Art italien des XVe et XVIe siècles
Peinture de l'artiste Léonard de Vinci "Mona Lisa" (Mona Lisa) ou "La Gioconda" (La Gioconda). La taille de la peinture est de 77 x 53 cm, huile sur bois. Vers 1503, Leonardo a commencé à travailler sur un portrait de Mona Lisa, l'épouse du riche florentin Francesco Giocondo. Cette œuvre, connue du grand public sous le nom de "La Gioconda", a reçu une appréciation enthousiaste de la part des contemporains. La gloire de l'image était si grande que par la suite des légendes se sont développées autour d'elle. Une énorme littérature lui est consacrée, dont la plupart est loin d'être une évaluation objective de la création de Leonard. Il est impossible de ne pas admettre que cette œuvre, en tant que l'un des rares monuments de l'art mondial, a vraiment une force d'attraction énorme. Mais cette caractéristique de l'image n'est pas liée à l'incarnation d'un début mystérieux ou à d'autres fabrications similaires, mais est née de sa profondeur artistique étonnante.

Le portrait de Léonard de Vinci "Mona Lisa" est une étape décisive dans le développement de l'art du portrait de la Renaissance. Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres significatives de ce genre, leurs réalisations en matière de portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations dans les principaux genres picturaux - dans les compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L'inégalité du genre du portrait se reflétait déjà dans l'"iconographie" même des images de portrait. En effet, les portraits du XVe siècle, avec toute leur similitude physionomique indiscutable et le sentiment de force intérieure qu'ils dégagent, se distinguaient encore par leur contrainte externe et interne. Toute cette richesse de sentiments et d'expériences humaines qui caractérise les images bibliques et mythologiques des peintres du XVe siècle n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans les premiers portraits de Léonard de Vinci, créés par lui dans les premières années de son séjour à Milan. Il s'agit du « Portrait de dame à l'hermine » (vers 1483 ; Cracovie, Musée national), représentant Cecilia Gallearani, bien-aimée de Lodovico Moro, et d'un portrait de musicienne (vers 1485 ; Milan, Bibliothèque ambrosienne).

Par rapport à eux, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un gigantesque glissement qualitatif. Pour la première fois, l'image du portrait dans sa signification est devenue à égalité avec les images les plus vives des autres genres picturaux. La Joconde est représentée assise dans un fauteuil sur fond de paysage, et la juxtaposition même de sa figure, qui est très proche du spectateur, avec le paysage visible de loin, comme d'une immense montagne, confère une grandeur extraordinaire à l'image. La même impression est facilitée par le contraste de la tangibilité plastique accrue de la figure et de sa silhouette généralisée lisse avec un paysage s'éloignant dans un lointain brumeux, comme une vision, avec des rochers bizarres et des canaux d'eau qui serpentent entre eux. Mais d'abord, il attire l'apparition de Mona Lisa elle-même - son insolite, comme si inséparablement suivant le spectateur, son regard, rayonnant d'intelligence et de volonté, et un sourire à peine perceptible, dont la signification semble nous échapper - cette insaisissabilité apporte dans l'image une nuance d'inépuisable et d'infinie richesse.

L'ancienne version du tableau "Mona Lisa" sur notre site (à partir de 2004)

Il y a peu de portraits dans tout l'art mondial qui sont égaux à la peinture de Mona Lisa en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C'est l'extraordinaire intensité intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue des portraits-images du Quattrocento. Cette caractéristique est perçue avec d'autant plus d'acuité qu'elle se réfère à un portrait féminin, dans lequel le personnage du modèle se révélait auparavant dans un tout autre ton figuratif à prédominance lyrique. Le sentiment de force émanant de la peinture "Mona Lisa" est une combinaison organique de sang-froid intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime nullement la supériorité ou le dédain ; il est perçu comme le résultat d'une confiance en soi sereine et d'une maîtrise de soi complète. Mais la peinture de Mona Lisa n'incarne pas seulement un début raisonnable - son image est remplie d'une grande poésie, que l'on ressent à la fois dans son sourire insaisissable et dans le mystère du paysage semi-fantastique qui se déroule derrière elle.

Les contemporains ont admiré la similitude frappante atteinte par l'artiste et l'extraordinaire vitalité du portrait. Mais sa signification est beaucoup plus large: le grand peintre Léonard de Vinci a réussi à apporter à l'image ce degré de généralisation qui nous permet de la considérer comme une image d'une personne de la Renaissance dans son ensemble. Le sentiment de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l'image, dans ses motifs individuels - à la manière d'un léger voile transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combinant des mèches de cheveux soigneusement dessinées et de petits plis de la robe dans un contour lisse commun ; cette sensation est incomparable en termes de douceur douce du modelé du visage (sur lequel les sourcils ont été enlevés à la mode de l'époque) et de belles mains soignées. Ce modelage évoque une si forte impression de physicalité vivante que Vasari a écrit que dans l'approfondissement du cou de Mona Lisa on peut voir battre le pouls. L'un des moyens de ces nuances plastiques subtiles était le "sfumato" caractéristique de Leonard - une brume à peine perceptible qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Léonard de Vinci recommande à cet effet de placer entre la source de lumière et les corps, comme il le dit, « une sorte de brouillard ». La prédominance de la modélisation de la lumière et de l'ombre se fait également sentir dans la coloration subordonnée de la peinture. Comme beaucoup d'œuvres de Léonard de Vinci, cette peinture s'est assombrie avec le temps et ses relations de couleurs ont quelque peu changé, mais même maintenant, les juxtapositions réfléchies dans les tons d'œillet et de vêtements et leur contraste général avec le ton bleu-vert "sous l'eau" du paysage sont clairement perçues.

Mona Lisa est l'œuvre la plus célèbre du monde de l'art, créée par l'auteur le plus célèbre - Léonard de Vinci. Il s'agit d'une œuvre d'art légendaire, entourée de centaines de secrets et de mystères non résolus, qui fascine l'esprit de nombreux chercheurs et spectateurs non initiés ordinaires.

Il y a toujours eu un intérêt pour la création, mais il est devenu particulièrement aigu ces dernières années après la sortie du roman The Da Vinci Code de Dan Brown, ainsi que des films basés sur ce livre. Et maintenant, vous découvrirez les faits les plus incroyables et les plus intéressants sur la Joconde de Léonard de Vinci.

Faits sur la Joconde

• Le préfixe Mona signifie "Madonna" ou "Milady", tandis que Lisa n'est qu'un nom.
• L'identité de la personne dans le tableau est restée pour toujours un mystère. Certains chercheurs ont tendance à penser qu'il s'agit d'un autoportrait de Léonard de Vinci sous une forme féminine, mais la plupart considèrent que la Joconde est Lisa Geraldina, 24 ans, également connue sous le nom de Lisa del Giocondo, qui était l'épouse de le marchand Francesco del Giocondo. Il est également possible qu'il s'agisse d'un portrait de la mère de l'artiste.
• En 1956, une urgence s'est produite au Louvre. Hugo Ungaze a jeté une pierre sur le portrait, dont le chef-d'œuvre a été endommagé près du coude gauche de Mona Lisa.
• A votre avis, combien vaut ce tableau ? Des centaines de milliers de dollars ? Des millions? Des milliards ? Pas! Elle n'a pas de prix ! Et c'est pourquoi le chef-d'œuvre n'est toujours pas assuré.
• Des faits intéressants sur la Joconde de Léonard de Vinci doivent être complétés par le fait que la femme représentée sur la photo n'a pas de sourcils. On ne sait pas avec certitude pourquoi cela s'est produit. On pense que les sourcils ont été effacés lors d'une des restaurations au Moyen Âge, depuis lors, il était à la mode d'éliminer complètement les sourcils. Il existe également une opinion selon laquelle l'image est délibérément inachevée par l'auteur.

