leurs projets les techniques et les éléments caractéristiques de l'architecture classique romaine, en les appliquant non seulement dans les temples, mais aussi dans les maisons de campagne urbaines de riches citoyens, les bâtiments publics. Le plan des bâtiments était déterminé par des formes rectangulaires, la symétrie, la proportionnalité, la façade était symétrique par rapport à l'axe vertical, décorée de pilastres, corniches, arcs, couronnée d'un fronton. Le développement de l'architecture de la Renaissance italienne a été caractérisé par l'apparition de matériaux et de technologies de construction, les architectes avaient un style personnel reconnaissable qui les a rendus célèbres. L'architecture de la Renaissance en Italie a traversé une phase complète de développement - du début à la fin, qui a créé les conditions préalables à l'émergence d'un nouveau style - le baroque. Grâce à l'art des architectes italiens, l'architecture de la Renaissance a conquis toute l'Europe.

"Revival" - renaissance, retour à la vie. À première vue, il s'agit d'une définition plutôt étrange pour une époque d'apogée culturelle. Cependant, ce n'est pas du tout une exagération. De tels changements cardinaux dans l'art et la pensée des peuples européens avaient une raison banale et terrible - la mort.

Seulement trois ans au milieu du XIVe siècle sont devenus un diviseur pointu d'époques. Pendant cette période, la population de Florence italienne mourait rapidement de la peste. La peste noire ne comprenait pas les rangs et les mérites, il ne restait plus une seule personne qui ne supporterait pas le poids de la perte d'êtres chers. Des fondations séculaires s'effondraient, la foi en l'avenir disparaissait, il n'y avait plus d'espoir pour Dieu... Lorsque la pandémie a reculé et que le cauchemar a pris fin, les habitants de la ville ont réalisé qu'il ne serait plus possible de vivre dans l'ancien façon.

Le monde matériel a beaucoup changé: même les plus pauvres des survivants avaient hérité de biens «supplémentaires», le problème du logement s'est résolu de lui-même en raison de la perte des propriétaires des maisons, la terre reposée s'est avérée étonnamment généreuse, fertile le sol sans trop d'effort a donné d'excellentes récoltes, dont la demande maintenant, cependant, était assez faible. Les directeurs d'usine et les riches propriétaires fonciers ont commencé à connaître un manque de travailleurs, qui n'étaient tout simplement plus suffisants, et les roturiers ne cherchaient plus à accepter la première offre qui se présentait, ayant la possibilité de choisir et de négocier des conditions plus favorables. Tant de Florentins ont du temps libre pour la réflexion, la communication et la créativité.

En plus du mot "renasci" ("faire revivre"), un autre mot était utilisé tout aussi souvent en relation avec l'époque : "reviviscere" ("faire revivre"). Les gens de la Renaissance croyaient qu'ils faisaient revivre les classiques et eux-mêmes éprouvaient un sentiment de renaissance.

Un bouleversement encore plus grand a eu lieu dans l'esprit des gens, la vision du monde a radicalement changé : il y a eu une plus grande indépendance vis-à-vis de l'église, qui s'est montrée impuissante face à une catastrophe, des pensées tournées vers l'existence matérielle, une connaissance de soi non pas comme une création de Dieu, mais dans le cadre de mère nature.

Florence a perdu environ la moitié de sa population. Cependant, cela ne suffit pas à expliquer la naissance de la Renaissance dans cette ville. Il y avait une combinaison de raisons d'importance différente, ainsi qu'un facteur aléatoire. Certains historiens attribuent le mérite de l'épanouissement culturel à la famille Médicis, la famille florentine la plus influente de l'époque, patronnant les artistes et "faisant pousser" littéralement de nouveaux génies avec leurs dons monétaires. C'est précisément cette politique des souverains de Florence qui suscite encore la controverse parmi les spécialistes : soit la ville a eu beaucoup de chance au Moyen Âge de donner naissance à des gens talentueux, soit des conditions particulières ont contribué au développement de génies, dont les talents dans la société ordinaire sont peu de chances de se montrer jamais.

Littérature

Il est très facile de retracer le début de la Renaissance dans la littérature italienne - les écrivains se sont éloignés des méthodes traditionnelles et ont commencé à écrire dans leur langue maternelle, qui, il convient de le noter, était très éloignée des canons littéraires à cette époque. Jusqu'au début de l'ère, la base des bibliothèques était constituée de textes grecs et latins, ainsi que d'ouvrages plus modernes en français et en provençal. Pendant la Renaissance, la formation de la langue littéraire italienne était en grande partie due à la traduction d'œuvres classiques. Même des œuvres «combinées» sont apparues, dont les auteurs ont complété les textes anciens avec leurs propres réflexions et imitations.

À la Renaissance, la combinaison de sujets chrétiens avec la physicalité a abouti à des images de madones languissantes. Les anges ressemblaient à des enfants espiègles - "putti" - et à d'anciens amours. La combinaison de la spiritualité sublime et de la sensualité s'est exprimée dans de nombreuses "Vénus".

La "voix" du début de la Renaissance en Italie était les grands florentins Francesco Petrarch et Dante Alighieri. Dans la "Divine Comédie" de Dante, il y a une nette influence de la vision du monde médiévale, un motif chrétien fort. Mais Pétrarque représentait déjà le mouvement de l'humanisme de la Renaissance, se tournant dans son œuvre vers l'antiquité classique et la modernité. De plus, Pétrarque est devenu le père du sonnet italien, dont la forme et le style ont ensuite été adoptés par de nombreux autres poètes, dont l'Anglais Shakespeare.

L'élève de Pétrarque, Giovanni Boccaccio, a écrit le célèbre Décaméron, un recueil allégorique de cent nouvelles, parmi lesquelles il y a des histoires tragiques, philosophiques et érotiques. Cette œuvre de Boccace, ainsi que d'autres, est devenue une riche source d'inspiration pour de nombreux écrivains anglais.

Niccolo Machiavel était un philosophe et un penseur politique. Sa contribution à la littérature de cette époque consiste en des ouvrages de réflexion, largement connus dans la société occidentale. Le traité "Le Souverain" est l'ouvrage le plus discuté du théoricien politique, qui est devenu la base de la théorie du "machiavélisme".

Philosophie

Pétrarque, qui a travaillé à l'aube de la Renaissance, est également devenu le principal fondateur de la doctrine philosophique de cette époque - l'humanisme. Cette tendance place l'esprit et la volonté de l'homme au premier plan. La théorie ne contredisait pas les fondements du christianisme, bien qu'elle ne reconnaisse pas le concept de péché originel, considérant les gens comme des êtres initialement vertueux.

Surtout, la nouvelle tendance fait écho à la philosophie antique, suscitant une vague d'intérêt pour les textes anciens. C'est à cette époque qu'apparaît la vogue de la recherche des manuscrits perdus. La chasse était parrainée par de riches citoyens et chaque trouvaille était immédiatement traduite en langues modernes et publiée sous la forme d'un livre. Cette approche a non seulement rempli les bibliothèques, mais a également considérablement augmenté la disponibilité de la littérature et la taille de la population de lecteurs. Le niveau général d'éducation a nettement augmenté.

Bien que la philosophie ait eu une grande importance à la Renaissance, ces années sont souvent caractérisées comme une période de stagnation. Les penseurs ont réfuté la théorie spirituelle du christianisme, mais n'avaient pas de base suffisante pour continuer à développer la recherche d'ancêtres anciens. Habituellement, le contenu des œuvres qui ont survécu à cette époque est réduit à l'admiration des théories et des modèles classiques.

Il y a aussi une remise en cause de la mort. Désormais, la vie ne devient pas une préparation à une existence "céleste", mais un chemin à part entière qui se termine par la mort du corps. Les philosophes de la Renaissance essaient de transmettre l'idée que la "vie éternelle" sera donnée à ceux qui peuvent laisser une marque après eux, qu'il s'agisse de richesses indicibles ou d'œuvres d'art.