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• Le tableau se trouve dans une salle spéciale du Louvre. Cette salle a été créée pour 7 millions de dollars spécifiquement pour la Joconde. Le chef-d'œuvre est sous verre blindé et la température requise est maintenue à l'aide d'un ordinateur et d'un système complexe de capteurs.
• La Joconde a été achevée au château d'Amboise en France vers 1505. Selon une hypothèse, Léonard de Vinci serait enterré dans ce château.
• Les pupilles de la Joconde sont peintes de chiffres et de lettres microscopiques. Ils ne peuvent être vus qu'avec un équipement spécial. On pense qu'il s'agit de la date d'achèvement du tableau et des initiales de l'auteur.
• Mona Lisa est considérée comme l'un des sites les plus décevants. Tant de bruit et de légendes, mais vous venez au musée, il est caché sous verre, et si loin de vous... juste une photo...
• Une vague spéciale de popularité de la Joconde a surgi après l'enlèvement. Le 21 août 1911, le tableau est volé par Vincenzo Perugio, employé du Musée de Paris. Au cours de l'enquête, la direction du Louvre a été limogée, des personnalités telles que Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire ont été suspectées. En conséquence, le tableau a été découvert le 4 janvier 1914 en Italie. Après cela, plusieurs expositions ont eu lieu avec elle, puis elle a été renvoyée à Paris. Les motifs du crime ne sont pas connus avec certitude, il est probable que Perugio ait voulu rendre le chef-d'œuvre à la patrie de Léonard de Vinci.

Parcelle

Il s'agit d'un portrait de Mme Lisa del Giocondo. Son mari, un marchand de tissus de Florence, aimait beaucoup sa troisième femme et c'est pourquoi le portrait a été commandé à Léonard lui-même.

"Mona Lisa". (wikimedia.org)

La femme est assise sur le balcon. On pense qu'au départ, l'image aurait pu être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, dont il reste actuellement deux bases de colonnes.

L'un des mystères est de savoir si Lisa del Giocondo est vraiment représentée sur la toile. Il ne fait aucun doute que cette femme a vécu au tournant des XVe et XVIe siècles. Cependant, certains chercheurs pensent que Léonard a peint le portrait à partir de plusieurs modèles. Quoi qu'il en soit, le résultat était l'image de la femme idéale de cette époque.

Comment ne pas se souvenir de l'histoire qui était courante à une époque sur ce que les médecins ont vu dans le portrait. Des médecins de diverses spécialités ont analysé le tableau à leur manière. Et à la fin, ils ont "trouvé" tellement de maladies à Gioconda qu'il est généralement incompréhensible de savoir comment cette femme a pu vivre.

Soit dit en passant, il existe une hypothèse selon laquelle le modèle n'était pas une femme, mais un homme. Ceci, bien sûr, ajoute au mystère de l'histoire de la Joconde. Surtout si vous comparez l'image avec une autre œuvre de da Vinci - "Jean-Baptiste", dans laquelle le jeune homme est doté du même sourire que la Joconde.

"Jean le Baptiste". (wikimedia.org)

Le paysage derrière la Joconde semble mystique, comme l'incarnation des rêves. Il ne détourne pas notre attention, ne laisse pas nos yeux s'égarer. Au contraire, un tel paysage nous plonge complètement dans la contemplation de la Joconde.

Da Vinci a peint le portrait pendant plusieurs années. Malgré les honoraires payés en totalité, la famille Giocondo n'a jamais reçu la commande - l'artiste a simplement refusé de donner la toile. Pourquoi est inconnu. Et quand de Vinci quitta l'Italie pour la France, il emporta le tableau avec lui, où il le vendit pour une très grosse somme d'argent au roi François Ier.

De plus, le destin de la toile n'a pas été facile. Il a été soit loué, soit oublié. Mais il est devenu culte au début du 20e siècle. En 1911, un scandale éclate. L'Italien a volé l'œuvre de Léonard au Louvre, bien que la motivation ne soit toujours pas claire. Au cours de l'enquête, même Picasso et Apollinaire étaient suspectés.

Salvador Dalí. Autoportrait en Mona Lisa, 1954. (wikimedia.org)

Les médias organisaient une orgie : chaque jour, de-ci de-là, on discutait qui était le voleur et quand la police trouverait le chef-d'œuvre. En termes de sensationnalisme, seul le Titanic pouvait rivaliser.

Black PR a fait son travail. L'image est devenue presque une icône, l'image de la Joconde a été reproduite comme mystérieuse et mystique. Les personnes dotées d'une organisation mentale particulièrement fine ne pouvaient parfois pas résister aux forces du culte nouvellement apparu et devenaient folles. En conséquence, des aventures attendaient la Joconde - d'une tentative d'assassinat à l'acide à une attaque avec des objets lourds.

Le destin de l'artiste

Peintre, philosophe, musicien, naturaliste, ingénieur. L'homme est universel. C'était Léonard. La peinture était pour lui un instrument de connaissance universelle du monde. Et c'est grâce à lui que la peinture a commencé à être comprise comme un art libre, et pas seulement comme un métier.

"François Ier à la mort de Léonard de Vinci" Ingres, 1818. (wikimedia.org)

Avant lui, les personnages des peintures ressemblaient davantage à des statues. Leonardo a été le premier à deviner que la litote est nécessaire sur la toile - lorsque la forme, comme recouverte d'un voile, semble à certains endroits se dissoudre dans l'ombre. Cette méthode est appelée sfumato. C'est à lui que la Joconde doit son mystère.

Les coins des lèvres et des yeux sont couverts d'ombres douces. Cela crée un sentiment d'euphémisme, l'expression d'un sourire et d'un regard nous échappe. Et plus on regarde la toile, plus on est fasciné par ce mystère.

Le chef-d'œuvre est admiré par plus de huit millions de visiteurs chaque année. Cependant, ce que nous voyons aujourd'hui ne ressemble que de loin à la création originale. Nous sommes à plus de 500 ans de l'époque de la création de l'image...

L'IMAGE CHANGE AU FIL DES ANNÉES

La Joconde change comme une vraie femme… Après tout, nous avons aujourd'hui devant nous l'image d'un visage de femme fané, fané, jauni et assombri à ces endroits où le spectateur pouvait voir des tons bruns et verts auparavant (ce n'est pas pour rien que Les contemporains de Léonard ont plus d'une fois admiré les couleurs fraîches et lumineuses des peintures italiennes).

Le portrait n'a pas échappé aux outrages du temps et aux dégâts causés par de nombreuses restaurations. Et les supports en bois étaient froissés et couverts de fissures. Ont subi des changements sous l'influence des réactions chimiques et des propriétés des pigments, du liant et du vernis au fil des ans.

Le droit honorable de créer une série d'images de la "Mona Lisa" dans la plus haute résolution a été donné à l'ingénieur français Pascal Cotte, l'inventeur de la caméra multispectrale. Le résultat de son travail a été des images détaillées de la peinture dans la gamme allant de l'ultraviolet à l'infrarouge.

Il convient de noter que Pascal a passé environ trois heures à créer des images de l'image "nue", c'est-à-dire sans cadre ni verre de protection. Ce faisant, il a utilisé un scanner unique de sa propre invention. Le résultat du travail a été 13 images d'un chef-d'œuvre avec une résolution de 240 mégapixels. La qualité de ces images est absolument unique. Il a fallu deux ans pour analyser et valider les données.

LA BEAUTÉ RECONSTRUITE

En 2007, 25 secrets de la peinture ont été révélés pour la première fois lors de l'exposition Da Vinci Genius. Ici, pour la première fois, les visiteurs ont pu apprécier la couleur originale des peintures de Mona Lisa (c'est-à-dire la couleur des pigments originaux utilisés par da Vinci).

Les photographies présentaient aux lecteurs une image dans sa forme originale, semblable à ce que voyaient les contemporains de Léonard : le ciel est la couleur du lapis-lazuli, le teint rose chaud de la peau, des montagnes clairement tracées, des arbres verts...

Des photographies de Pascal Cotte montrent que Léonard n'a pas terminé le tableau. Nous observons des changements dans la position de la main du modèle. On peut voir qu'au début Mona Lisa a soutenu le voile avec sa main. Il est également devenu évident que l'expression du visage et le sourire étaient quelque peu différents au début. Et la tache au coin de l'œil est un dégât d'eau sur la laque, probablement dû au tableau accroché dans la salle de bain de Napoléon pendant un certain temps. Nous pouvons également déterminer que certaines parties de l'image sont devenues transparentes avec le temps. Et de voir que contrairement au point de vue moderne, la Joconde avait des sourcils et des cils !

QUI EST SUR LA PHOTO

"Leonardo a entrepris de terminer un portrait de Mona Lisa, sa femme, pour Francesco Giocondo, et, après avoir travaillé pendant quatre ans, l'a laissé inachevé. En écrivant le portrait, il a gardé des gens qui jouaient de la lyre ou chantaient, et il y avait toujours des bouffons qui a retiré de sa mélancolie et soutenu sa gaieté, c'est pourquoi son sourire est si agréable.

C'est la seule preuve de la façon dont l'image a été créée, appartient à un contemporain de da Vinci, l'artiste et écrivain Giorgio Vasari (bien qu'il n'ait que huit ans lorsque Léonard est mort). D'après ses paroles, depuis plusieurs siècles maintenant, un portrait féminin, sur lequel le maître a travaillé en 1503-1506, est considéré comme une image de Lisa, 25 ans, épouse du magnat florentin Francesco del Giocondo. Alors Vasari a écrit - et tout le monde a cru. Mais il est probable qu'il s'agisse d'une erreur, et le portrait est celui d'une autre femme.

Il y a beaucoup de preuves : premièrement, la coiffe est le voile de deuil d'une veuve (entre-temps, Francesco del Giocondo a vécu longtemps), et deuxièmement, s'il y avait un client, pourquoi Leonardo ne lui a-t-il pas confié le travail ? On sait que l'artiste a gardé le tableau à la maison, et en 1516, quittant l'Italie, il l'a emmené en France, le roi François Ier en 1517 l'a payé 4 000 florins d'or - une somme fantastique pour l'époque. Cependant, il n'a pas non plus obtenu la Gioconda.

L'artiste ne se sépare pas du portrait jusqu'à sa mort. En 1925, les critiques d'art ont suggéré que la moitié représente la duchesse Constance d "Avalos - la veuve de Federico del Balzo, la maîtresse de Giuliano Medici (frère du pape Léon X). La base de l'hypothèse était le sonnet du poète Eneo Irpino , qui mentionne son portrait par Leonardo. En 1957, l'italien Carlo Pedretti propose une version différente : en fait, il s'agit de Pacifika Brandano, une autre maîtresse de Giuliano Medici. Pachifika, la veuve d'un noble espagnol, avait un tempérament doux et enjoué , était bien éduqué et pouvait décorer n'importe quelle entreprise Pas étonnant qu'une personne aussi joyeuse , comme Giuliano, soit devenue proche d'elle, grâce à laquelle leur fils Ippolito est né.

Dans le palais papal, Léonard disposait d'un atelier avec des tables mobiles et une lumière diffuse qu'il aimait tant. L'artiste a travaillé lentement, remplissant soigneusement les détails, en particulier le visage et les yeux. Pacifica (si c'est ça) sur la photo est sortie comme si elle était vivante. Le public était émerveillé, souvent effrayé: il leur semblait qu'au lieu d'une femme sur la photo, un monstre était sur le point d'apparaître, une sorte de sirène marine. Même le paysage derrière elle contenait quelque chose de mystérieux. Le célèbre sourire n'était en aucun cas associé à l'idée de justice. Plutôt, il y avait quelque chose du domaine de la sorcellerie. C'est ce sourire mystérieux qui arrête, dérange, fascine et interpelle le spectateur, comme s'il le forçait à entrer dans une connexion télépathique.

Les artistes de la Renaissance ont poussé au maximum les horizons philosophiques et artistiques de la créativité. L'homme est entré en rivalité avec Dieu, il l'imite, il est possédé par un grand désir de créer. Il est captivé par ce monde réel, dont le Moyen Age s'est détourné au profit du monde spirituel.

Léonard de Vinci a disséqué des cadavres. Il rêvait de s'approprier la nature en apprenant à changer le sens des rivières et à drainer les marécages, il voulait voler l'art du vol aux oiseaux. La peinture était pour lui un laboratoire d'expérimentation, où il cherchait sans cesse de nouveaux moyens d'expression. Le génie de l'artiste lui a permis de voir la véritable essence de la nature derrière la corporéité vivante des formes. Et ici, il est impossible de ne pas mentionner le plus beau clair-obscur (sfumato) aimé par le maître, qui était pour lui une sorte d'auréole, remplaçant l'auréole médiévale : c'est un sacrement également divino-humain et naturel.

La technique du sfumato a permis d'animer les paysages et de rendre le jeu des sentiments sur les visages dans toute sa variabilité et sa complexité avec une étonnante subtilité. Ce que seul Léonard n'a pas inventé, espérant réaliser ses plans ! Le maître mélange inlassablement diverses substances, s'efforçant d'obtenir des couleurs éternelles. Son pinceau est si léger, si transparent qu'au XXe siècle, même l'analyse aux rayons X ne révélera pas de traces de son coup.Après avoir fait quelques coups, il met la photo de côté pour la laisser sécher. Son œil distingue les moindres nuances : reflets du soleil et ombres de certains objets sur d'autres, une ombre sur le trottoir et une ombre de tristesse ou un sourire sur un visage. Les lois générales du dessin, la construction de la perspective ne font que suggérer la voie. Leurs propres recherches révèlent que la lumière a la capacité de courber et de redresser les lignes : "Plonger des objets dans un milieu lumière-air signifie, en fait, les plonger dans l'infini."

CULTE

Selon les experts, elle s'appelait Mona Lisa Gherardini del Giocondo, ... Bien que peut-être Isabella Gualando, Isabella d "Este, Filiberta de Savoie, Constance d" Avalos, Pacifica Brandano ... Qui sait?

L'obscurité de l'origine n'a fait que contribuer à sa renommée. Elle a traversé les âges dans l'éclat de son mystère. Pendant de nombreuses années, le portrait de la "dame de cour au voile transparent" a été une parure des collections royales. On la voyait soit dans la chambre de Madame de Maintenon, soit dans le cabinet de Napoléon aux Tuileries. Louis XIII, qui gambadait enfant dans la Grande Galerie, où il était accroché, refusa de le donner au duc de Buckingham en disant : « Il est impossible de se séparer d'un tableau qui passe pour le meilleur du monde. Partout - aussi bien dans les châteaux que dans les maisons de ville - ils ont essayé "d'enseigner" à leurs filles le fameux sourire.

Ainsi, une belle image s'est transformée en un timbre de mode. Parmi les artistes professionnels, la popularité de la peinture a toujours été élevée (plus de 200 exemplaires de la Joconde sont connus). Elle a donné naissance à toute une école, inspiré des maîtres tels que Raphaël, Ingres, David, Corot. Dès la fin du XIXe siècle, "Mona Lisa" a commencé à envoyer des lettres avec une déclaration d'amour. Et pourtant, dans le destin étrangement évolutif de l'image, il manquait un trait, un événement époustouflant. Et c'est arrivé !

Le 21 août 1911, les journaux parurent sous le titre fracassant : « La Gioconda » est volée ! « Le tableau fut vigoureusement recherché. avec un flash de magnésium à l'air libre En France, la Gioconda a même été pleurée "Baldassare Castiglione" de Raphaël, installée au Louvre à la place de celle qui manquait, ne convenait à personne - après tout, ce n'était qu'un "ordinaire" chef-d'œuvre.

"La Gioconda" a été retrouvée en janvier 1913 cachée dans une cache sous le lit. Le voleur, un pauvre immigré italien, voulait ramener le tableau dans son pays natal, l'Italie.

Quand l'idole des siècles était de nouveau au Louvre, l'écrivain Théophile Gauthier plaisantait que le sourire était devenu « moqueur » et même « triomphant » ? surtout lorsqu'il s'adresse à des personnes qui ne sont pas enclines à faire confiance aux sourires angéliques. Le public était divisé en deux camps belligérants. Si pour certains ce n'était qu'une image, quoique excellente, pour d'autres c'était presque une divinité. En 1920, dans le magazine Dada, l'artiste d'avant-garde Marcel Duchamp ajoute une magnifique moustache à la photographie du "plus mystérieux des sourires" et accompagne le dessin animé des premières lettres des mots "elle est insupportable". Sous cette forme, les adversaires de l'idolâtrie ont déversé leur irritation.

Il existe une version selon laquelle ce dessin est une première version de la Joconde. Fait intéressant, ici entre les mains d'une femme se trouve une magnifique branche Photo: Wikipedia.

MYSTÈRE PRINCIPAL…

… Caché, bien sûr, dans son sourire. Comme vous le savez, les sourires sont différents : heureux, tristes, gênés, séduisants, aigres, sarcastiques. Mais aucune de ces définitions ne convient dans ce cas. Les archives du Musée Léonard de Vinci en France contiennent une grande variété d'interprétations de l'énigme du célèbre portrait.

Un certain "généraliste" assure que la personne représentée sur la photo est enceinte; son sourire est une tentative d'attraper le mouvement du fœtus. La suivante insiste pour qu'elle sourit à son amant... Leonardo. Quelqu'un pense même: la photo montre un homme, car "son sourire est très attirant pour les homosexuels".