Le développement des connaissances au cours de la Renaissance a grandement influencé les idées des gens sur le monde d'aujourd'hui. Grâce à Copernic et aux Grandes Découvertes Géographiques, les idées sur la taille de la Terre et sa place dans l'Univers ont changé. Les travaux de Paracelse et de Vésale ont donné naissance à la médecine scientifique et à l'anatomie.

La première étape de la science de la Renaissance a été le retour à la théorie classique de Ptolémée sur la structure de l'univers. Il y a une volonté générale d'expliquer l'inconnu par des lois matérielles, la plupart des théories sont basées sur la construction de séquences logiques rigides.

Bien sûr, le scientifique le plus éminent de la Renaissance est Léonard de Vinci. Il est connu pour ses recherches exceptionnelles dans une grande variété de disciplines. L'une des œuvres les plus intéressantes du génie florentin fait référence à la définition de l'idéalité humaine. Léonard partageait l'opinion humaniste sur la droiture du nouveau-né, mais la question de savoir comment préserver tous les traits de vertu et de perfection physique restait un mystère. Et pour la réfutation définitive de la divinité de l'homme, il fallait trouver la vraie source de la vie et de la raison. Da Vinci a fait de nombreuses découvertes dans divers domaines scientifiques, ses œuvres font toujours l'objet d'études de descendants. Et qui sait quel genre d'héritage il nous aurait laissé si sa vie avait été encore plus longue.

La science italienne de la fin de la Renaissance était représentée par Galileo Galilei. Le jeune scientifique, né à Pise, n'a pas immédiatement décidé de l'orientation exacte de ses travaux. Il entre à la faculté de médecine, mais passe rapidement aux mathématiques. Diplômé, il commence à enseigner les disciplines appliquées (géométrie, mécanique, optique, etc.), de plus en plus plongé dans les problèmes d'astronomie, l'influence des planètes et des astres, et s'intéresse en même temps à l'astrologie. C'est Galileo Galilei qui a le premier clairement établi des analogies entre les lois de la nature et les mathématiques. Dans son travail, il a souvent utilisé la méthode du raisonnement inductif, en utilisant une chaîne logique pour construire des transitions entre des dispositions particulières et des dispositions plus générales. Certaines des idées avancées par Galilée se sont avérées très erronées, mais la plupart d'entre elles ont été conçues comme une confirmation de sa théorie principale sur le mouvement de la Terre autour du Soleil. Les académiciens de l'époque l'ont réfuté et le brillant Toscan a été "assiégé" avec l'aide d'une puissante inquisition. Selon la version historique principale, le scientifique a publiquement abandonné sa théorie à la fin de sa vie.

La science de la Renaissance s'efforçait d'atteindre la "modernité", qui s'exprimait principalement dans les réalisations techniques. L'intelligence a commencé à être considérée comme la propriété des riches. Il était à la mode d'avoir un scientifique à la cour, et s'il dépassait les connaissances de ses voisins, alors c'était prestigieux. Oui, et les marchands d'hier eux-mêmes n'hésitaient pas à se plonger dans la science, choisissant parfois des domaines aussi "spectaculaires" que l'alchimie, la médecine et la météorologie. La science était souvent vaguement mêlée de magie et de préjugés.

À la Renaissance, le signe @ était utilisé. Puis il désigna une mesure de poids (arrub), égale à 12 - 13 kilogrammes.

C'est à la Renaissance qu'est apparue l'alchimie - une forme précoce de chimie, comprenant des positions non moins surnaturelles que réellement scientifiques. La plupart des alchimistes étaient obsédés par l'idée de transformer le plomb en or, et ce procédé mythique est toujours identifié au concept d'alchimie. Bien avant la création du système périodique des éléments, les alchimistes ont proposé leur vision : toutes les substances, à leur avis, consistaient en un mélange de soufre et de mercure. Sur la base de cette hypothèse, toutes les expériences ont été construites. Plus tard, un troisième a été ajouté aux deux éléments principaux - le sel.

Il convient de noter les réalisations géographiques des XIVe-XVIIe siècles. C'est le temps des grandes découvertes géographiques. Une marque particulièrement notable dans ce domaine a été laissée par le portugais et le célèbre florentin Amerigo Vespucci, dont le nom est immortalisé dans la découverte la plus importante de cette époque - les continents américains.

Peinture, sculpture, architecture

L'art visuel de la Renaissance italienne s'est répandu à partir de Florence, il a largement déterminé le haut niveau culturel de la ville, qui l'a glorifié pendant de nombreuses années. Ici, comme dans d'autres domaines, il y a un retour aux principes anciens de l'art classique. La prétention excessive disparaît, les œuvres deviennent plus « naturelles ». Les artistes s'écartent des canons stricts de la peinture religieuse et créent les plus grands chefs-d'œuvre iconographiques d'une manière nouvelle, plus libre et plus réaliste. En plus d'un travail plus approfondi avec la lumière et l'ombre qu'auparavant, il y a une étude active de l'anatomie humaine.

Harmonie, proportionnalité, symétrie reviennent à l'architecture. Les volumes gothiques, exprimant la peur religieuse médiévale, s'estompent dans le passé, laissant place à des arcs, des dômes et des colonnes classiques. Les architectes du début de la Renaissance ont travaillé à Florence, mais plus tard, ils ont été activement invités à Rome, où de nombreux bâtiments remarquables ont été érigés, qui sont ensuite devenus des monuments architecturaux. À la fin de la Renaissance, le maniérisme est né, dont un représentant éminent était Michel-Ange. Un trait distinctif de ce style est la monumentalité accentuée des éléments individuels, qui a longtemps été perçue de manière très négative par les représentants de l'art classique.

C'est dans la sculpture que le retour à l'Antiquité s'est le plus clairement manifesté. Le modèle de beauté était le nu classique, qui a recommencé à être représenté en contraposta (la position caractéristique du corps, appuyé sur une jambe, qui vous permet de transmettre de manière expressive la nature du mouvement). Donatello et Michel-Ange, qui ont créé la statue de David, sont devenus le summum de l'art de la Renaissance.

Pendant la Renaissance en Italie, les femmes aux grandes pupilles étaient considérées comme les plus belles. Les Italiens leur faisaient couler dans les yeux une infusion de belladone, une plante vénéneuse qui dilatait les pupilles. Le nom "Belladonna" est traduit de l'italien par "belle femme".

L'humanisme de la Renaissance a influencé tous les aspects de la créativité sociale. La musique de la Renaissance a cessé d'être trop académique, ayant subi une grande influence des motifs folkloriques. Dans la pratique ecclésiastique, le chant choral polyphonique s'est généralisé.

Une variété de styles musicaux a conduit à l'émergence de nouveaux instruments de musique : violes, luths, clavecins. Ils étaient assez faciles à utiliser et pouvaient être utilisés dans des entreprises ou lors de petits concerts. La musique d'église, beaucoup plus solennelle, exigeait un instrument approprié, qui était alors l'orgue.

L'humanisme de la Renaissance a suggéré de nouvelles approches à une étape aussi importante dans la formation d'une personne que l'apprentissage. À l'apogée de la Renaissance, il y avait une tendance à développer des qualités personnelles dès le plus jeune âge. L'éducation de groupe a été remplacée par l'individuelle, lorsque l'élève savait exactement ce qu'il voulait et allait au but visé, en s'appuyant sur son maître enseignant en tout.

Les siècles de la Renaissance italienne ont été non seulement une source d'incroyables progrès culturels, mais aussi une période de fortes contradictions : la philosophie antique et les conclusions des penseurs modernes se sont heurtées, ce qui a conduit à un changement radical de la vie elle-même et de sa perception.