Selon le psychologue britannique Digby Questeg, partisan de cette dernière version, Leonardo a montré dans cet ouvrage son homosexualité latente (cachée). Le sourire de Gioconda exprime un large éventail de sentiments : de l'embarras et de l'indécision (que diront les contemporains et les descendants ?) à l'espoir de compréhension et de faveur.

Du point de vue de l'éthique d'aujourd'hui, une telle hypothèse semble tout à fait convaincante. Rappelons cependant que les mœurs de la Renaissance étaient beaucoup plus libérées que celles d'aujourd'hui, et Léonard n'a pas du tout fait mystère de son orientation sexuelle. Ses élèves étaient toujours plus belles que douées ; son serviteur Giacomo Salai jouissait d'une faveur particulière. Une autre version similaire ? "Mona Lisa" - un autoportrait de l'artiste. Une comparaison informatique récente des traits anatomiques du visage de Gioconda et de Léonard de Vinci (basée sur un autoportrait de l'artiste réalisé au crayon rouge) a montré qu'ils correspondent parfaitement géométriquement. Ainsi, Gioconda peut être appelée l'hypostase féminine d'un génie !.. Mais alors le sourire de Gioconda est son sourire.

Un tel sourire énigmatique était en effet caractéristique de Léonard ; ce qui, par exemple, est attesté par le tableau de Verrocchio "Tobias avec un poisson", dans lequel l'archange Michel est peint avec Léonard de Vinci.

Sigmund Freud a également exprimé son opinion sur le portrait (naturellement, dans l'esprit du freudisme): "Le sourire de la Joconde est le sourire de la mère de l'artiste." L'idée du fondateur de la psychanalyse a ensuite été soutenue par Salvador Dali: "Dans le monde moderne, il existe un véritable culte du culte du giocondo. Gioconda a été attaquée à plusieurs reprises, il y a plusieurs années, il y a même eu des tentatives de lui jeter des pierres. - une nette ressemblance avec un comportement agressif envers sa propre mère.Si vous vous souvenez de ce qu'il a écrit sur Leonardo da Vinci Freud, ainsi que de tout ce qui est dit sur le subconscient de l'artiste de sa peinture, on peut facilement conclure que lorsque Leonardo a travaillé sur Gioconda, il était amoureux de sa mère... Complètement inconsciemment, il peint une nouvelle créature, dotée de tous les signes possibles de la maternité "En même temps, elle sourit d'une manière quelque peu ambiguë. Le monde entier a vu et voit encore aujourd'hui dans ce sourire ambigu une certaine nuance d'érotisme. Et qu'arrive-t-il au pauvre spectateur malheureux qui est sous l'emprise du complexe d'Œdipe ? Il vient au musée. Un musée est une institution publique, dans son subconscient ce n'est qu'un bordel ou simplement un bordel. Dans le bordel lui-même, il voit une image qui est le prototype de l'image collective de toutes les mères. La présence tourmentante de sa propre mère, au regard doux et au sourire ambigu, le pousse au crime. Il attrape la première chose qui se présente à lui, disons une pierre, et déchire le tableau, commettant ainsi un acte de matricide.

DES MÉDECINS MIS PAR LE SOURIRE… DIAGNOSTIC

Pour une raison quelconque, le sourire de Gioconda hante particulièrement les médecins. Pour eux, le portrait de la Joconde est une occasion idéale de s'entraîner à poser un diagnostic sans craindre les conséquences d'une erreur médicale.

Ainsi, le célèbre oto-rhino-laryngologiste américain Christopher Adour d'Auckland (USA) a annoncé que Gioconda avait une paralysie faciale. Dans sa pratique, il a même appelé cette paralysie "la maladie de Mona Lisa", obtenant apparemment un effet psychothérapeutique en inculquant aux patients un sentiment d'appartenance au grand art. Un médecin japonais est absolument certain que Mona Lisa avait un taux de cholestérol élevé. La preuve en est un nodule sur la peau entre la paupière gauche et la base du nez, typique d'une telle maladie. Et cela signifie : Mona Lisa a mal mangé.

Joseph Borkowski, dentiste américain et expert en peinture, estime que la femme du tableau, à en juger par l'expression de son visage, a perdu de nombreuses dents. En examinant des photographies agrandies du chef-d'œuvre, Borkowski a découvert des cicatrices autour de la bouche de Mona Lisa. "L'expression sur son visage est typique des personnes qui ont perdu leurs dents de devant", explique l'expert. Les neurophysiologistes ont également contribué à percer le mystère. À leur avis, le point n'est pas dans le modèle et pas dans l'artiste, mais dans le public. Pourquoi nous semble-t-il que le sourire de Mona Lisa s'estompe, puis réapparaît ? La neurophysiologiste de l'Université de Harvard, Margaret Livingston, estime que la raison en est non pas la magie de l'art de Léonard de Vinci, mais les particularités de la vision humaine : l'apparition et la disparition d'un sourire dépendent de la partie du visage de la Gioconda vers laquelle le regard de la personne est dirigé. Il existe deux types de vision : centrale, focalisée sur les détails, et périphérique, moins distincte. Si vous n'êtes pas concentré sur les yeux de la "nature" ou essayez de couvrir tout son visage avec vos yeux - Gioconda vous sourit. Cependant, il vaut la peine de se concentrer sur les lèvres, car le sourire disparaît immédiatement. De plus, le sourire de Mona Lisa est tout à fait possible à reproduire, dit Margaret Livinston. Pourquoi, en train de travailler sur une copie, vous devez essayer de "dessiner une bouche sans la regarder". Mais comment faire cela, semble-t-il, seul le grand Léonard le savait.

Il existe une version dans laquelle l'artiste lui-même est représenté sur la photo. Photo : Wikipédia.

Certains psychologues praticiens disent que le secret de Mona Lisa est simple : c'est un sourire à elle-même. En fait, le conseil aux femmes modernes est le suivant: pensez à quel point vous êtes merveilleuse, douce, gentille et unique - vous en valez la peine pour vous réjouir et sourire à vous-même. Portez votre sourire naturellement, qu'il soit honnête et ouvert, venant du plus profond de votre âme. Un sourire adoucira votre visage, en effacera les traces de fatigue, d'imprégnabilité, de rigidité qui effraient tant les hommes. Il donnera à votre visage une expression mystérieuse. Et puis vous aurez autant de fans que la Joconde.

LE SECRET DES OMBRES ET DES NUANCES

Les mystères de la création immortelle hantent les scientifiques du monde entier depuis de nombreuses années maintenant. Par exemple, les scientifiques ont déjà utilisé les rayons X pour comprendre comment Léonard de Vinci a créé des ombres sur un grand chef-d'œuvre. La Joconde était l'une des sept œuvres de Léonard de Vinci étudiées par le scientifique Philip Walter et ses collègues. L'étude a montré comment des couches ultra-fines de glacis et de peinture étaient utilisées pour obtenir une transition en douceur du clair au foncé. Le faisceau de rayons X vous permet d'examiner les couches sans endommager la toile

La technique utilisée par Da Vinci et d'autres artistes de la Renaissance est connue sous le nom de "sfumato". Avec son aide, il était possible de créer des transitions douces de tons ou de couleurs sur la toile.

L'une des découvertes les plus choquantes de notre étude est que vous ne verrez pas une seule tache ou empreinte digitale sur la toile, a déclaré un membre du groupe de Walter.

Tout est tellement parfait ! C'est pourquoi les peintures de Da Vinci étaient impossibles à analyser - elles ne donnaient pas d'indices faciles, - a-t-elle poursuivi.

Des recherches antérieures ont déjà établi les principaux aspects de la technologie sfumato, mais le groupe de Walter a découvert de nouveaux détails sur la façon dont le grand maître a réussi à obtenir un tel effet. L'équipe a utilisé une radiographie pour déterminer l'épaisseur de chaque couche appliquée sur la toile. En conséquence, il a été possible de découvrir que Leonardo da Vinci était capable d'appliquer des couches d'une épaisseur de seulement quelques micromètres (un millième de millimètre), l'épaisseur totale de la couche ne dépassant pas 30 à 40 micromètres.

PAYSAGE À VOLETS

Derrière la Joconde, le tableau légendaire de Léonard de Vinci dépeint non pas un abstrait, mais un paysage très spécifique - le quartier de la ville de Bobbio, dans le nord de l'Italie, explique la chercheuse Carla Glori, dont les arguments sont cités lundi 10 janvier par le Journal Daily Telegraph.