Dans les premières décennies du XVe siècle, un tournant décisif s'opère dans l'art italien. L'émergence d'un puissant centre de la Renaissance à Florence a conduit au renouveau de toute la culture artistique italienne. L'œuvre de Donatello, Masaccio et leurs associés marque la victoire du réalisme de la Renaissance, qui différait sensiblement du « réalisme des détails » caractéristique de l'art du trecento tardif. Les œuvres de ces maîtres sont empreintes des idéaux de l'humanisme. Ils exaltent une personne, l'élèvent au-dessus du niveau de la vie quotidienne.

Dans leur lutte avec la tradition gothique, les artistes du début de la Renaissance ont cherché un appui dans l'Antiquité et l'art de la Proto-Renaissance. Ce que les maîtres de la Proto-Renaissance ne recherchaient qu'intuitivement, par le toucher, repose désormais sur une connaissance précise. L'art italien du XVe siècle se distingue par une grande diversité. La différence des conditions dans lesquelles les écoles locales sont formées donne naissance à une variété de mouvements artistiques. Le nouvel art, qui s'est imposé au début du XVe siècle dans la Florence avancée, n'a pas immédiatement été reconnu et diffusé dans d'autres régions du pays.

Alors que Bruneleschi, Masaccio, Donatello travaillaient à Florence, les traditions de l'art byzantin et gothique étaient encore vivaces dans le nord de l'Italie, remplacées progressivement par la Renaissance.

Quattrocento

Dès la fin du XIVe siècle. le pouvoir à Florence passe à la maison des banquiers Médicis. Son chef, Cosimo de 'Medici, est devenu le souverain tacite de Florence. Écrivains, poètes, scientifiques, architectes et artistes affluent à la cour de Cosme Médicis (puis de son petit-fils Lorenzo, surnommé le Magnifique). L'âge de la culture médicale commence. Les premiers signes d'une nouvelle culture bourgeoise et l'émergence d'une nouvelle vision du monde bourgeoise ont été particulièrement prononcés au XVe siècle, pendant la période du Quattrocento.

Mais précisément parce que le processus de formation d'une nouvelle culture et d'une nouvelle vision du monde n'a pas été achevé pendant cette période (cela s'est produit plus tard, à l'ère de la désintégration finale et de la désintégration des relations féodales), le XVe siècle est plein de liberté créative, audace audacieuse, admiration pour l'individualité humaine. C'est vraiment l'âge de l'humanisme. De plus, c'est une ère pleine de foi dans le pouvoir illimité de l'esprit, une ère d'intellectualisme. La perception de la réalité est testée par l'expérience, l'expérimentation, contrôlée par l'esprit. D'où l'esprit d'ordre et de mesure si caractéristique de l'art de la Renaissance. La géométrie, les mathématiques, l'anatomie, la doctrine des proportions du corps humain sont d'une grande importance pour les artistes ; c'est alors qu'ils commencent à étudier attentivement la structure de l'homme ; au 15ème siècle Les artistes italiens ont également résolu le problème de la perspective rectiligne, qui a déjà mûri dans l'art du trecento.

L'Antiquité a joué un rôle énorme dans la formation de la culture laïque du Quattrocento. Le XVe siècle témoigne de liens directs avec la culture de la Renaissance.

Sculpture

Au XVe siècle. La sculpture italienne a prospéré. Il a acquis un sens indépendant, indépendant de l'architecture, de nouveaux genres y sont apparus. La pratique de la vie artistique a commencé à inclure des commandes de riches marchands et artisans pour décorer les bâtiments publics; les concours d'art ont acquis le caractère de manifestations publiques à grande échelle. L'événement qui ouvre une nouvelle période dans le développement de la sculpture de la Renaissance italienne est considéré comme le concours organisé en 1401 pour la fabrication en bronze des deuxièmes portes nord du baptistère florentin. Parmi les participants au concours se trouvaient de jeunes maîtres - Filippo Brunelleschi et Lorenzo Ghiberti (vers 1381-1455). Le brillant dessinateur Ghiberti remporte le concours. L'une des personnes les plus éduquées de son temps, le premier historien de l'art italien, Ghiberti, dont l'œuvre était l'équilibre et l'harmonie de tous les éléments de l'image, a consacré sa vie à un type de sculpture - le relief. Sa quête aboutit à la réalisation des portes orientales du baptistère florentin (1425-1452), que Michel-Ange appela « les portes du paradis ». Les dix compositions carrées de bronze doré qui les composent traduisent la profondeur de l'espace où se confondent figures, nature et architecture. Ils rappellent les peintures pittoresques expressives. L'atelier de Ghiberti est devenu une véritable école pour toute une génération d'artistes. Dans son atelier, le jeune Donatello, le grand réformateur de la sculpture italienne, travaille comme assistant. Donato di Niccolò di Betto Bardi, qui s'appelait Donatello (vers 1386-1466), est né à Florence dans la famille d'un peigneur de laine. Il a travaillé à Florence, Sienne, Rome, Padoue. Cependant, l'énorme renommée n'a pas changé son mode de vie simple. On raconte que l'altruiste Donatello a accroché un sac à main avec de l'argent à la porte de son atelier, et ses amis et étudiants ont pris dans le sac autant qu'ils en avaient besoin.

D'une part, Donatello aspirait à la vérité de la vie dans l'art. D'autre part, il a donné à ses œuvres des traits d'héroïsme sublime. Ces qualités apparaissaient déjà dans les premières œuvres du maître - statues de saints destinées aux niches extérieures des façades de l'église d'Or San Michele à Florence, et les prophètes de l'Ancien Testament du campanile florentin. Les statues étaient dans des niches, mais elles ont immédiatement attiré l'attention par l'expressivité dure et la force intérieure des images. Particulièrement célèbre est "St. George" (1416) - un jeune guerrier avec un bouclier à la main. Il a un regard concentré et profond; il se tient fermement sur le sol, jambes écartées. Dans les statues des prophètes, Donatello a surtout souligné leurs traits caractéristiques, parfois grossiers, sans fioritures, voire laids, mais vivants et naturels. Les prophètes de Donatello, Jérémie et Habacuc, sont des natures entières et spirituellement riches. Leurs fortes silhouettes sont cachées par de lourds plis de manteaux. La vie a sillonné le visage fané d'Avvakum avec des rides profondes, il est devenu complètement chauve, pour lequel il a été surnommé Zuccone (Citrouille) à Florence.

En 1430, Donatello crée David, la première statue nue de la sculpture italienne de la Renaissance.

Un voyage à Rome avec Brunelleschi a considérablement élargi les possibilités artistiques de Donatello, son travail s'est enrichi de nouvelles images et techniques, qui ont affecté l'influence de l'Antiquité. Une nouvelle période s'ouvre dans l'œuvre du maître. En 1433, il achève la chaire en marbre de la cathédrale florentine. Tout le champ du département est occupé par une danse ronde jubilatoire de putti dansants - quelque chose comme d'anciens amours et en même temps des anges médiévaux sous la forme de garçons nus, parfois ailés, représentés en mouvement. C'est un motif de prédilection dans la sculpture de la Renaissance italienne, qui s'est ensuite répandu dans l'art des XVIIe-XVIIIe siècles.

La deuxième génération de sculpteurs florentins s'est tournée vers un art plus lyrique, pacifique et profane. Le rôle principal y appartenait à la famille des sculpteurs della Robbia. Le chef de la famille Lucca della Robbia (1399 ou 1400-1482), contemporain de Brunelleschi et Donatello, est devenu célèbre pour son utilisation de la technique de la glaçure dans la sculpture ronde et le relief, les combinant souvent avec l'architecture. La technique de la glaçure (majolique), connue depuis l'Antiquité des peuples d'Asie occidentale, a été introduite dans la péninsule ibérique et l'île de Majorque au Moyen Âge, d'où son nom, puis s'est largement répandue en Italie. Lucca della Robbia a créé des médaillons avec des reliefs sur un fond bleu profond pour les bâtiments et les autels, des guirlandes de fleurs et de fruits, des bustes en majolique de la Madone, du Christ, de Jean-Baptiste. L'art joyeux, élégant et bienveillant de ce maître a reçu une reconnaissance bien méritée de ses contemporains. Une grande perfection dans la technique de la majolique a également été atteinte par son neveu Andrea della Robbia (1435-1525).