Glory est arrivé à de telles conclusions après que le journaliste, écrivain, découvreur de la tombe du Caravage et chef du Comité national italien pour la protection du patrimoine culturel, Silvano Vinceti, ait déclaré avoir vu des lettres et des chiffres mystérieux sur la toile de Léonard. En particulier, sous l'arche du pont, située à gauche de la Joconde (c'est-à-dire du point de vue du spectateur, à droite de l'image), les chiffres "72" ont été trouvés. Vincheti lui-même les considère comme une référence à certaines théories mystiques de Léonard. Selon Glory, il s'agit d'une indication de l'année 1472, lorsque la rivière Trebbia passant par Bobbio déborda de ses rives, démolit l'ancien pont et força la famille Visconti, qui régnait dans ces régions, à en construire un nouveau. Elle considère le reste de la vue comme un paysage depuis les fenêtres du château local.

Auparavant, Bobbio était principalement connu comme le lieu où se trouve l'immense monastère de San Colombano (San Colombano), qui a servi de prototype au "Nom de la Rose" d'Umberto Eco.

Dans ses conclusions, Carla Glory va encore plus loin : si la scène n'est pas le centre de l'Italie, comme les scientifiques le croyaient auparavant, en se basant sur le fait que Léonard a commencé à travailler sur la toile en 1503-1504 à Florence, mais le nord, alors son modèle n'est pas sa femme marchande Lisa del Giocondo (Lisa del Giocondo), et la fille du duc de Milan Bianca Giovanna Sforza (Bianca Giovanna Sforza).

Son père, Lodovico Sforza, était l'un des principaux clients de Leonardo et un philanthrope bien connu.
Glory pense que l'artiste et inventeur est resté avec lui non seulement à Milan, mais aussi à Bobbio, une ville avec une célèbre bibliothèque à l'époque, également soumise aux dirigeants milanais.De vrais experts sceptiques affirment que les chiffres et les lettres découverts par Vincheti chez les élèves de Mona Lisa, rien de plus que des fissures formées sur la toile au fil des siècles ... Cependant, personne ne peut les exclure du fait qu'elles ont été appliquées exprès sur la toile ...

SECRET RÉVÉLÉ ?

L'année dernière, le professeur Margaret Livingston de l'Université de Harvard a déclaré que le sourire de Mona Lisa n'est visible que si vous ne regardez pas les lèvres de la femme représentée sur le portrait, mais d'autres détails de son visage.

Margaret Livingston a présenté sa théorie lors de la réunion annuelle de l'Association américaine pour l'avancement des sciences à Denver, Colorado.

La disparition d'un sourire lors du changement d'angle de vue est due à la façon dont l'œil humain traite les informations visuelles, estime un scientifique américain.

Il existe deux types de vision : directe et périphérique. Direct perçoit bien les détails, pire - les ombres.

La nature insaisissable du sourire de Mona Lisa peut s'expliquer par le fait qu'il est presque entièrement situé dans la plage de basse fréquence de la lumière et n'est bien perçu que par la vision périphérique, a déclaré Margaret Livingston.

Plus vous regardez directement le visage, moins la vision périphérique est utilisée.

La même chose se produit lorsque vous regardez une seule lettre de texte imprimé. Dans le même temps, d'autres lettres sont perçues moins bien, même de près.

Da Vinci a utilisé ce principe et donc le sourire de Mona Lisa n'est visible que si vous regardez les yeux ou d'autres parties du visage de la femme représentée dans le portrait ...

Il y consacra beaucoup de temps et, quittant l'Italie à l'âge adulte, il emmena avec lui en France, parmi quelques autres peintures choisies. Da Vinci avait un attachement particulier à ce portrait, et a également beaucoup réfléchi au cours du processus de sa création, dans le "Traité de la peinture" et dans ces notes sur les techniques de peinture qui n'y figuraient pas, on peut trouver de nombreuses indications qui sans aucun doute se référer à la « Gioconda » .

Le message de Vasari

"Studio of Leonardo da Vinci" dans une gravure de 1845 de Gioconda divertie par des bouffons et des musiciens

Il est possible que ce dessin de la Hyde Collection à New York soit de Léonard de Vinci et soit une esquisse préliminaire pour un portrait de la Joconde. Dans ce cas, il est curieux qu'il ait d'abord eu l'intention de lui mettre entre les mains une magnifique branche.

Très probablement, Vasari a simplement ajouté une histoire sur les bouffons pour le divertissement des lecteurs. Le texte de Vasari contient également une description précise des sourcils absents du tableau. Cette inexactitude ne pourrait survenir que si l'auteur décrivait l'image de mémoire ou à partir des histoires des autres. Aleksey Dzhivelegov écrit que l'indication de Vasari selon laquelle "le travail sur le portrait a duré quatre ans est clairement exagérée : Léonard n'est pas resté à Florence aussi longtemps après son retour de César Borgia, et s'il avait commencé à peindre un portrait avant de partir pour César, Vasari aurait probablement, je dirais qu'il l'a écrit pendant cinq ans. Le scientifique écrit également sur l'indication erronée de l'incomplétude du portrait - «le portrait a sans aucun doute été peint pendant longtemps et a été mené à son terme, quoi qu'en dise Vasari, qui dans sa biographie de Léonard l'a stylisé comme un artiste qui , en principe, ne pouvait terminer aucun travail majeur. Et non seulement c'était fini, mais c'est l'une des choses les plus soigneusement finies de Léonard.

Un fait intéressant est que dans sa description, Vasari admire le talent de Léonard pour transmettre les phénomènes physiques, et non la similitude entre le modèle et la peinture. Il semble que cette caractéristique "physique" du chef-d'œuvre ait laissé une profonde impression sur les visiteurs de l'atelier de l'artiste et ait atteint Vasari près de cinquante ans plus tard.

Le tableau était bien connu des amateurs d'art, bien que Léonard ait quitté l'Italie pour la France en 1516, emportant le tableau avec lui. Selon des sources italiennes, il fait depuis partie de la collection du roi de France François Ier, mais on ne sait pas quand et comment il l'a acquis et pourquoi Léonard ne l'a pas rendu au client.

Autre

Peut-être que l'artiste n'a pas vraiment terminé le tableau à Florence, mais l'a emporté avec lui lorsqu'il est parti en 1516 et a appliqué le dernier trait en l'absence de témoins qui pourraient en parler à Vasari. Si tel est le cas, il l'achève peu de temps avant sa mort en 1519. (En France, il vivait au Clos-Luce près du château royal d'Amboise).

Bien que des informations sur l'identité de la femme soient données par Vasari, il y a encore eu longtemps des incertitudes à son sujet et de nombreuses versions ont été exprimées :

Un contrôle marginal prouve l'identification correcte du modèle de Mona Lisa

Selon l'une des versions proposées, "Mona Lisa" est un autoportrait de l'artiste

Cependant, la version sur la correspondance du nom généralement accepté du tableau avec la personnalité du modèle en 2005 est considérée comme ayant trouvé une confirmation définitive. Des scientifiques de l'Université de Heidelberg ont étudié les notes en marge d'un tome appartenant à un fonctionnaire florentin, une connaissance personnelle de l'artiste Agostino Vespucci. Dans des notes en marge du livre, il compare Léonard au célèbre peintre grec ancien Apelles et note que "da Vinci travaille actuellement sur trois peintures, dont l'une est un portrait de Lisa Gherardini". Ainsi, Mona Lisa s'est avérée être l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gherardini. La peinture, comme le prouvent les scientifiques dans ce cas, a été commandée par Leonardo pour la nouvelle maison de la jeune famille et pour commémorer la naissance de leur deuxième fils, nommé Andrea.

Peinture

La description

Une copie de la "Mona Lisa" de la Wallace Collection (Baltimore) a été réalisée avant que les bords de l'original ne soient coupés, et permet de voir les colonnes perdues

L'image d'un format rectangulaire représente une femme en vêtements sombres, tournant à demi-tournée. Elle est assise dans un fauteuil, les mains jointes, posant une main sur son accoudoir et plaçant l'autre sur le dessus, se tournant sur la chaise presque pour faire face au spectateur. Séparés par une raie, les cheveux couchés en douceur et à plat, visibles à travers un voile transparent jeté sur eux (selon certaines hypothèses, un attribut du veuvage), tombent sur les épaules en deux mèches clairsemées et légèrement ondulées. Une robe verte à volants fins, à manches plissées jaunes, découpée sur une poitrine basse blanche. La tête est légèrement tournée.