Peinture

Le rôle énorme que Brunelleschi a joué dans l'architecture du début de la Renaissance et Donatello dans la sculpture appartenait à Masaccio dans la peinture. Brunelleschi et Donatello étaient à leur apogée créative lorsque Masaccio est né. Selon Vasari, "Masaccio s'est efforcé de représenter des personnages avec une grande vivacité et la plus grande immédiateté, comme la réalité". Masaccio est mort jeune, avant d'atteindre l'âge de 27 ans, et pourtant il a réussi à faire autant de nouveautés en peinture qu'aucun autre maître n'a pu faire de toute sa vie.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, surnommé Masaccio (1401 - 1428), est né dans la ville de San Valdarno près de Florence, où il se rendit jeune pour étudier la peinture. Il y a eu des spéculations selon lesquelles Masolino de Panicale était son professeur, avec qui il a ensuite collaboré; il a maintenant été rejeté par les chercheurs. Masaccio a travaillé à Florence, Pise et Rome. Sa "Trinité" (1427-1428), créée pour l'église de Santa Maria Novella à Florence, est devenue un exemple classique de composition d'autel. La fresque est réalisée sur le mur s'étendant dans les profondeurs de la chapelle, qui est construite sous la forme d'une niche voûtée Renaissance. La peinture murale présente un crucifix, des figures de Marie et de Jean-Baptiste. Ils sont éclipsés par l'image de Dieu le Père. Au premier plan, les fresques représentent des clients agenouillés, comme s'ils se trouvaient dans l'enceinte même de l'église. Au bas de la fresque se trouve l'image d'un sarcophage sur lequel repose le squelette d'Adam. L'inscription au-dessus du sarcophage contient le dicton médiéval traditionnel : "J'étais autrefois comme toi, et tu seras comme moi."

Jusqu'aux années 50. 20ième siècle cette œuvre de Masaccio aux yeux des amateurs d'art et des scientifiques est passée au second plan devant son célèbre cycle de peintures murales de la Chapelle Brancacci. Après que la fresque ait été déplacée à son emplacement d'origine dans le temple en 1952, lavée, restaurée, lorsque sa partie inférieure avec un sarcophage a été découverte, la "Trinité" a attiré l'attention des chercheurs et des amateurs d'art. La création de Masaccio est remarquable à tous égards. Le majestueux détachement des images se conjugue ici à la réalité inédite de l'espace et de l'architecture, à la volumétrie des figures, à l'expression expressive des visages des clients et à l'image de la Mère de Dieu, surprenante en termes de le pouvoir d'un sentiment contenu. Dans ces mêmes années, Masaccio (en collaboration avec Masolino) réalise dans l'église de Santa Maria del Carmine les peintures murales de la chapelle Brancacci, du nom d'un riche client florentin.

Le peintre était confronté à la tâche de construire l'espace au moyen de la perspective linéaire et aérienne, d'y placer de puissantes figures de personnages, de représenter fidèlement leurs mouvements, postures, gestes, puis de relier l'échelle et la couleur des figures à la nature ou à l'architecture. Contexte. Masaccio a non seulement réussi à faire face à cette tâche, mais a également réussi à transmettre la tension intérieure et la profondeur psychologique des images.