Fragment de la "Mona Lisa" avec les restes de la base de la colonne

Le bord inférieur de la peinture coupe la seconde moitié de son corps, de sorte que le portrait est presque à mi-longueur. Le fauteuil dans lequel le modèle est assis se dresse sur un balcon ou sur une loggia dont la ligne de parapet est visible derrière ses coudes. On pense qu'auparavant, l'image aurait pu être plus large et accueillir deux colonnes latérales de la loggia, à partir desquelles se trouvent actuellement deux bases de colonnes, dont les fragments sont visibles le long des bords du parapet.

La loggia surplombe une nature sauvage désolée de ruisseaux sinueux et un lac entouré de montagnes enneigées qui s'étend jusqu'à une haute ligne d'horizon derrière la figure. "Mona Lisa est représentée assise dans un fauteuil sur fond de paysage, et la comparaison même de sa silhouette, qui est très proche du spectateur, avec un paysage visible de loin, comme une immense montagne, donne à l'image une grandeur extraordinaire. La même impression est facilitée par le contraste de la tangibilité plastique accrue de la figure et de sa silhouette lisse et généralisée avec un paysage s'éloignant dans un lointain brumeux, comme une vision, avec des rochers bizarres et des canaux d'eau qui serpentent entre eux.

Composition

Le portrait de Gioconda est l'un des plus beaux exemples de l'art du portrait italien de la Haute Renaissance.

Boris Vipper écrit que, malgré les traces du Quattrocento, "avec ses vêtements avec une petite découpe sur la poitrine et avec des manches à plis libres, tout comme avec une posture droite, une légère rotation du corps et un geste doux des mains , la Joconde appartient entièrement à l'ère du style classique". Mikhail Alpatov précise que « La Gioconda s'inscrit parfaitement dans un rectangle strictement proportionnel, sa demi-figure forme quelque chose d'entier, les mains jointes complètent son image. Maintenant, bien sûr, il ne pouvait être question des boucles bizarres de la première Annonciation. Cependant, si adoucis que soient tous les contours, la mèche ondulée des cheveux de la Gioconda s'accorde avec le voile transparent, et le tissu suspendu jeté sur l'épaule trouve un écho dans les sinuosités lisses de la route lointaine. Dans tout cela, Léonard montre sa capacité à créer selon les lois du rythme et de l'harmonie.

État actuel

"Mona Lisa" est devenue très sombre, ce qui est considéré comme le résultat de la tendance de son auteur à expérimenter avec des peintures, à cause de laquelle la fresque " La Cène"En général, presque mort. Les contemporains de l'artiste ont cependant réussi à exprimer leur enthousiasme non seulement pour la composition, le dessin et le jeu du clair-obscur - mais aussi pour la couleur de l'œuvre. On suppose, par exemple, qu'initialement les manches de sa robe pourraient être rouges - comme on peut le voir sur une copie du tableau du Prado.

L'état actuel du tableau est assez mauvais, c'est pourquoi le personnel du Louvre a annoncé qu'il ne le donnerait plus aux expositions : "Des fissures se sont formées sur le tableau, et l'une d'elles s'arrête à quelques millimètres au-dessus de la tête de Mona Lisa."

Analyse

Technique

Comme le note Dzhivelegov, au moment de la création de la Joconde, la compétence de Léonard "est déjà entrée dans une phase d'une telle maturité, lorsque toutes les tâches formelles de nature compositionnelle et autre ont été définies et résolues, lorsque Léonard a commencé à penser que seul les dernières tâches les plus difficiles de la technique artistique méritent d'être de s'en occuper. Et lorsqu'il a trouvé dans le visage de Mona Lisa un modèle qui satisfaisait ses besoins, il a essayé de résoudre certaines des tâches les plus élevées et les plus difficiles de la technique de peinture qu'il n'avait pas encore résolues. Il voulait, à l'aide de techniques déjà développées et testées par lui auparavant, notamment avec l'aide de son célèbre sfumato, qui donnait auparavant des effets extraordinaires, à faire plus qu'il ne faisait auparavant : créer un visage vivant d'une personne vivante et reproduire les traits et l'expression de ce visage de manière à ce qu'ils révèlent jusqu'au bout le monde intérieur d'une personne.

Paysage derrière la Joconde

Boris Whipper pose la question, « par quel moyen cette spiritualité est-elle atteinte, cette étincelle de conscience éternelle à l'image de Mona Lisa, alors deux moyens principaux doivent être nommés. L'un est le merveilleux sfumato de Leonard. Pas étonnant que Leonardo ait aimé dire que "le modelage est l'âme de la peinture". C'est le sfumato qui crée le regard mouillé de la Gioconda, son sourire léger comme le vent et l'incomparable douceur caressante du toucher de ses mains. Sfumato est une brume subtile qui enveloppe le visage et la silhouette, adoucissant les contours et les ombres. Léonard recommandait à cet effet de placer entre la source de lumière et les corps, comme il le dit, « une sorte de brouillard ».

Rotenberg écrit que « Leonardo a réussi à introduire dans sa création ce degré de généralisation qui nous permet de le considérer comme une image d'une personne de la Renaissance dans son ensemble. Ce degré élevé de généralisation se reflète dans tous les éléments du langage pictural de l'image, dans ses motifs individuels - dans la façon dont un voile léger et transparent, couvrant la tête et les épaules de Mona Lisa, combine les mèches de cheveux soigneusement dessinées et les petites plis de la robe en un contour lisse commun; il est palpable dans le modelé du visage, incomparable dans sa douce douceur (sur laquelle les sourcils ont été enlevés à la mode de l'époque) et ses belles mains soignées.

Alpatov ajoute que « dans une brume doucement fondante enveloppant le visage et la silhouette, Léonard a réussi à faire ressentir la variabilité illimitée des expressions faciales humaines. Bien que les yeux de la Gioconda regardent attentivement et calmement le spectateur, en raison de l'ombrage de ses orbites, on pourrait penser qu'ils sont légèrement froncés ; ses lèvres sont comprimées, mais des ombres à peine perceptibles se dessinent près de leurs commissures, qui font croire qu'à chaque minute elles vont s'ouvrir, sourire, parler. Le contraste même entre son regard et le demi-sourire sur ses lèvres donne une idée de l'incohérence de ses expériences. (...) Léonard y a travaillé pendant plusieurs années, s'assurant qu'il ne reste pas un seul trait net, pas un seul contour angulaire dans l'image; et bien que les bords des objets y soient clairement perceptibles, ils se dissolvent tous dans les transitions les plus subtiles de la pénombre à la pénombre.

Paysage

Les critiques d'art soulignent la nature organique avec laquelle l'artiste a combiné les caractéristiques du portrait d'une personne avec un paysage plein d'humeur particulière, et combien cela a augmenté la dignité du portrait.

Une première copie de la "Mona Lisa" du Prado montre à quel point l'image du portrait est perdue lorsqu'elle est placée sur un fond sombre et neutre.

En 2012, une copie de la "Mona Lisa" du Prado a été effacée et un fond de paysage s'est avéré être sous les enregistrements ultérieurs - la sensation de la toile change immédiatement.

Vipper considère le paysage comme le second moyen qui crée la spiritualité de l'image : « Le second moyen est la relation entre la figure et l'arrière-plan. Le fantastique, rocheux, comme vu à travers le paysage d'eau de mer dans le portrait de Mona Lisa a une autre réalité que sa figure elle-même. La Joconde a la réalité de la vie, le paysage a la réalité du rêve. Grâce à ce contraste, Mona Lisa semble si incroyablement proche et tangible, et nous percevons le paysage comme le rayonnement de son propre rêve.

Le chercheur en art de la Renaissance Viktor Grashchenkov écrit que Léonard, également grâce au paysage, a réussi à créer non pas le portrait d'une personne spécifique, mais une image universelle: «Dans cette image mystérieuse, il a créé quelque chose de plus qu'un portrait de l'inconnu Florentine Mona Lisa, la troisième épouse de Francesco del Giocondo. L'apparence et la structure mentale d'une personne particulière leur sont transmises avec une synthèse sans précédent. Ce psychologisme impersonnel correspond à l'abstraction cosmique du paysage, presque totalement dépourvu de tout signe de présence humaine. Dans le clair-obscur enfumé, non seulement tous les contours de la figure et du paysage et toutes les tonalités de couleur sont adoucis. Dans les transitions les plus subtiles de la lumière à l'ombre, presque imperceptibles à l'œil, dans la vibration du « sfumato » de Léonard, toute précision de l'individualité et de son état psychologique est adoucie à la limite, fond et est prête à disparaître. (...) "La Gioconda" n'est pas un portrait. C'est un symbole visible de la vie même de l'homme et de la nature, unis en un tout et présenté abstraitement à partir de leur forme concrète individuelle. Mais derrière le mouvement à peine perceptible qui, comme de légères ondulations, parcourt la surface immobile de ce monde harmonieux, on devine toute la richesse des possibilités d'existence physique et spirituelle.