Les parcelles des peintures murales sont principalement consacrées à l'histoire de l'apôtre Pierre. La composition la plus célèbre, "Le miracle avec le statère", raconte comment un publicain a arrêté le Christ et ses disciples aux portes de la ville de Capharnaüm, leur demandant de l'argent pour entretenir le temple. Le Christ a ordonné à l'apôtre Pierre d'attraper un poisson dans le lac de Génésareth et d'en extraire un statère. Sur la gauche en arrière-plan, le spectateur voit cette scène. À droite, Peter remet l'argent au percepteur. Ainsi, la composition enchaîne trois épisodes d'époques différentes, dans lesquels l'apôtre apparaît trois fois. Dans la peinture essentiellement novatrice de Masaccio, cette technique est un hommage tardif à la tradition médiévale du conte pictural ; à cette époque, de nombreux maîtres l'avaient déjà abandonnée, et il y a plus d'un siècle Giotto lui-même. Mais cela ne viole pas l'impression de nouveauté audacieuse, qui distingue toute la structure figurative du tableau, sa dramaturgie, ses personnages convaincants, légèrement grossiers. Parfois, Masaccio est en avance sur son temps pour exprimer la force et l'acuité des sentiments. Voici la fresque "L'expulsion d'Adam et Eve du paradis" dans la même chapelle Brancacci. Le spectateur croit qu'Adam et Eve, qui ont violé l'interdiction divine, sont vraiment expulsés du paradis par un ange avec une épée dans les mains. L'essentiel ici n'est pas l'intrigue biblique et les détails extérieurs, mais le sentiment de désespoir humain sans bornes, qui s'empare d'Adam, qui se couvrit le visage de ses mains, et d'Eve sanglotante, les yeux enfoncés et une sombre défaillance d'une bouche déformée par un pleurer. En août 1428, Masaccio partit pour Rome sans terminer le tableau et mourut bientôt subitement. La chapelle Brancacci est devenue un lieu de pèlerinage pour les peintres qui ont adopté les techniques de Masaccio. Cependant, beaucoup dans la création; L'héritage de Masaccio n'a pu apprécier que la génération suivante. Dans l'œuvre de son contemporain Paolo Uccello (1397-1475), qui appartenait à la génération des maîtres qui travaillèrent après la mort de Masaccio, le désir de fabuleuse élégance prit parfois une teinte naïve. Cette caractéristique du style créatif de l'artiste est devenue sa marque de fabrique originale. Son premier petit tableau "Saint George" est charmant. Un dragon vert avec une queue en spirale et des ailes à motifs, comme taillé dans de l'étain, marche résolument sur deux pattes. Il ne fait pas peur, il est drôle. L'artiste lui-même souriait probablement en créant ce tableau. Mais dans l'œuvre d'Uccello, la fantaisie capricieuse était associée à une passion pour l'exploration de la perspective. Expériences, dessins, croquis, auxquels il consacre des nuits blanches, Vasari les qualifie d'excentricités. Pendant ce temps, Paolo Uccello est entré dans l'histoire de la peinture comme l'un de ces peintres qui ont commencé à utiliser la technique de la perspective linéaire dans leurs toiles. Dans sa jeunesse, Uccello travaille dans l'atelier de Ghiberti, puis réalise des mosaïques pour la cathédrale Saint-Marc de Venise, et de retour à Florence, il fait la connaissance des peintures de Masaccio dans la chapelle Brancacci, qui ont une grande influence sur lui. La fascination pour la perspective se reflète dans la première œuvre d'Uccello - un portrait du condottiere anglais John Hawkwood, connu des Italiens sous le nom de Giovanni Acuto, peint par lui en 1436. Une immense fresque monochrome (une couleur) représente non pas un être vivant, mais sa statue équestre, que le spectateur admire. Les recherches audacieuses d'Uccello ont trouvé leur expression dans trois de ses célèbres peintures commandées par Cosimo de 'Medici et consacrées à la bataille de deux commandants florentins avec les troupes de Sienne à San Romano. Dans les étonnantes peintures d'Uccello, sur fond de paysage de jouets, les cavaliers se sont réunis dans une bataille féroce, et les soldats ont mélangé des lances, des boucliers, des mâts. Et, néanmoins, la bataille ressemble à un décor conditionnel, gelé extrêmement beau, brillant d'or avec des figures de chevaux en rouge, rose et même bleu.