"Mona Lisa" est soutenue dans les tons brun doré et rougeâtre du premier plan et les tons vert émeraude du lointain. "Les peintures transparentes, comme le verre, forment un alliage, comme si elles n'avaient pas été créées par une main humaine, mais par cette force intérieure de la matière qui, à partir d'une solution, donne naissance à des cristaux de forme parfaite." Comme beaucoup d'œuvres de Léonard, cette œuvre s'est assombrie avec le temps et ses rapports de couleurs ont quelque peu changé, cependant, même maintenant, des comparaisons réfléchies dans les tons d'œillet et de vêtements et leur contraste général avec le vert bleuâtre sont clairement perçues. tonalité "sous-marine" du paysage .

La place de la peinture dans le développement du genre du portrait

"Mona Lisa" est considérée comme l'une des meilleures œuvres du genre du portrait, qui a influencé les œuvres de la Haute Renaissance et indirectement à travers elles - sur tout développement ultérieur du genre, qui "devrait toujours revenir à la Gioconda comme un inaccessible, mais modèle obligatoire".

Les historiens de l'art notent que le portrait de Mona Lisa a été une étape décisive dans le développement de l'art du portrait de la Renaissance. Rotenberg écrit : « Bien que les peintres du Quattrocento aient laissé un certain nombre d'œuvres significatives de ce genre, leurs réalisations dans le domaine du portrait étaient, pour ainsi dire, disproportionnées par rapport aux réalisations dans les principaux genres picturaux - dans les compositions sur des thèmes religieux et mythologiques. L'inégalité du genre du portrait était déjà évidente dans l'"iconographie" même des images de portrait. En effet, les portraits du XVe siècle, avec toutes leurs similitudes physionomiques indéniables et le sentiment de force intérieure qu'ils dégagent, se distinguaient encore par leur contrainte externe et interne. Toute cette richesse de sentiments et d'expériences humaines qui caractérise les images bibliques et mythologiques des peintres du XVe siècle n'était généralement pas la propriété de leurs portraits. Des échos de cela peuvent être vus dans les portraits antérieurs de Léonard lui-même, créés par lui dans les premières années de son séjour à Milan. (...) Par rapport à eux, le portrait de Mona Lisa est perçu comme le résultat d'un gigantesque glissement qualitatif. Pour la première fois, l'image du portrait dans sa signification est devenue à égalité avec les images les plus vives des autres genres picturaux.

"Donna Nuda" (c'est-à-dire "Nude Donna"). Artiste inconnu, fin XVIe siècle, Ermitage

Dans son travail de pionnier, Léonard a transféré le centre de gravité principal sur le visage du portrait. En même temps, il a utilisé ses mains comme un puissant moyen de caractérisation psychologique. Ayant rendu le portrait au format générationnel, l'artiste a pu démontrer un plus large éventail de techniques picturales. Et la chose la plus importante dans la structure figurative du portrait est la subordination de tous les détails à l'idée directrice. "La tête et les mains sont le centre incontestable de l'image, auquel le reste de ses éléments est sacrifié. Le paysage de conte de fées, pour ainsi dire, brille à travers les eaux de la mer, il semble si lointain et intangible. Son objectif principal n'est pas de détourner l'attention du spectateur du visage. Et le même rôle est appelé à remplir la robe, qui se décompose en ses plus petits plis. Léonard évite consciemment les draperies lourdes qui pourraient obscurcir l'expressivité des mains et du visage. Ainsi, il fait jouer ce dernier avec une force particulière, d'autant plus modeste et neutre que le paysage et les vêtements sont assimilés à un accompagnement silencieux, à peine perceptible.

Les étudiants et disciples de Léonard ont créé de nombreuses répliques de la Joconde. Certains d'entre eux (de la collection Vernon, USA ; de la collection Walter, Baltimore, USA ; et depuis quelque temps la Joconde d'Isleworth, Suisse) sont considérés comme authentiques par leurs propriétaires, et le tableau du Louvre est une copie. Il existe également une iconographie de la « Joconde nue », représentée par plusieurs variantes (« Beautiful Gabriel », « Monna Vanna », l'Ermitage « Donna Nuda »), apparemment réalisées par les propres élèves de l'artiste. Un grand nombre d'entre eux ont donné lieu à une version indémontrable selon laquelle il existait une version de la Joconde nue, écrite par le maître lui-même.

La réputation de la peinture

"Mona Lisa" derrière une vitre pare-balles au Louvre et les visiteurs du musée se pressent à proximité

Malgré le fait que la "Mona Lisa" était très appréciée des contemporains de l'artiste, sa renommée s'est estompée à l'avenir. La peinture n'est restée dans les mémoires qu'au milieu du XIXe siècle, lorsque des artistes proches du mouvement symboliste ont commencé à en faire l'éloge, l'associant à leurs idées sur le mystère féminin. Le critique Walter Pater a exprimé son opinion dans son essai de 1867 sur da Vinci, décrivant la figure du tableau comme une sorte d'incarnation mythique de l'éternel féminin, qui est "plus vieux que les rochers entre lesquels elle est assise" et qui "est mort plusieurs fois et appris les secrets de l'au-delà".

La poursuite de l'ascension de la notoriété du tableau est liée à sa mystérieuse disparition au début du XXe siècle et à son heureux retour au musée quelques années plus tard (voir ci-dessous, rubrique Le Vol), grâce à quoi il ne quitta pas les pages de journaux.

Contemporain de ses aventures, le critique Abram Efros écrit : "... le gardien du musée, qui ne s'est pas écarté d'un pas de l'image depuis son retour au Louvre après l'enlèvement en 1911, n'a pas gardé un portrait de sa femme Francesca del Giocondo, mais l'image d'une sorte de créature mi-humaine, mi-serpent, souriante ou sombre, dominant l'espace glacé, nu et rocheux qui s'étendait derrière son dos.

"Mona Lisa" est aujourd'hui l'une des peintures les plus célèbres de l'art d'Europe occidentale. Sa réputation de haut niveau est associée non seulement à sa grande valeur artistique, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.

Tout le monde sait quelle énigme insoluble Mona Lisa demande depuis quatre cents ans aux admirateurs qui se pressent devant son image. Jamais un artiste n'a exprimé l'essence de la féminité (je cite les lignes écrites par un écrivain raffiné se cachant derrière le pseudonyme de Pierre Corlet) : d'autres pour n'en contempler que l'éclat. (Eugène Muntz).

L'un des mystères est lié à la profonde affection que l'auteur portait à cette œuvre. Diverses explications ont été proposées, par exemple romantiques: Leonardo est tombé amoureux de Mona Lisa et a délibérément retardé le travail afin de rester plus longtemps avec elle, et elle l'a taquiné avec son sourire mystérieux et l'a amené aux plus grandes extases créatives. Cette version est considérée comme une simple spéculation. Dzhivelegov estime que cet attachement est dû au fait qu'il y a trouvé le point d'application de nombre de ses recherches créatives (voir la section Technique).

Le sourire de Gioconda

Le sourire de Mona Lisa est l'un des mystères les plus célèbres du tableau. Ce léger sourire vagabond se retrouve dans de nombreuses œuvres du maître lui-même et des Léonardesques, mais c'est dans Mona Lisa qu'elle a atteint sa perfection.

Le charme démoniaque de ce sourire fascine particulièrement le spectateur. Des centaines de poètes et d'écrivains ont écrit sur cette femme, qui semble soit souriante de manière séduisante, soit figée, regardant froidement et sans âme dans l'espace, et personne n'a deviné son sourire, personne n'a interprété ses pensées. Tout, même le paysage, est mystérieux, comme un rêve, tremblant, comme un brouillard de sensualité avant l'orage (Muter).

Grashchenkov écrit: «L'infinie variété des sentiments et des désirs humains, des passions et des pensées opposées, lissées et fusionnées, ne répond dans l'apparence harmonieusement impassible de la Joconde que par l'incertitude de son sourire, à peine émergeant et disparaissant. Ce mouvement fugace sans signification des coins de sa bouche, comme un écho lointain fusionné en un seul son, nous transmet de la distance illimitée la polyphonie colorée de la vie spirituelle d'une personne.

Le critique d'art Rotenberg estime qu '«il y a peu de portraits dans le monde entier qui soient à la hauteur de la Joconde en termes de pouvoir d'expression de la personnalité humaine, incarnée dans l'unité du caractère et de l'intellect. C'est l'extraordinaire intensité intellectuelle du portrait de Léonard qui le distingue des portraits-images du Quattrocento. Cette caractéristique est perçue avec d'autant plus d'acuité qu'elle se réfère à un portrait féminin, dans lequel le personnage du modèle se révélait auparavant dans un tout autre ton figuratif à prédominance lyrique. Le sentiment de force émanant de la "Mona Lisa" est une combinaison organique de sang-froid intérieur et d'un sentiment de liberté personnelle, l'harmonie spirituelle d'une personne basée sur sa conscience de sa propre signification. Et son sourire lui-même n'exprime nullement la supériorité ou le dédain ; il est perçu comme le résultat d'une confiance en soi sereine et d'une maîtrise de soi complète.

Boris Whipper souligne que l'absence susmentionnée de sourcils et de front rasé renforce peut-être involontairement l'étrange mystère de son expression. Plus loin, il écrit sur le pouvoir d'influence de l'image : « Si nous nous demandons quel est le grand pouvoir d'attraction de la Joconde, son effet hypnotique vraiment incomparable, alors il ne peut y avoir qu'une seule réponse - dans sa spiritualité. Les interprétations les plus ingénieuses et les plus opposées ont été mises dans le sourire de la Joconde. Ils voulaient y lire orgueil et tendresse, sensualité et coquetterie, cruauté et pudeur. L'erreur était, premièrement, qu'ils recherchaient à tout prix des propriétés spirituelles individuelles et subjectives à l'image de Mona Lisa, alors qu'il ne fait aucun doute que Léonard a atteint précisément la spiritualité typique. Deuxièmement, et c'est peut-être encore plus important, ils ont essayé d'attribuer un contenu émotionnel à la spiritualité de Mona Lisa, alors qu'en fait elle a des racines intellectuelles. Le miracle de la Joconde réside précisément dans le fait qu'elle pense ; que, devant une planche jaunie et craquelée, on sent irrésistiblement la présence d'un être doué de raison, un être avec qui on peut parler et dont on peut attendre une réponse.

Lazarev l'a analysé en tant qu'historien de l'art : « Ce sourire n'est pas tant une caractéristique individuelle de Mona Lisa, mais une formule typique de renaissance psychologique, une formule qui parcourt comme un fil rouge toutes les images de jeunesse de Léonard, une formule qui plus tard transformé, entre les mains de ses étudiants et disciples, en cachet traditionnel. Comme les proportions des figures de Leonard, il est construit sur les mesures mathématiques les plus fines, sur une stricte considération des valeurs expressives des différentes parties du visage. Et pour autant, ce sourire est absolument naturel, et c'est justement la force de son charme. Il prend tout ce qui est dur, tendu, figé du visage, il le transforme en un miroir d'expériences émotionnelles vagues et indéfinies, dans sa légèreté insaisissable, il ne peut être comparé qu'à une houle qui traverse l'eau.

Son analyse a attiré l'attention non seulement des historiens de l'art, mais aussi des psychologues. Sigmund Freud écrit : « Qui représente les peintures de Léonard, le souvenir d'un sourire étrange, captivant et mystérieux qui se cache sur les lèvres de ses images féminines émerge en lui. Le sourire, figé sur des lèvres allongées et frémissantes, devient caractéristique de lui et est le plus souvent appelé "Léonard". Dans l'apparence particulièrement belle de la florentine Mona Lisa del Gioconda, elle capture et confond surtout le spectateur. Ce sourire demandait une interprétation, mais trouvait la plus diverse, dont aucune ne satisfait. (…) La conjecture selon laquelle deux éléments différents étaient combinés dans le sourire de Mona Lisa est née par de nombreux critiques. Par conséquent, dans l'expression du visage de la belle florentine, ils ont vu l'image la plus parfaite de l'antagonisme qui régit la vie amoureuse d'une femme, la retenue et la séduction, la tendresse sacrificielle et la sensualité imprudemment exigeante, absorbant un homme comme quelque chose d'étranger. (...) Léonard face à Mona Lisa a réussi à reproduire le double sens de son sourire, la promesse d'une tendresse sans bornes et d'une menace inquiétante.

Copie du XVIe siècle, située à l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Le charme démoniaque de ce sourire fascine particulièrement le spectateur. Des centaines de poètes et d'écrivains ont écrit sur cette femme, qui semble soit souriante de manière séduisante, soit figée, regardant froidement et sans âme dans l'espace, et personne n'a deviné son sourire, personne n'a interprété ses pensées. Tout, même le paysage, est mystérieux, comme un rêve, tremblant, comme un brouillard de sensualité avant l'orage (Muter).

L'histoire de la peinture à l'époque moderne

Au jour de sa mort en 1525, l'assistant (et peut-être amant) de Léonard nommé Salai possédait, à en juger par les références dans ses papiers personnels, un portrait d'une femme appelée "Gioconda" ( quadro de una dona aretata), qui lui a été légué par son professeur. Salai a laissé le tableau à ses sœurs qui vivaient à Milan. Il reste un mystère comment, dans ce cas, le portrait est revenu de Milan en France. On ne sait pas non plus qui et quand exactement ont coupé les bords du tableau avec des colonnes, qui, selon la plupart des chercheurs, sur la base d'une comparaison avec d'autres portraits, existaient dans la version originale. Contrairement à une autre œuvre recadrée de Leonardo - "Portrait de Ginevra Benci", dont la partie inférieure a été coupée, car elle a souffert de l'eau ou du feu, dans ce cas, les raisons étaient très probablement de nature compositionnelle. Il existe une version selon laquelle cela a été fait par Léonard de Vinci lui-même.

Foule au Louvre près du tableau, aujourd'hui

Le roi François Ier aurait acheté le tableau aux héritiers de Salai (pour 4 000 écus) et l'aurait conservé dans son château de Fontainebleau, où il est resté jusqu'à l'époque de Louis XIV. Ce dernier l'a transférée au château de Versailles et, après la Révolution française, elle s'est retrouvée au Louvre. Napoléon a accroché le portrait dans sa chambre du palais des Tuileries, puis elle est retournée au musée.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, le tableau est transporté en toute sécurité du Louvre au château d'Amboise (lieu de la mort et de la sépulture de Léonard), puis à l'abbaye de Loc-Dieu, et enfin au musée Ingres de Montauban, d'où , après la victoire, il est revenu sain et sauf à sa place.

Vandalisme

En 1956, la partie inférieure du tableau a été endommagée lorsqu'un visiteur a versé de l'acide dessus. Le 30 décembre de la même année, le jeune bolivien Hugo Ungaza Villegas lui lança une pierre et abîma la couche picturale au niveau du coude (la perte fut enregistrée par la suite). Après cela, la Joconde a été protégée par du verre pare-balles, qui l'a protégée de nouvelles attaques graves. Pourtant, en avril 1974, une femme, frustrée par la politique du musée à l'égard des personnes handicapées, tente de vaporiser de la peinture rouge à l'aide d'une bombe aérosol alors que le tableau est exposé à Tokyo, et le 2 avril 2009, une femme russe qui n'a pas reçu le français la citoyenneté a lancé une tasse d'argile dans le verre. Ces deux cas n'ont pas nui à l'image.

Dans l'art

Kazimir Malevitch. Composition avec Mona Lisa.

La peinture:

• Kazimir Malevich en 1914 a fait "Composition avec Mona Lisa".
• Le dadaïste Marcel Duchamp crée en 1919 l'œuvre "L.H.O.O.Q." , qui était une reproduction de la célèbre toile avec une moustache attachée.
• Fernand Léger peint La Joconde aux clés en 1930.
• René Magritte en 1960 a créé le tableau "La Gioconda", où il n'y a pas de Mona Lisa, mais il y a une fenêtre.
• Andy Warhol en 1963 et 1978 a fait la composition "Four Mona Lisa" et "Thirty Are Better Than One Andy Warhol" (1963), "Mona Lisa (Two Times)" ().
• Salvador Dali a peint l'Autoportrait en Mona Lisa en 1964.
• Représentant de l'art figuratif